Living In Myths With Weyes Blood

To stało się wyraźniejsze wraz z wiadomością o jej kolejnym albumie, Titanic Rising, który ukaże się w kwietniu za pośrednictwem legendarnej wytwórni z północnego zachodu Pacyfiku, Sub Pop. Będzie to jej pierwszy album wydany przez Sub Pop, a muzyka zawiera zwiększone poczucie pewności siebie i zwinność, która przychodzi razem z poziomem up w wytwórni. Titanic Rising rozbudowuje piękne bluesy z Front Row Seat To Earth, zagłębiając się w mityczną potęgę filmów i badając, w jaki sposób siły tych nieosiągalnych opowieści o miłości skręcają nasze zbolałe, samotne psychiki.

Jednak Titanic nie jest wcale smutnym albumem, ale przemyślanym i zdecydowanie ambitnym dziełem. Pozwala Mering po raz pierwszy stanąć obok wielkich autorów piosenek naszych czasów, jest, jeśli pozwolisz na to porównanie, milenijną Joni Mitchell, łączącą dzieła serca z politycznymi przemyśleniami i zachwycającymi uniwersalnymi tematami. Przed premierą albumu — ukaże się 12 kwietnia, ale już teraz możesz zamówić limitowaną edycję winylową z Vinyl Me, Please — rozmawiałem z Mering o miejscu, jakie ten album zajmuje w jej karierze, nowej piosence wprowadzającej „Andromeda” i dlaczego Titanic jest jednym z niewielu współczesnych nieśmiertelnych mitów.

Grasz muzykę od lat, ale album Front Row Seat To Earth z 2016 roku wydawał się albumem, na którym wszystko się kliknęło, jakbyś była u szczytu swoich możliwości. Jednak słuchając Titanic Rising, czuje się, że to kolejny poziom wyżej od tego. Jaki jest związek między tymi dwoma ostatnimi albumami dla ciebie i jak różni się przy odczuciu zbliżającej się premiery Titanic?

Na Front Row Seat to Earth z pewnością wzięłam większą odpowiedzialność za produkcję. Miałam kilka wielkich możliwości dzięki mojej pierwszej płycie z Mexican Summer, The Innocents, aby dużo koncertować i naprawdę doskonalić moje umiejętności wokalne i pisania piosenek, mając szansę występować przez miesiące, co jest zdecydowanie przywilejem dla ludzi z indie, ponieważ uważam, że scena DIY w ostatnich latach trochę się pogorszyła. Aby naprawdę osiągnąć te występy i grać konsekwentnie dla publiczności, która słucha, jest coraz trudniej.

Front Row Seat było kulminacją moich występów, wzięciem odpowiedzialności i pracy z kimś takim jak [producent] Chris Cohen, któremu mocno ufam. Przy tym kolejnym albumie było tego jeszcze więcej. Miałam okazję koncertować jeszcze więcej, miałam szansę grać z kimkolwiek chciałam. A Jonathan Rado, który pomógł mi wyprodukować płytę, jeszcze bardziej pozwolił mi na swobodę, jeśli chodzi o jego opinię, zawsze zgodną z moją, w przeciwieństwie do Chrisa i mnie, którzy czasem się starli na pewne rzeczy. Było więc ciekawie nagle mieć jeszcze więcej swobody do eksplorowania różnych obszarów. Dla mnie to był po prostu długi proces, aby dojść do tego punktu, ponieważ do tej pory nie miałam takich możliwości.

To twój pierwszy album z Sub Pop, co osobiście jest jedną z moich ulubionych wytwórni. Dorastałem na północnym zachodzie, więc byli tam wszędzie. Co przyciągnęło cię do pracy z nimi i jakie były twoje doświadczenia?

Dla mnie też są bardzo ważni. Kiedy byli mną zainteresowani, byłam naprawdę zdumiona. Były też inne wytwórnie, które były nieco bardziej, jakby to powiedzieć, graniczne w stosunku do dużych wytwórni, albo trochę bardziej gorącym nazwiskiem, które można było rzucić. A sposób, w jaki te wytwórnie mnie traktowały był totalnie losowy — dużo wining i dining, a potem proszenia o dema, i to jest po prostu tak, że… moje płyty mówią same za siebie. Jestem na etapie życia, na którym nie muszę robić dem, aby dostać kontrakt płytowy. To nie jest mój styl.

