VMP En hausse : vie de garçon

Comme le font souvent les jeunes enfants en découvrant leurs centres d'intérêt et leurs passe-temps, Ryan Yoo a commencé à jouer du piano et du clarinette avant de se mettre à apprendre la guitare en autodidacte au collège. La musique n'avait pas été à l'horizon pour lui. En fait, il ne l'a même jamais vraiment considérée profondément avant l'université. Même alors, cela a été un processus d'essais et d'erreurs, mais entre l'exploration des sons et de soi, quelque chose d'indélébile est apparu. Trouver la liberté créative est une aspiration pour de nombreux artistes qui peut finalement devenir un voyage à vie, mais pour Yoo, il a trouvé exactement cela dans son projet solo en tant que boylife.

“J'entreprends chaque projet avec des priorités différentes. Avec mon projet solo, mes intentions étaient très spécifiques. J'ai décidé très tôt que je faisais cela uniquement pour moi-même. Peu importe si ça obtient un seul stream ou un milliard de streams. C'était entièrement pour exprimer mon ressenti et satisfaire mon âme. Ce n'était pas du tout à propos de l'accueil ou de la perception du projet,” a expliqué Yoo. “C'était quelque chose que j'ai trouvé très libérateur sur le plan créatif, car pour moi : Dès que je suis heureux avec une chanson, j'ai gagné. C'est quelque chose que je peux apprécier, car j'ai déjà cette satisfaction à ce moment-là. Je ne suis pas sûr que tout le monde parte avec cette intention, mais je devais rendre cela très clair pour moi dès le début. Avec mon projet solo, c'est mon sanctuaire.”

VMP : J'ai l'impression qu'il est très évident dans ta musique que tu es très honnête et que tu te dévoiles tel que tu es. Je sais que gelato a été un processus de quatre ou cinq ans pour toi. Tu travaillais probablement là-dessus pendant la pandémie également. Cela a-t-il influencé tes processus créatifs ou changé ta façon d'aborder ta musique ?

boylife : Pendant une grande partie de la pandémie, je n'ai pas pu aller dans des studios. Cela a légèrement changé les choses, car mes outils étaient un peu plus limités, et mon emploi du temps était également beaucoup plus ouvert. Au-delà de cela, je ne pense pas que cela ait changé la façon dont la musique allait se matérialiser. La manière dont l'album est sorti, ça serait arrivé de cette façon de toute façon. La seule chose qui aurait pu être différente, c'est peut-être plus de cordes, si j'avais pu le faire. J'ai l'impression que beaucoup d'artistes ont dit : “Yo, la pandémie m'a fait ça ou m'a aidé à faire ça.” Artistiquement, ça n'a pas vraiment changé grand-chose. Ça n'a pas fait de différence pour moi, honnêtement.

Comme je l'ai dit plus tôt, je sais que gelato a été un long processus pour toi — quatre à cinq ans. C'est vraiment long pour qui que ce soit. Beaucoup de choses peuvent changer entre-temps. Comment as-tu vu ta propre évolution ou ton changement depuis tes débuts jusqu'à maintenant avec l'album enfin terminé ?

Ça a été une très longue période. J'ai définitivement changé à la fois en tant que personne et en tant qu'artiste. Quand on est jeune, chaque année fait une énorme différence en termes de connaissance de soi et de confiance. C'est la seule grande différence pour moi. Je n'ai pas l'impression d'avoir quoi que ce soit à prouver. Je pense qu'au début, quand je faisais de la musique, il y avait une insécurité et je voulais prouver que je pouvais faire quelque chose. Je voulais prouver que ma vision était singulière, ce qui est en partie comment “church” est arrivé. Je me disais : “Je vais créer quelque chose qui ne ressemble à rien de ce que j'ai entendu auparavant.” Je fais toujours cela, mais l'intention a changé. C'est plus une quête de ma flamme et de ce qui m'excite artistiquement. Au début, quand je créais des chansons de boylife, je ne savais pas que je créais des chansons de boylife parce que boylife n'était pas encore un projet. Je me disais : “Ça ne correspond à aucun projet sur lequel je travaille, mais j'ai besoin de le faire.” Finalement, toutes les chansons nées de cette urgence sont devenues les chansons de boylife. C'est aussi un autre changement qui s'est produit au cours des quatre ou cinq dernières années — le projet a été inventé.

