VMP Rising: boylife

När unga barn ofta upptäcker sina intressen och hobbys, började Ryan Yoo spela piano och klarinett innan han gick vidare till att självlära sig gitarr i mellanstadiet. Musik hade inte varit på horisonten för honom. Egentligen hade han aldrig ens övervägt det djupt förrän han kom till college. Även då var det en process av prövningar och misstag, men mellan utforskandet av både ljud och sig själv, hade något oförglömligt uppstått. Att hitta kreativ frihet är en strävan för många artister som kan bli en livslång resa, men för Yoo hittade han just det i sitt soloprojekt som boylife.

"Jag satte igång med varje projekt med olika prioriteringar. Med det solo-grejen var mina avsikter mycket specifika. Jag bestämde tidigt att jag verkligen gjorde detta för mig själv. Det spelade ingen roll om det fick en enda stream eller om det fick en miljard streams. Det handlade helt och hållet om att säga mitt och tillfredsställa min själ. Det handlade överhuvudtaget inte om mottagandet eller perceptionen av projektet," förklarade Yoo. "Det var något som jag fann mycket kreativt befriande, för för mig: Den minut jag är nöjd med en låt, har jag vunnit. Det är något jag får njuta av, eftersom jag redan har tillfredsställelsen vid det laget. Jag är inte säker på om alla ger sig ut med den avsikten, men jag var tvungen att göra det mycket klart för mig själv från början. Med mitt solo-grejen, detta är min fristad."

VMP: Jag tycker att det är väldigt uppenbart i din musik att du är mycket ärlig och naken med vem du är. Jag vet att gelato var en fyra- eller femårig process för dig. Du arbetade antagligen på detta under pandemin också. Påverkade det dina kreativa processer på något sätt eller ändrade det sättet du närmar dig din musik?

boylife: Under mycket av pandemitiden kunde jag inte gå till studior. Det förändrade saker lite grann på så sätt att mina verktyg var något begränsade, och mitt schema var också mycket mer öppet. Utöver det, tror jag inte att det förändrade hur musiken skulle bli. Sättet albumet kom ut på, det skulle landa så oavsett. Den enda saken som kanske hade varit annorlunda skulle kanske ha varit fler strängar, om jag kunnat göra det. Jag känner att många artister var som: "Yo, pandemin gjorde detta för mig eller gjorde det där för mig." Artistiskt sett, gjorde det inte så mycket. Det gjorde ingen skillnad för mig, ärligt talat.

Som jag sa tidigare vet jag att gelato var en lång process för dig — fyra till fem år. Det är en riktigt lång tid för någon. Mycket kan förändras under tiden. Hur har du sett dig själv växa eller förändras från där du började i början jämfört med nu när albumet äntligen är klart?

Det har varit en lång tid. Jag har definitivt förändrats både som person och artist. När man är ung, är varje år en stor skillnad när det kommer till att lära känna sig själv och vara självsäker. Det är den största skillnaden för mig. Jag känner inte att jag har något att bevisa. Jag tror att tidigare när jag gjorde musik, fanns det en osäkerhet där och jag ville bevisa att jag kunde göra något. Jag ville bevisa att min vision var unik, vilket är en del av hur "church" kom till. Jag var som, "Jag kommer att göra något som inte låter som något jag har hört förut." Jag gör fortfarande det, men avsikten har förändrats. Det handlar mer om att jaga min gnista och jaga det som får mig att blomstra kreativt. I början, när jag gjorde boylife-låtar, visste jag inte att jag gjorde boylife-låtar eftersom boylife inte var en grej. Jag var som, "Detta passar inte in i något projekt jag jobbar på, men jag måste göra detta." Så småningom blev alla låtar som föddes ur den brådskan boylife-låtar. Det är också en annan förändring som hänt under de senaste fyra eller fem åren — att projektet blivit uppfunnet.

Medan jag lyssnade på albumet, något jag noterade är att en "lush 2" kommer före "lush" på låtlistan. Kan du prata om sambandet mellan de två låtarna och vad som styrde dig att ha den avsikten för att folk skulle höra "lush 2" innan "lush"?