Więc Sub Pop wyszło z lasu i nie chcieli żadnych dem. Chcieli mnie podpisać na podstawie tego, kim byłam, i mieli naprawdę wspaniałą, taką DIY/indie etykę i nie próbowali kupić całego mojego życia. Czułam z nimi pokrewną duszę i po prostu ogromną ilość życzliwości, wsparcia i prawdziwego zainteresowania. Ludzie w wytwórni faktycznie słuchali mojej muzyki na poziomie osobistym i czuło się, jakby to była rodzina, było to fajne.

Takie są też moje doświadczenia z nimi. Biorąc pod uwagę pewien podkład tradycjonalizmu w twojej muzyce — sposób, w jaki nawiązuje do niektórych starych folkowych i wokalnych elementów, ale także łączy się z piosenkami pop z XXI wieku — myślę, że wydanie na winylu ma sens. To jeden ze sposobów zachowywania muzyki w fizycznej formie, ale dlaczego zdecydowałaś się na współpracę z Vinyl Me, Please przy tym projekcie?

Jestem wielką fanką ludzi, którzy orędują za fizycznymi kopią muzyki. To zupełnie co innego niż streaming. Wszystkie te firmy streamingowe stosują kompresory i różne rzeczy do zmiany dźwięku, a posiadanie surowej analogowej kopii płyty jest w zasadzie tym, co artysta chciałby, aby wszyscy słyszeli. I to jest zupełnie inne doświadczenie, kiedy włączasz płytę na gramofonie, aby jej posłuchać, w przeciwieństwie do streamingu, zwłaszcza z tymi cholernymi algorytmami. Jestem tak wkurzona, że jak tylko skończysz słuchać płyty na Spotify, to przerzuca cię do jakiegoś badziewia, którego nawet nie chcesz słuchać, wiesz, o co mi chodzi? To po prostu naprawdę smutne. Ale winyl, szczególnie, angażuje cię w muzykę i zmusza do pauzy. Sądzę, że to świetny sposób na słuchanie albumów.

Porozmawiajmy o piosence, której użyłaś do wprowadzenia nowej ery, „Andromeda”. Oczywiście ma ona aluzje do przeszłości i wszechświata na większą skalę, a także związki z nowoczesnością i technologią. Dlaczego chciałaś zacząć od tej piosenki nowy album?

Myślę, że było wiele piosenek na albumie, które wszyscy bardzo lubiliśmy, i ciągle wydawało się, że „Andromeda” jest tym naprawdę fajnym punktem spotkania między bardziej elektronicznymi i oszczędnymi aranżacjami, przestrzennymi, a nostalgicznym pisaniem piosenek. Miała w sobie wszystko zawarte w jednym, i po prostu myślę, że to naprawdę piękna piosenka. Kiedy napisałam tę piosenkę, czułam w niej wiele emocji. Jestem wielką fanką country, zwłaszcza country z lat 80. i takiego lo-fi country z lat 80., które używał LinnDrum, czyli automatu perkusyjnego, którego użyliśmy w utworze. Jest to również pierwsza piosenka, którą zrobiliśmy razem z Rado, więc miała ona specjalne uczucie, ponieważ nie miałam LinnDrum, a on miał, i pomyślałam: 'Idealnie, napisałam tę piosenkę, zakładając, że będzie LinnDrum' i wszystko złożyło się w całość i było to naprawdę magiczne, więc to po prostu dobre wprowadzenie.

Jednym z moich ulubionych utworów na albumie jest piosenka „Movies”, zwłaszcza jako osoba mieszkająca w L.A. i myśląca o tym, jak te historie kształtują nasze życie i mają tak wielki wpływ. Ta piosenka zdaje się widzieć jasną stronę tego przemysłu zamiast jego ciemnej strony, ale tytuł albumu sprawia, że myślę, że był konkretny film i doświadczenie, które zainspirowały napisanie tej piosenki.

Dla mnie jako dziecka filmy miały ogromny wpływ emocjonalny i naprawdę miałam ogromny wpływ emocjonalny na Titanic, ponieważ był skierowany do małych białych dziewczynek w późnych latach 90. Był zaprojektowany dla nas w dziwny sposób, i miałam intensywną epifanię w wieku 12 lat, że te filmy pranie mózgów ludzi, bo były jedynym źródłem uniwersalnych mitów, jakie dostarczała nasza kultura. (Poza religią, która i tak odchodziła na boczny tor i niepokoiła większość ludzi.)