Alors que j'écoutais l'album, j'ai remarqué quelque chose : “lush 2” précède “lush” dans la liste des titres. Peux-tu parler de la connexion entre ces deux chansons et ce qui t'a guidé à faire en sorte que les gens entendent “lush 2” avant “lush” ?

J'ai fait “lush” avant de faire “lush 2.” “lush” a commencé par une autre pièce appelée “sober” et c'était une chanson en deux parties. Une des raisons pour lesquelles le mot “lush” a été incorporé, c'est que “lush” est un mot ancien pour désigner un ivrogne. Cette chanson a été cannibalisée et transformée en une autre pièce, qui a morphé en quelque chose d'autre, et elle est devenue “lush” telle que nous la connaissons maintenant. Mais le titre est resté le même. Ça n'a rien à voir avec l'ivresse, à part peut-être la partie où tu es trop honnête. Pour “lush 2”, je voulais que ce soit — si j'étais super complètement ivre, de quoi parlerais-je ?

Le jeu de guitare et les rythmes sont les mêmes sur les deux pistes, donc pour moi, elles sont soniquement un peu similaires. C'est la connexion. Très lâche, très aléatoire. Mais elles sont toutes les deux vaguement liées à l'alcool, je suppose. [Rires] En ce qui concerne l'enchaînement, “lush 2” vient avant “lush” parce que thématiquement, à ce moment dans l'album, il était important pour moi de mettre ce message là où il se trouve. Il était important pour moi qu'il soit à côté de “bummy.”

“bummy” est presque comme se sentir mal dans sa peau, mais sans le prendre trop au sérieux. Je suis bipolaire, donc c'est de cela qu'il s'agit. Et ensuite “lush 2”, pour moi, parlait d'un autre aspect de cela. “bummy” célèbre presque cela et dit : “Oui ! C'est ça !” L'énergie est bruyante et folle. Avec “lush 2”, c'était l'extrémité opposée. Pour moi, il était important de les placer côte à côte, car elles parlent de deux facettes d'une même pièce. Après “lush 2”, il y a “superpretty”, qui, pour moi, parle aussi d'un autre aspect de la même chose. Elles sont toutes connectées, à mon avis.

Je pense que cela ouvre beaucoup sur l'intention derrière l'album et comment il est incroyablement bien pensé.

Il est important pour moi que les chansons soient plus fortes dans leur contexte que isolément. Si je suis très honnête avec moi-même, je ne pense pas qu'il y ait quoi que ce soit qui s'apparente à un titre à succès sur l'album. Je pense que les chansons sont excellentes individuellement, mais je sens que la meilleure présentation est quand vous les écoutez toutes à la suite, car elles se parlent de cette manière.

Sur le sujet de “lush”, cela évoque quelqu'un qui est incapable d'être honnête avec lui-même au début. C'est drôle, parce que toi-même, tu es sans excuse et honnête sur qui tu es et tes expériences. Comme tu l'as mentionné, tout le but de boylife est de simplement créer et d'être qui tu es. As-tu déjà eu des difficultés à montrer cette partie intime de toi dans ta musique ? Ou est-ce quelque chose qui vient naturellement à toi ?

C'est définitivement difficile. Si je ne ressens pas ce malaise qui vient de devenir un peu trop honnête sur quelque chose — si je ne me sens pas mal à l'aise en jouant ça pour quelqu'un, alors ça ne fait pas la coupe. Je dois me sentir un peu nu en le jouant pour quelqu'un. Je l'ai ressenti avec chacune des chansons de l'album. La première fois que j'ai joué “churches” pour l'un de mes amis de l'église, je pensais : “Pourquoi ai-je fait ça ?” Et il a dit : “C'est génial.” C'était une belle première pièce d'encouragement qui m'a montré que je pouvais simplement être honnête, et s'il y a quelque chose de réel là-dedans, alors je peux faire confiance à quelqu'un dans le monde qui va résonner avec ça. C'est définitivement difficile, mais très laborieux. Dans le cas de “lush”, spécifiquement, c'est un peu métamétaphysique d'être honnête sur le fait de ne pas pouvoir être honnête [rires], mais j'ai définitivement essayé d'incarner cela dans la chanson autant que possible. Cette chanson est toujours un peu gênante à jouer pour les gens. Peu de gens passent la première ligne [rires].

Je sais que tu as parlé de certaines de tes musiques précédemment publiées et des expériences qui ont façonné des chansons comme “peas” ou “bummy.” Peux-tu plonger dans les nouvelles chansons de ton album et ce qui a influencé les sujets de celles-ci ?

