Arlo McKinley omfamnar 'Det här röran vi är i'

Producerad av Matt Ross-Spang (Margo Price, Jason Isbell) och inspelad på legendariska Sam Phillips Recording Studio i Memphis, This Mess We’re In finner McKinley vidareutveckla det sound han skapade på Die Midwestern, med stråkar, piano och orkestrala inslag. Tematiskt handlar LP:n om sorg, depression och människors komplicerade relationer – ämnen som bör resonera starkt med lyssnare efter de senaste två och ett halvt årens turbulens.

Nedan VMP pratar med McKinley om hur melodier kommer till honom, hans tid hos Sam Phillips och vad det betyder att vara en del av John Prines musikaliska arv.

Denna intervju har förkortats och redigerats för tydlighetens skull.

VMP: Du har fått vänta ett tag på att släppa detta album. Hur känns det nu när du är bara en vecka från att lyssnarna får höra hela projektet?

Arlo McKinley: Jag har hållit fast vid det i nästan exakt ett år. [15 juli] är ungefär när vi avslutade inspelningen. Jag har levt med det ett tag och faktiskt var jag tvungen att sluta lyssna på det ett tag eftersom jag tänkte, “Jag kommer att höra det här mycket.” Jag är exalterad. Jag är exalterad att det äntligen, äntligen får komma ut i världen. Jag är super stolt över denna skiva.

När började du första gången skriva låtar för albumet? Det finns en stark tematisk koppling mellan många av dem – fanns det en sång eller idé som hjälpte till att etablera dessa kopplingar?

Kort efter att Die Midwestern kom ut [2020], satt jag och skrev grejer, bara lekte runt med idéer. “Stealing Dark from the Night Sky” kom först. Sedan “Rushintherug”, när jag skrev den insåg jag att jag skrev ett album. Det var det ögonblicket, även om jag hade skrivit några av de andra mellan dessa två. Jag tänkte att alla låtarna på något sätt var kopplade. Jag visste ganska snabbt eftersom jag alltid skriver. Vissa idéer fastnar; andra gör det inte. Men det har aldrig fungerat så här tidigare, där alla låtar jag skrev verkade vara en del av en berättelse. De är alla kopplade till varandra, vilket jag tror kom från att se tillbaka på hela COVID-upplevelsen och den hårda lockdownen och allt det där.

Dessa kopplingspunkter du hittade, arbetade du medvetet mot att utöka dem? Eller var det mer en naturlig följd av vad som fanns i ditt sinne när du skrev?

Jag tror att det hände organiskt, verkligen. Vissa av låtarna där – som “Bag of Pills” på Die Midwestern var över 15 år gammal – jag gick tillbaka för, eftersom jag har en lista med låtar som jag har skrivit som förmodligen är 40-something låtar som jag försöker återbesöka medvetet. Jag tror, mer genom att gå tillbaka till de gamla låtarna, att det handlade om att hitta låtar som skulle passa ljudet och berättelsen över hela saken. Men skrivandet, jag tror att de bara organiskt kopplade till varandra. Låtar som “Stealing Dark [from the Night Sky]” och “Rushintherug” och “To Die For”, och sådana saker, är alla nya, och sedan gick jag tillbaka och rensade upp “Back Home” och “Dancing Days”, som är äldre låtar som verkade passa med albumet.

“Rushintherug” är en av mina favoritlåtar. Jag blev verkligen tagen av dess melodi. Det är något som stack ut genom hela skivan – du använder melodi på ett så känslosamt sätt. Hur spelar melodiskrivning in i din låtskrivarprocess?

