VMP Rising: boylife

Como muchos niños, Ryan Yoo comenzó a tocar el piano y el clarinete antes de pasar al proceso de aprender a tocar la guitarra por sí mismo en la escuela secundaria. La música no estaba en su horizonte. De hecho, ni siquiera lo consideró profundamente hasta la universidad. Aun así, fue un proceso de pruebas y errores, pero entre la exploración de ambos sonidos y de sí mismo, surgió algo imborrable. Encontrar libertad creativa es una aspiración para muchos artistas que puede convertirse en un viaje de toda la vida, pero para Yoo, lo encontró precisamente en su proyecto en solitario como boylife.

“Empecé cada proyecto con diferentes prioridades. Con lo del solista, mis intenciones eran muy específicas. Decidí desde el principio que lo haría completamente para mí. No importaba si tenía una sola reproducción o si tenía mil millones. Se trataba completamente de decir mi verdad y satisfacer mi alma. No tenía nada que ver con la recepción o la percepción del proyecto”, explicó Yoo. “Eso fue algo que encontré muy liberador creativamente, porque para mí: en el instante en que estoy feliz con una canción, he ganado. Es algo que puedo disfrutar, porque ya tengo la satisfacción en ese punto. No estoy seguro si todo el mundo empieza con esa intención, pero tuve que dejarlo muy claro para mí desde el principio. Con lo del solista, este es mi santuario.”

VMP: Siento que en tu música es muy evidente que eres muy honesto y transparente sobre quién eres. Sé que gelato fue un proceso de cuatro o cinco años para ti. Probablemente estuviste trabajando en esto durante la pandemia también. ¿Cómo afectó eso tus procesos creativos o cambió la forma en que abordas tu música?

boylife: Durante gran parte de la pandemia, no pude ir a estudios. Cambió un poco las cosas en el sentido de que mis herramientas eran un poco más limitadas y mi agenda también estaba mucho más abierta. Más allá de eso, no creo que haya cambiado cómo iba a resultar la música. La forma en que salió el álbum iba a ser así de todas maneras. Una cosa que podría haber sido diferente sería tal vez más cuerdas, si hubiera podido hacerlo. Siento que muchos artistas estaban como, “Oye, la pandemia me hizo esto o aquello.” Artísticamente, no hizo mucho. No hizo ninguna diferencia para mí, honestamente.

Como dije antes, sé que gelato fue un proceso largo para ti — cuatro o cinco años. Eso es mucho tiempo para cualquiera. Muchas cosas pueden cambiar en ese intervalo. ¿Cómo te has visto crecer o cambiar desde el principio en comparación con ahora que el álbum está finalmente terminado?

Ha sido mucho tiempo. Definitivamente he cambiado tanto como persona como artista. Cuando eres joven, cada año es una gran diferencia en términos de conocerte a ti mismo y tener confianza. Esa es la única gran diferencia para mí. No siento que tenga algo que probar. Creo que al principio, cuando estaba haciendo música, había una inseguridad y quería demostrar que podía hacer algo. Quería demostrar que mi visión era única, así fue como surgió “church”. Estaba como, “Voy a hacer algo que no suene a nada que haya escuchado antes.” Todavía lo hago, pero la intención ha cambiado. Se trata más de perseguir mi chispa y lo que me conecta artísticamente. Al principio, cuando hacía canciones de boylife, no sabía que estaba haciendo canciones de boylife porque boylife no era una cosa. Estaba como, “Esto no encaja en ningún proyecto en el que estoy trabajando, pero necesito hacer esto.” Eventualmente, todas esas canciones que nacieron de esa urgencia se convirtieron en las canciones de boylife. Eso es otro cambio que ocurrió en los últimos cuatro o cinco años: el proyecto fue inventado.

Mientras escuchaba el álbum, algo que noté es que “lush 2” viene antes que “lush” en la lista de canciones. ¿Puedes hablar sobre la conexión entre las dos canciones y lo que te llevó a tener esa intención para que la gente escuche “lush 2” antes que “lush”?