Jag gjorde "lush" innan jag gjorde "lush 2." "lush" började ursprungligen som ett annat stycke som heter "sober" och det var en tvådelad låt. En del av varför ordet "lush" blev inkorporerat är att "lush" är ett gammalt ord för en berusad person. Den låten blev kannibaliserad och förvandlad till ett annat stycke, som förvandlades till en annan sak, och det blev "lush" som det är nu. Men titeln förblev densamma. Det har inget att göra med att vara berusad förutom kanske delen där du är för ärlig. "lush 2," jag ville att det skulle vara — om jag var super jävla berusad, vad skulle jag babbla om?

Gitarrspelet och rytmerna är desamma på båda låtarna, så för mig är de ljudligt lite lika. Det är sambandet. Mycket löst, väldigt slumpmässigt. Men de båda är vagt kopplade till alkohol, antar jag. [Skrattar] När det kommer till sekvenseringen, kommer "lush 2" före "lush" eftersom det tematiskt, vid den punkten i albumet, var viktigt för mig att placera det meddelandet där det sitter. Det var viktigt för mig att det sitter bredvid "bummy."

"bummy" handlar nästan om att känna sig dålig, men att inte ta det super seriöst. Jag är bipolär, så det handlar om det. Och sedan "lush 2," för mig, handlade det om att visa en annan sida av det. "bummy" handlar nästan om att fira det och säga, "Ja! Det är så här!" Energien är vild och galen. Med "lush 2," var det motsatta änden. För mig var det viktigt att sätta dem bredvid varandra eftersom de talar om två sidor av exakt samma mynt. Efter "lush 2," kommer "superpretty," vilket, för mig, också talar om en annan sida av samma sak. De är alla kopplade, enligt min mening.

Jag tycker att det öppnar upp mycket om avsikten bakom albumet och hur det är otroligt genomtänkt.

Det är viktigt för mig att låtarna är starkare i sitt sammanhang än i isolering. Om jag ska vara väldigt ärlig mot mig själv, tror jag inte att det finns något som ens är nära en hitlåt på albumet. Jag tycker att låtarna är bra för sig själva, men jag känner att den starkaste presentationen är när du lyssnar igenom dem allihop, eftersom de talar till varandra på det sättet.

På temat "lush," berör den någon som inte kan vara ärlig mot sig själv i början. Det är lustigt, för du själv är oförblommerligt ärlig om vem du är och dina erfarenheter. Som du nämnde, hela syftet med boylife är att bara skapa och vara den du är. Har du någonsin haft några svårigheter med att visa denna intima del av dig själv i din musik? Eller är det något som bara kommer naturligt för dig?

Det är definitivt svårt. Om jag inte känner den obehaget som kommer från att bli lite för ärlig om något — om jag inte känner mig generad över att spela det för någon, då kommer det inte med. Jag måste känna mig lite naken när jag spelar det för någon. Jag kände så med varje enda låt på albumet. Den första gången jag spelade "churches" för en av mina vänner från kyrkan, tänkte jag: "Varför gjorde jag det?" Och han sa: "Det här är sjukt." Det var en fin tidig uppmuntran att jag bara kunde vara ärlig, och om det finns något verkligt där, då kan jag lita på att någon i världen kommer att resonera med det. Det är definitivt svårt, väldigt ansträngande. I fallet med "lush," specifikt, är det lite meta att vara ärlig över att inte kunna vara ärlig [skratt], men jag försökte definitivt att embodied det inom låten så mycket jag kunde. Den låten är alltid lite awkward att spela för folk dock. Inte många kommer förbi den första raden [skratt].

Jag vet att du pratade om en del av din tidigare utgivna musik och om erfarenheterna som formade låtarna som "peas" eller "bummy." Kan du dyka in i de nyare låtarna på ditt album och vad som påverkade ämnena för dem?

