Les 10 meilleurs albums électroniques de 2017

L'émergence du son kuduro afro-portugais de Lisbonne indique le vaste potentiel de la musique électronique à s'adapter et à prospérer en dehors des centres urbains de danse plus conventionnels comme Berlin ou Londres. Bien que le label Principe Discos n'ait pas eu son année la plus prolifique, il a su se tenir dans la scène en 2017. Un nom sans aucun doute reconnu par ceux qui sont familiers avec la série révolutionnaire Cargaa, DJ Lycox présente enfin un album complet, libéré des attentes. À travers les grooves deep house de « Domingo Abençoado » et les leads trance de « Sky », il donne un coup de fouet vivifiant à ce sous-genre vibrant tout au long de Sonhos & Pesadelos. Les complexités polyrythmiques anticipées de cette musique persistent même si les mises en œuvre fluctuent souvent de manière sauvage. Le final baléaire « Solteiro » atteint un équilibre pur de ses éléments, créant un style juste au-delà du reach de la tropical house.

Peu de temps après un compartiment gratifiant sur Leaving Records avec Carlos Niño, Matthew David McQueen fait une apparition sur ce label avant-gardiste basé au Vermont pour le meilleur set ambient de l'année. En accord avec ses idéaux new age, le morceau titre centré sur le céleste scintille comme de la gelée autour de ses braises et crépitements. Même avec toute sa beauté inhérente, la pièce conserve une énergie sombre ou du moins précaire, menaçant d'explorer mais s'effondrant simplement comme une vague à la shore. Composé avant la naissance de sa fille, cette inspiration explique assurément la nature anticipative de sa durée de vingt-quatre minutes. Sur la face B, McQueen rend hommage à M. Geddes Gengras, un autre artiste de son ilk expérimental. Élevant la distorsion, « Gengras » met en feu son léger drone, créant un feu lent luxuriant. Plus incident qu'ouvertement improvisé, le mur de son presque implacable se dissipe avec grâce atténuée.

Sans doute l'un des plus brillants adeptes du bass de notre époque, Kevin Martin a un long parcours musical qui remonte à la domination du dancehall et du dub distordu de The Bug. Ce sont ces expériences antérieures avec l'industriel et le métal dans des projets monosyllabiques comme God et Ice qui rendent cette collaboration dystopique si juste. Un autre vétéran de la musique lourde, le guitariste Dylan Carlson continue à diriger les pionniers du drone Earth, amenant ce groupe dans des terrains passionnants quelque part entre Ennio Morricone et Sunn O))). Ensemble, les deux musiciens embrassent un concept ballardien des années 1970 et l'appliquent de manière appropriée à la Los Angeles moderne, avec des résultats destinés à produire une admiration troublante. De l'ample shoegaze de l'ouverture « City Of Fallen Angels » à l'épopée titulaire de clôture, le duo engage une symétrie sonore ballettique, jouant à la fois l'un avec l'autre et l'un contre l'autre pour donner naissance à une esthétique résolument américaine, si subversive soit-elle.

Originaire de Los Angeles, Nicky Benedek consacre pas mal de temps sur cet album à se replonger dans le passé. En ligne avec ses précédentes collaborations avec Dam-Funk et Tom Noble, les disques de synthétiseur et de boogie des années 1980 influencent plus que tout Bene’s World, une commémoration d'une période fertile de la musique encore pas assez appréciée. Dans leur dévotion, les morceaux de funk puissants « On My Way » et « Westin » côtoient des morceaux plus soignés pour la piste de danse comme « Afterglo » et « Big Nite City ». Après une ouverture chaude et réverbérante, le numéro instrumental R&B « Sonatine » se faufile à un rythme paisible. Même au meilleur, les sorties rétro ne font guère plus que mimer avec précision. Mais l'aptitude de Benedek pour l'écriture signifie qu'il dépasse ces limitations ici. Le point culminant « Ocean Park » reprend des éléments familiers et les retravaille en un morceau house parsemé de la légèreté du smooth jazz.

Bien que ce New-Yorkais soit peut-être le plus largement connu pour son implication avec les hipsters du black metal Liturgy, son travail en tant que batteur en dehors de ce groupe a fait de lui l'un des expérimentateurs les plus respectés de cette décennie. Établissant un pont entre l'acoustique et l'électronique comme lui seul sait le faire, cet effort solo le présente comme un voyageur transcendantale avec une touche espiègle. Fox fait occasionnellement appel à un invité, mais dans l'ensemble, c'est son voyage, un mélange de jazz audacieux avec le bonheur new age. Son pouvoir percussif se manifeste de manière fascinante, dans le groove de Radiohead de la période tardive de « OPB » et au milieu du chaos scintillant de « My House Of Equalizing Predecessors ». Avec l'aide occasionnelle de la saxophoniste Maria Kim Grand et quelques autres instrumentistes, il dépasse le déjà excellent travail qu'il a réalisé avec Guardian Alien et Zs dans cette sortie libre mais principée inspirée par Milford Graves et Pharoah Sanders.