Det är en mycket stor faktor. Det är vanligtvis så jag slutar upp med att skriva. Jag har aldrig varit någon som bara kan sätta sig ner och säga, “Jag ska skriva en låt idag.” Den processen har aldrig riktigt fungerat. Jag försöker att inte tvinga något, och det mesta jag skriver kommer att vara från en melodi eller något som jag kom på i mitt huvud, medan jag kör eller bara sitter runt. Det hände med refrängen av den låten, så sången började där. Jag hörde melodin av den refrängen i mitt huvud och tänkte sedan, “Åh, faktiskt, det är ganska catchy. Så, jag skriver en låt kring detta.” Det är viktigt för mig att skriva catchy grejer. Och melodi, det är vad jag får mest ut av musik, vackra melodier och sådana saker. Med det här albumet överlag, tror jag att den låten satte tonen för hur det skulle låta: stråk-tungt, med många klaviaturer och orglar. Jag ville bara göra ett vackert album.

Dina texter, också, är så bildrika. Som på “Back Home”, raden, “Den här staden är en symfoni som aldrig verkar vara i ton”, är så specifik och uttrycksfull. Hur finslipade du en så livlig låtskrivarröst?

Det är fortfarande ett mysterium för mig. Jag vet inte var det kommer ifrån. Jag började egentligen inte skriva låtar förrän i slutet av 20-talet, början av 30-talet. Jag fyller 43 i år. Jag var alltid en sångare, sjunger harmonier i band och sådana saker. Och jag vet verkligen inte var skrivandet kom ifrån. Jag skriver bara om mig själv och mitt liv och situationer jag går igenom. Den linjen är bara typ, “Jag vet inte, allt runt mig rör sig, men inget verkar vara på plats.” När jag tänker på det nu, tror jag att det är konstigt att jag sitter och gör det här. Det var inte alltid där. Och det var något som tog mig lång tid att känna mig trygg med.

Titelspåret stack också ut för mig, både för din sång och för dess budskap, vilket verkar vara något människor kommer att resonera med efter att ha klarat de senaste två åren. Vad gjorde den låten särskilt representativ för hela albumet?

Under de senaste åren har jag insett hur viktiga relationer och vänskaper verkligen är. Jag var inte alltid medveten om hur mycket jag behövde vissa människor i mitt liv tills jag blev tvungen – tills vi alla blev tvungna – att gå utan att kunna ha dessa människor i våra liv på daglig basis, och vara ensam ett tag. Och jag tyckte att titeln “This Mess We’re In” var bara lämplig för tiden. Det är mer lämpligt nu än det var när jag kom på det. Världen är lite konstig just nu.

Ja, det verkar bli mer lämpligt för varje dag, tyvärr.

Det är grejen, ja. Det är olyckligt att det verkar finnas “sidor” och sådana saker. Jag vet inte, det är bara galet hur människor håller sig borta från varandra på grund av politiska åsikter eller religiösa åsikter. Och det är en sak som musiken alltid har gjort, för mig i alla fall, som att spela konserter eller lyssna på musik – det är en paus från allt det där för en minut, åtminstone hoppas jag det. Det är vad jag hoppas att jag erbjuder.

Jag läste ett citat från dig där du sa att skapa detta album gav dig “en inre kompass” för att navigera svåra förluster du upplevde. Kan du säga lite mer om vad det betyder för dig?

Det var precis innan Die Midwestern kom ut. En av mina bästa vänner gick bort av en överdos och strax efter det gick min mamma bort. Jag tror att dessa låtar var bara vad jag gick till, för att försöka ta mig igenom en tid som redan var svår, hantera när COVID först kom och all den galenskapen. Sedan hade dessa två stora förluster kommit, för mig var det svårt att navigera genom det på något annat sätt. Det var nästan som filmen Groundhog Day. Varje dag vaknade jag och det är samma sak om och om igen, eftersom vi inte kunde åka på turné, vi kunde inte spela konserter, jag kunde inte åka till New England för att träffa vänner, kunde inte göra något sådant. Så, jag tror att det är där många av låtarna kommer från. Det är verkligen så. Det är hur jag tog mig igenom det då och hur jag fortfarande tar mig igenom saker som spelar en stor roll i mitt liv.