Varje enda låt är kopplad till en berättelse eller ett ögonblick. Jag gör boylife-musik väldigt långsamt för att varje låt är som en behållare där jag häller en liten del av min själ, och för varje ska vara olika, känner jag att min själ måste vara lite olika. Och för att min själ ska vara lite olika, måste en bra mängd tid ha gått eller en ny upplevelse måste ha hänt. Så varje en bär definitivt en annan tanke eller annan erfarenhet i centrum.

I fallet med "hey," till exempel, kom den mot slutet av albumprocessen och jag reflekterade över alla de olika delarna. Jag insåg: "Åh, detta är ett självporträtt." Det är i grunden vad detta album är. Det är ett självporträtt. Jag visar bara dessa olika delar, de olika sidorna. Det är nästan som en meditation över min relation med mig själv och hur jag ser på mig själv. Det är en lite konstig text. "Hey gelato, jag har älskat dig våldsamt." Men, på något sätt känns det rätt för mig.

Några av dessa andra spår som "church," kan jag aldrig göra igen. Kanske "peas" är den enda som jag kunde göra vid en annan tidpunkt i mitt liv, eftersom den är en reflektion över något jag växte upp med. Men kanske jag inte kunde, eftersom den tid jag gjorde den var när jag reflekterade över det medvetet och omformade min relation med mina föräldrar vid den tidpunkten. Så kanske jag inte kunde göra det igen.

När jag först hörde "peas," gråtte jag, för hur relaterbar det var. Jag är också asiatisk-amerikan, och har den generations- och kulturklyftan med mina föräldrar. När du skrev det från dina föräldrars perspektiv, förändrade det sättet du ser på din relation med dem? Eller hjälpte det dig att förstå dem lite bättre?

Jag skulle säga att låten inte direkt påverkade något. Det var mer en biprodukt av saker som skiftade och att se hur mina föräldrar älskade mig. Jag hade ett ganska svårt år — ett särskilt år där mycket intensiva grejer hände mig. Mina föräldrar var bara där för mig. Jag kunde känna att de inte hade någon aning om vad som pågick, men jag kunde tydligt känna hur mycket de älskade mig. En frukttallrik är det universella tecknet på kärlek, eller, "Hej, är du hungrig? Har du ätit?" Det är den asiatiska förälderns sätt att säga att jag älskar dig. Jag reflekterade över allt det där, och efter den perioden gjorde det att jag uppskattade det sätt som mina föräldrar ser på mig och älskar mig i ett nytt ljus.

Jag höll fortfarande på att avsluta college när pandemin slog till, och jag flyttade hem. Jag var alltid rädd att min mamma skulle dyka upp i mina Zoom-klasser med en frukttallrik. [Skrattar] Jag uppskattar definitivt det.

Det är lustigt hur universellt det är. När jag gjorde detta tänkte jag inte, "Detta är för invandrarnas barn." Det var bara en del av mitt liv.

Genom hela albumet finns det ett övergripande tema och texten av "gelato" dyker upp väldigt mycket. Vad betyder den frasen för dig och vad är det temat genom albumet?

Gelato är läckert. Du måste äta det innan det är helt smält, medan det fortfarande har sin form. Av någon anledning blev det den ultimata metaforen för alla dessa saker som jag har levt. Den första låten säger, "Det kommer att smälta bort som gelato." Det är min version av att säga den klassiska frasen, "Detta kommer också att passera." Med det i åtanke var det viktigt att fånga varje av dessa ögonblick som jag levde dem på ett så ärligt och direkt sätt som möjligt. För de är ögonblick, och de kommer att passera. Och innan de gör det, vill jag försäkra mig om att jag var närvarande för dem. Det är en av huvudidéerna med hela gelato-temat. För introduktionspianoslingan, låter jag den komma tillbaka flera gånger och albumet är nästan som en symbol för en påminnelse om att detta också kommer att passera. Det kommer att smälta bort. Det är egentligen idén. Också, av någon anledning, vet jag inte hur eller när detta hände, folk kallar mig Gelato. Så det finns också. I slutändan var albumet ett självporträtt.