Hice “lush” antes de hacer “lush 2”. “lush” inicialmente comenzó como otra pieza llamada “sober” y era una canción de dos partes. Parte de por qué la palabra “lush” se incorporó es porque “lush” es una palabra antigua para borracho. Esa canción fue canibalizada y se transformó en otra pieza, que se transformó en otra cosa, y se convirtió en “lush” como es ahora. Pero el título se quedó igual. No tiene nada que ver con estar borracho, aparte de tal vez la parte en la que eres demasiado honesto. “lush 2”, quería que fuera — si estuviera super borracho, ¿de qué estaría balbuceando?

La forma de tocar la guitarra y los ritmos son los mismos en ambas canciones, por lo que para mí, son sonoramente un poco similares. Esa es la conexión. Muy suelta, muy aleatoria. Pero supongo que ambas están vagamente conectadas al alcohol. [Risas] En cuanto a la secuenciación, “lush 2” viene antes que “lush” porque temáticamente, en ese punto del álbum, era importante para mí poner ese mensaje donde está. Era importante para mí que esté junto a “bummy”.

“bummy” es casi como sentirse de mierda, pero no tomárselo demasiado en serio. Soy bipolar, así que de eso se trata. Luego “lush 2”, para mí, se trataba de mostrar un lado diferente de eso. “bummy” es casi celebrarlo y decir, “¡Sí! ¡Esto es!”. La energía es alborotada y loca. Con “lush 2”, era el extremo opuesto. Para mí, era importante ponerlas juntas porque hablan de dos lados de la misma moneda. Después de “lush 2”, viene “superpretty”, que, para mí, también habla de otro lado de la misma cosa. Todos están conectados, en mi opinión.

Creo que eso abre mucho sobre la intención detrás del álbum y cómo está increíblemente bien pensado.

Es importante para mí que las canciones sean más fuertes en su contexto que en aislamiento. Si soy muy honesto conmigo mismo, no creo que haya nada remotamente cerca de un éxito en el álbum. Creo que las canciones son geniales por sí solas, pero siento que la presentación más fuerte es cuando las escuchas de principio a fin, porque se hablan entre sí de esa manera.

Sobre el tema de “lush”, toca a alguien que no puede ser honesto consigo mismo al principio. Es gracioso, porque tú mismo eres increíblemente honesto sobre quién eres y tus experiencias. Como mencionaste, el propósito de boylife es simplemente crear y ser quien eres. ¿Alguna vez has tenido dificultades para mostrar esta parte íntima de ti mismo en tu música? ¿O es algo que simplemente te sale de forma natural?

Definitivamente es difícil. Si no siento esa incomodidad que viene de ser un poco demasiado honesto sobre algo, si no me siento incómodo tocándola para alguien, entonces no hace el corte. Tengo que sentirme un poco desnudo tocándola para alguien. Lo sentí con cada una de las canciones del álbum. La primera vez que toqué “churches” para uno de mis amigos de la iglesia, estaba pensando, “¿Por qué hice eso?” Y él dijo, “Esto es increíble”. Eso fue una bonita temprana pieza de aliento de que simplemente podía ser honesto, y si hay algo real allí, entonces puedo confiar en que alguien en el mundo va a resonar con eso. Definitivamente es difícil, muy esforzado. En el caso de “lush”, específicamente, es un poco metafórico ser honesto sobre no poder ser honesto [risas], pero definitivamente traté de encarnar eso en la canción tanto como pude. Esa canción siempre es un poco incómoda tocarla para la gente. No muchas personas pasan de la primera línea [risas].

Sé que has hablado de algunas de tus canciones previamente lanzadas y sobre las experiencias que dieron forma a canciones como “peas” o “bummy”. ¿Puedes profundizar en las nuevas canciones de tu álbum y en qué influyó los temas en ellas?