Chaque chanson est attachée à une histoire ou un moment. Je fais la musique de boylife très lentement parce que chaque chanson est comme un récipient dans lequel je verse un petit morceau de mon âme, et pour chacune d'elles soit différente, je sens que mon âme doit être un peu différente. Et pour que mon âme soit un peu différente, un bon moment doit s'être écoulé ou une nouvelle expérience doit s'être produite. Donc chacune porte définitivement une pensée ou une expérience différente au centre.

Dans le cas de “hey”, par exemple, cela est venu vers la fin du processus de création de l'album et je réfléchissais à toutes les différentes pièces. J'ai réalisé : “Oh, c'est un autoportrait.” C'est essentiellement ce que cet album est. C'est un autoportrait. Je montre simplement ces différentes pièces, les différents côtés. C'est presque comme une méditation sur ma relation avec moi-même et comment je me vois. C'est une sorte de paroles bizarres. “Hey gelato, je t'aime de façon violente.” Mais, d'une manière ou d'une autre, cela me semble juste.

Certaines de ces autres pistes comme “church”, je ne pourrais jamais les recréer. Peut-être que “peas” est la seule que je pourrais faire à un autre moment de ma vie, car celle-ci reflète quelque chose avec lequel j'ai grandi. Mais peut-être que je ne pourrais pas, parce que le moment où je l'ai fait était quand je réfléchissais à cela intentionnellement et que je redéfinissais ma relation avec mes parents à ce moment-là. Donc peut-être que je ne pourrais pas faire ça de nouveau.

Quand j'ai entendu “peas” pour la première fois, j'ai éclaté en sanglots, à cause de la façon dont c'était relatable. Je suis également d'origine asiatique américaine, et j'avais ce fossé générationnel et culturel avec mes parents. Quand tu écrivais cela du point de vue de tes parents, cela a-t-il changé ta façon de voir ta relation avec eux ? Ou est-ce que cela t'a aidé à mieux les comprendre ?

Je dirais que la chanson n'a pas directement eu d'effet. C'était plutôt le produit des changements et de voir comment mes parents m'aimaient. J'ai eu une année assez difficile — une année particulière où beaucoup de choses intenses m'arrivaient. Mes parents étaient simplement là pour moi. Je pouvais sentir qu'ils n'avaient aucune idée de ce qui se passait, mais je pouvais clairement sentir combien ils m'aimaient. Le plateau de fruits est le signe universel de l'amour, ou, “Hey, as-tu faim ? As-tu mangé ?” C'est la façon dont un parent asiatique dit qu'il t'aime. Je réfléchissais à tout cela, et après cette période, cela m'a fait apprécier la manière dont mes parents me voient et m'aiment sous un nouveau jour.

J'étais encore en train de finir mes études à l'université quand la pandémie a frappé, et je suis rentré chez moi. J'avais toujours peur que ma mère apparaisse dans mes cours Zoom avec un plateau de fruits. [Rires] Je l'apprécie vraiment.

C'est drôle à quel point c'est universel. Quand je faisais cela, je ne pensais pas : “C'est pour les enfants d'immigrés.” C'était juste des trucs sur ma vie.

À travers l'album, il y a le thème général et les paroles de “gelato” qui apparaissent souvent. Que signifie pour toi cette phrase et quel est ce thème tout au long de l'album ?

Gelato est délicieux. Tu dois le manger avant qu'il ne fonde complètement, tout en gardant sa forme. Pour une raison quelconque, cela est devenu la métaphore ultime pour chacune de ces expériences que j'ai vécues. La première chanson dit : “Tout fondra comme du gelato.” C'est ma façon de dire la phrase classique, “Cela aussi passera.” En gardant cela à l'esprit, il était important de capturer chacun de ces moments alors que je les vivais de la manière la plus honnête et directe possible. Parce que ce sont des moments, et ils vont passer. Et avant qu'ils ne passent, je veux être sûr d'avoir été présent pour eux. C'est une des idées principales autour du thème gelato. Pour la refrain de piano d'introduction, je l'ai fait revenir plusieurs fois et l'album est presque comme un symbole d'un rappel que cela aussi passera. Tout fondra. C'est vraiment l'idée. De plus, pour une raison quelconque, je ne sais pas comment ni quand cela s'est produit, les gens m'appellent Gelato. Donc ça, c'est aussi une autre chose. En fin de compte, l'album était un autoportrait.