Bien que le bruit autour de Burial puisse souvent vider d'oxygène le reste du catalogue, les véritables aficionados de Hyperdub reconnaissent Sara Abdel-Hamid comme le cheval noir du label. Sous-estimée à ses risques et périls, la musique d'Ikonika s'est étendue au-delà du brouillard du dubstep vers des croisements excitants et des rétrofitages. Avec des références explicites au grime ainsi qu'aux variantes britanniques de R&B, son dernier album éclectique relâche l'adoration des 8 bits de l'album précédent Aerotropolis pour quelque chose de fidèle à la techno sans lui rendre trop hommage. Imprégnés d'une énergie électro, les morceaux de basse hypnagogique « Lear » et « Lossy » trouvent des merveilles dans les profondeurs. Du côté des chanteurs invités, Andrea Galaxy donne une respiration vivifiante à la percussion frappante et au funk futuriste de « Noblest », tandis que le rappeur Jammz fait une brève visite à l'Est londonien pour les envahisseurs de l'espace sur « Sacrifice ». Au-delà de la piste de danse, le plus abstrait « Do I Watch It Like A Cricket Match » révèle un design sonore hypnotique digne d'un tacticien textural aussi habile.

Dans une année où le label électronique pionnier basé au Royaume-Uni a touché à tout, de la fusion jazz maniaque de Shobaleader One au R&B futuriste austère de Kelela, l'un de leurs sortis les plus captivants s'apparente davantage à la techno de gauche classique de la jeunesse affamée du label. Bien loin des mystifications avant-gardistes de son premier album Clarence Park, le dernier opus de Clark défie la piste de danse en créant une musique apparemment conçue pour la faire bouger. Sans l'appréciation de la musique de club, ses productions pourraient sembler carrément malveillantes dans leur métamorphose souterraine. Le pompage piston de « Hoova » fait place à des pauses aérées et des pads oniriques, la brume résultante se transformant en une pause de trance ambiante. La voix joue un rôle significatif ici, bien qu'aucunement proche de la pop conventionnelle. Au lieu de cela, l'humanité n'est qu'une texture sur « Aftermath », un point de retournement choquant dans le drame haletant de « Catastrophe Anthem ». Clark construit presque des structures cinématographiques tout au long du récit de 'Death Peak', culminant avec « Un UK », un commentaire apparent sur les maux du Brexit de sa nation divisée.

Équivalent auriculaire de Nickelodeon Gak, la musique faite par le jeune Seamus Malliagh brille d'une artificialité colorée néon. Bien que dans de nombreux contextes, cela pourrait sembler une dévaluation, le projet Iglooghost est une exception spéciale. Son esprit danse avec des visions colorées de vers magiques de l'espace et du multivers fantastique qu'il traverse. Cette imagination éclate alors en de merveilleuses, dégoûtantes et véritablement uniques chansons qui défient les limites du genre. Les comparaisons à Hudson Mohawke, Oneohtrix Point Never, et Venetian Snares par amalgame semblent mal adaptées lorsqu'elles sont confrontées aux éclaboussures jazz de « Super Ink Burst », au gabber crasseux de « Peanut Choker » ou au dubstep en réalité virtuelle de « Zen Champ ». La commodité n'entre pas en ligne de compte dans ce que Malliagh distribue avec ces travaux brillants et exhibitionnistes. Le rappeur Mr. Yote ajoute des vers à peine compréhensibles au junglisme anarchique de « Teal Yomi / Olivine », un numéro vertigineux qui capture parfaitement la folie à peine contrôlée exposée ici.

Facilement l'artiste le plus difficile sortant de la scène footwork, Jerrilynn Patton reste l'une des praticiennes dévouées du genre même si ses productions franchissent ses frontières. Catégoriser la musique de Jlin comme séparée de ce mouvement musical afro-américain local serait la priver de l'un de ses luminaires. Son travail acclamé par la critique pour Planet Mu confirme encore une fois la promotion presciente de footwork et de juke par le propriétaire du label Mike Paradinas quelques années auparavant, et la sortie de Black Origami fait avancer cette cause. Bien que l'Indiana semble peu probable pour la spiritualité orientale, la pharaonne égyptienne féminine titulaire de « Hatshepsut » semble étrangement à l'aise sur une piste de danse souterraine du Midwest, tout comme le matériel semblable incluant « Holy Child » et l'interlude « Calcination ». Le travail ambitieux de Patton atteint tous ses objectifs et bien plus encore, hypnotisant sur la piste titre et démolissant avec l'arme sonore de « 1% ».

Daniel Lopatin réalise de l'art difficile. Son précédent album sous le pseudonyme 0PN, Garden Of Delete de 2015, a réussi à accroître son public malgré le récit extraterrestre repoussant de son concept et l'application étrangement singulière de son design sonore. Les fans du travail antérieur de Lopatin ont peut-être été surpris par l'accessibilité relative de Good Time, une bande sonore du drame indépendant criminel léchérien du même nom. Bien que la star Robert Pattinson soit littéralement apparue dans un film de Cronenberg auparavant, il y a quelque chose d'irrésistible à avoir ses actions à l'écran cartographiées par un compositeur ayant l'expérience de traduire efficacement l'horreur corporelle. Cependant, Good Time s'inspire davantage de Tangerine Dream, souvent lourd de synthétiseurs mélodiques. La piste titre d'ouverture utilise des modifications de pitch désagréables, donnant le ton pour des moments empreints de terreur dans « Entry To White Castle » et « Romance Apocalypse ». Une fois « The Acid Hits », eh bien, frappe, le retour semble aussi grand que n'importe quel climax hollywoodien. La seule chanson conventionnelle, « The Pure And The Damned » présente Iggy Pop septuagénaire en mode crooner grave, suggérant encore une autre avenue que le brillant Lopatin pourrait explorer ensuite.