Cada canción está conectada a una historia o un momento. Hago la música de boylife muy lentamente porque cada canción es como un contenedor en el que vierto un pequeño pedazo de mi alma, y para que cada una sea diferente, siento que mi alma tiene que ser un poco diferente. Y para que mi alma sea un poco diferente, tiene que haber pasado una buena cantidad de tiempo o tiene que haber sucedido una nueva experiencia. Así que cada una definitivamente lleva un pensamiento o una experiencia diferente en su centro.

En el caso de “hey”, por ejemplo, eso vino hacia el final del proceso de hacer el álbum y estaba reflexionando sobre todas las piezas diferentes. Me di cuenta, “Oh, esto es un autorretrato”. Eso es esencialmente lo que es este álbum. Es un autorretrato. Solo estoy mostrando estas diferentes piezas, los diferentes lados. Es casi como una meditación sobre mi relación conmigo mismo y cómo me veo a mí mismo. Es una letra un poco rara. “Hey gelato, te he estado amando violentamente”. Pero, de alguna manera, eso me parece correcto.

Algunas de estas otras canciones como “church”, nunca podría volver a hacerla. Tal vez “peas” es la única que podría hacer en un momento diferente de mi vida, porque esa es una reflexión sobre algo con lo que crecí. Pero tal vez no podría, porque el momento en que la hice fue cuando estaba reflexionando sobre eso intencionalmente y rehaciendo mi relación con mis padres en ese momento. Así que tal vez no podría hacerlo de nuevo.

Cuando escuché “peas” por primera vez, lloré como una magdalena, por lo relatable que era. También soy asiático-americano, y tenía esa brecha generacional y cultural con mis padres. Cuando la escribiste desde la perspectiva de tus padres, ¿cambió la forma en que ves tu relación con ellos? ¿O te ayudó a entenderlos un poco mejor?

Diría que la canción no afectó directamente nada. Fue más el subproducto de que las cosas cambiaban y ver cómo mis padres me amaban. Tuve un año bastante difícil - un año en particular donde me pasaban muchas cosas intensas. Mis padres estaban simplemente allí para mí. Podía sentir que no tenían idea de lo que estaba pasando, pero podía sentir claramente cuánto me amaban. El plato de fruta es el signo universal de amor, o, “Oye, ¿tienes hambre? ¿Has comido?” Esa es la forma asiática de los padres de decir te amo. Estaba reflexionando sobre todo eso, y después de ese período, me hizo apreciar la manera en que mis padres me ven y me aman de una nueva manera.

Yo aún estaba terminando la universidad cuando golpeó la pandemia, y me mudé de regreso a casa. Siempre tenía miedo de que mi madre apareciera en mis clases de Zoom con un plato de fruta. [Risas] Definitivamente lo aprecio.

Es gracioso lo universal que es. Cuando estaba haciendo esto, no estaba pensando, “Esto es para los hijos de inmigrantes”. Solo era una mierda sobre mi vida.

A lo largo del álbum, hay el tema general y la letra de “gelato” que aparece mucho. ¿Qué significa esa frase para ti y cuál es ese tema a lo largo del álbum?

El gelato es delicioso. Tienes que comerlo antes de que se derrita por completo, mientras aún mantiene su forma. Por alguna razón, eso se convirtió en la metáfora definitiva para cada una de estas cosas que he estado viviendo. La primera canción dice, “Todo se derretirá como gelato.” Esa es mi versión de decir la frase clásica, “Esto también pasará.” Con eso en mente, era importante capturar cada uno de estos momentos mientras los vivía de una manera lo más honesta y directa posible. Porque son momentos, y van a pasar. Y antes de que lo hagan, quiero asegurarme de haber estado presente para ellos. Esa es una de las ideas principales con todo el tema de gelato. Para la introducción del estribillo de piano, la hago volver varias veces y el álbum es casi como un símbolo de recordatorio de que esto, también, pasará. Todo se derretirá. Esa es realmente la idea. Además, por alguna razón, no sé cómo ni cuándo sucedió, la gente me llama Gelato. Así que está eso también. En última instancia, el álbum fue un autorretrato.