Du fick spela in albumet med Matt Ross-Spang på Sam Phillips Recording Studio i Memphis. Hur var den upplevelsen?

Det var fantastiskt. Att arbeta med Matt, jag ser verkligen inte mig själv arbeta med en annan producent på ett tag. Han verkar bara förstå vad jag försöker göra utan att jag behöver säga mycket. Det var roligt. Det hade nästan en mer avslappnad känsla [än Die Midwestern] för mig att göra. Det var allting bara oss som kom fram till det efter hand, eftersom Matt bara hade några akustiska demos av låtar som jag hade skickat honom, och bandet hade inte hört dem ännu. Det var roligt att se låtarna komma till liv, att se dessa killar och tjejer i bandet höra dem för första gången. Bara jag som spelar gitarr och sedan se vad vi skapade ur det var en rolig upplevelse. Och studion är som en tidskapsel. De har inte ändrat mycket alls. Tredje våningen på det stället har fortfarande inte ändrats. Det är fortfarande Sam Phillips’ kontor. De har inte ändrat mattan. Det är en konstig känsla, att vara där och veta att du står där så många andra stora artister har varit. Du vill inte lämna Sam Phillips med en dålig skiva.

Du är en av vad som verkar vara ett växande antal countryartister som finner inspiration i genrer som punk och metal. Hur ser du landets korsning med de genrerna?

Jag har två äldre bröder. Så, när jag växte upp lyssnade jag alltid på deras skivor när de var hemma. Och när de kom hem och sparkade ut mig ur deras rum, gick jag till min pappas rum och lyssnade på hans countrygrejer. Jag tror att jag märkte tidigt att det inte finns en enorm skillnad [mellan genrerna], åtminstone med formeln för att skriva låtar på ett punk sätt, som vanligtvis är tre ackord, en liten vers, kör, vers, kör. Det är så jag fortfarande skriver låtar. Nästan inga av mina låtar har en brygga eller något sådant. Och de är rakt på sak och enkelspåriga. Jag lärde mig att spela gitarr genom att lyssna på gamla Social Distortion, Black Flag och sådant. De banden gör samma sak [som countrymusik], verkligen, bara göra det mycket snabbare och högre. Jag skulle lätt kunna göra om låtarna på denna skiva till snabba, höga låtar också. De är skrivna på samma sätt.

Din fanbas verkar särskilt hängiven. Vad tror du det är med det du gör som får kontakt med människor på en så kraftfull nivå?

Det är en annan sak som är ett mysterium för mig. Min gissning skulle vara att jag bara är ärlig och rakt på sak och kanske sjunger om saker som många människor kanske inte rör vid, som missbruk, mental hälsa och depression. Jag har pratat om detta med andra människor, men jag tror att jag möjligen visar människor att, du vet, du är inte så galen som du kanske tror att du är. Det är en normal sak som oftast inte pratas om. Vissa av de e-postmeddelanden och meddelanden vi får är bara mycket tunga. Jag fick ett meddelande från en Afghanistanveteran som berättade att han gjorde två turer där. Han sa att det enda som skulle ge alla frid och lugna alla i slutet av natten var att lyssna på min skiva. Jag vet inte om jag kan få en större komplimang än det.

Du var den sista artisten John Prine skrev på sitt skivbolag, Oh Boy Records, innan han gick bort 2020. På ett sätt kommer din karriär alltid ha en koppling till hans arv. Vad betyder det för dig?

Jag vill alltid se till att jag representerar Oh Boy-skivbolaget så bra som det förtjänar att representeras. Bara att veta att jag för alltid kommer vara den sista personen som skrev på är något som tynger mig, på ett bra sätt. Att ens hamna på hans radar vid någon tidpunkt är fantastiskt för mig. Jag har ofta sagt att om allt detta slutade imorgon och allt försvann – och jag hoppas verkligen att det inte gör det – men om det gjorde, det är mer av en framgång än något jag någonsin föreställt mig att jag skulle få se eller få från låtskrivande.