Uważałam, że jest coś niesamowicie niesprawiedliwego w Hollywood i jego sposób bycia tak kapitalistycznym przemysłem. Nie mogą nie być na dziwnej stronie, więc w wielu przypadkach to po prostu dziwna rzecz, ponieważ nie możesz naprawdę nienawidzić filmów, jest w nich coś tak magicznego, ponieważ psychologicznie, tak właśnie działamy. Działamy poprzez mity i to nasz sposób rozumienia rzeczywistości, więc w wielu przypadkach myślę, że ta piosenka jest o oglądaniu tych mitów, akceptowaniu ich takimi, jakie są, akceptowaniu negatywnej strony — która jest tym bardzo specyficznym uproszczeniem doświadczenia i wykluczaniem osób kolorowych i osób z różnymi doświadczeniami.

Obserwowanie tej zmiany, tylko w ciągu ostatnich dwóch lat, rzeczywiście czuć wpływ, jaki miała na ludzi! Cała linijka „Chcę być w moim własnym filmie” jest reprezentatywna dla naszej rzeczywistości, gdzie, w wielu przypadkach, ludzie nie żyją w swojej własnej rzeczywistości. Niezależnie od tego, czy patrzymy na cudze Instagramy, czy kapitalizm mówi ludziom, że tego potrzebują albo muszą wyglądać tak, albo film przedstawia rzeczywistość w sposób naprawdę zakręcony lub przedstawia romantyczną miłość w przesadzony sposób. Uważam, że w wielu przypadkach ludzie chcą żyć swoimi mitami i chcą, aby były ich własne. Filmy to takie subpar wersje naszych najgłębszych potrzeb psychicznych.

Tak, a ty piszesz coś w rodzaju redemptive take — przynajmniej w tytule — na tę opowieść, która jest jednym z największych tragedii w naszej nowoczesnej kulturze. Podobało mi się, jak tytułowy utwór był głównie instrumentalny i prawie jak uwertura do filmu w swoim własnym rodzaju.

Cóż, powód, dla którego Titanic ma dla mnie takie ogromne znaczenie symboliczne, nie tylko dlatego, że był zaprojektowany dla małych dziewczynek, ale pokazywał pychę człowieka w późnych latach 90., pycha człowieka staje się dość intensywna i myślę, że wszyscy mogliśmy poczuć, że coś się wydarzy i będzie naprawdę źle. Nawet jako mała dziewczynka myślałam, ‘O mój Boże, nie mamy dominacji nad naturą i naprawdę musimy to postawić na swoim miejscu.’ To po prostu wydaje się odpowiednie dla czasów, bo statek zderzył się z górą lodową, a teraz lody topnieją, a zamiast tego statku toną kraje Trzeciego Świata. Czuję, że to trochę absurdalnie równoległe, a koncepcja Titanic Rising jest bardziej jak ta powoli rozwijająca się pycha człowieka, zalewająca ludzkość w tempie, którego nie jesteśmy w stanie w pełni pojąć, trochę jak żaba gotująca się w wodzie. Bez względu na to, jak wielki film mógłbyś zrobić o całej koncepcji, bez względu na to, jaki wpływ ten film miał na moje życie, wciąż walczymy z tymi ludźmi, którzy stale decydują, że mamy kontrolę.

Ten tytułowy utwór instrumentalny pojawia się w połowie albumu, a potem zamykający utwór odnosi się do bardzo znanego hymnu. Mówiłeś, że wychowanie w kościele miało wpływ na twoje dzieciństwo i twórczość, więc zastanawiam się, czy ważne było, aby zawrzeć odniesienie do tego w tym albumie?

Tak, a jeśli chodzi o ten hymn, to również była ostatnia, piosenka, którą zagrał zespół na Titanicu. Więc to wszystko jest powiązane. Pełny tytuł to „Nearer, My God, To Thee”, ominąłem „mój Boże”, ponieważ czuję, że dzisiaj Bóg jest przestarzałym terminem i dla ludzi „ty” jest bardziej wielką, zrozumiałą ideą supermocy, która czuwa nad wszystkim, co się dzieje. „Nearer To Thee” jest trochę bardziej w stylu wielkiej osobliwości, a aranżacja smyczkowa jest taka sama jak w „A Lot’s Gonna Change”, która jest pierwszą piosenką na płycie i rodzajem tematu całej płyty; że wszyscy przechodzimy przez ogromne zmiany, zwłaszcza ludzie w moim wieku, którzy pamiętają czasy przed internetem i mają te wspomnienia z czasów, gdy środowisko było lekko inne. Czuję, że życie w L.A. — a zwłaszcza w Pensylwanii — było bardzo inne przed zmianami klimatycznymi XXI wieku. Widzę pewne szalone zmiany, więc uważam, że zakończenie na tej nutie jest odpowiednie: Tak, dużo się zmieni, zróbmy z tego jak najwięcej. Trochę jak zespół z Titanicu, grający do ostatniego momentu.