Os 10 Melhores Álbuns de Jazz Avant-Garde para Ter em Vinil

Albert Ayler Trio: Spiritual Unity

Sonny Murray, o percussionista deste álbum, foi um dos primeiros a se afastar da marcação de tempo para um estilo de tocar que não tinha restrições, o que permitiu liberdade para os solistas. Juntamente com o mestre baixista, Gary Peacock, eles criam um campo aberto onde Ayler pode correr em qualquer direção. A forma como Ayler toca saxofone é um exemplo primário do que faz a música funcionar. Sua mensagem é mais do que a soma das notas tocadas; é sua alma que transborda pelo instrumento. Suas melodias são simples, mas transmitem uma complexidade das emoções em cada nota. Mesmo tendo morrido jovem (em circunstâncias misteriosas), sua produção exibe um som maduro e confiante que normalmente leva décadas para ser obtido. Spiritual Unity permanece um álbum clássico e essencial para qualquer um interessado em jazz de vanguarda.

Sun Ra: Heliocentric Worlds

Este álbum vai se infiltrando em você. Começa de forma esparsa e lentamente constrói uma loucura que só poderia vir da mente de Sun Ra. A justaposição de instrumentos solo com seções de completo caos não só mantém este álbum divertido, mas desdobra novas e inesperadas conexões a cada audição. Há tanto acontecendo ao mesmo tempo que você precisa escolher um fio—pode ser um saxofone, baixo ou piano—e segui-lo através das improvisações. A forma como cada fio interage com todos os outros é onde a mágica deste LP está. Sun Ra é uma figura de outro mundo, pois parece onisciente, entendendo essas associações à medida que ocorrem em tempo real. Embora seu catálogo seja extenso, Heliocentric Worlds se destaca como um marco essencial para navegar por seu material.

Don Cherry: Complete Communion

Este LP apresenta duas suítes, “Complete Communion” e “Elephantasy,” cada uma ocupando um lado. Composicionalmente, Cherry brilha com melodias interessantes, divertidas e cantáveis. Suas partes escritas acentuam a voz individual de cada músico do grupo: Gato Barbieri, Henry Grimes e Ed Blackwell. A forma como esses instrumentistas tocam uns com os outros deve ser o padrão que todos os músicos devem aspirar. Sem um instrumento harmônico, as melodias de fundo se tornam fundamentais para moldar os solos. Essas melodias flutuam para transições perfeitas entre solistas e seções compostas. Uma das partes mais impressionantes desta gravação é como Henry Grimes e Ed Blackwell estão em sintonia. Eles soam como se fossem um único músico, mudando sentimentos, tempos e dinâmicas sem esforço. Esta é uma audição essencial para escutar como empurrar os limites do jazz sem perder acessibilidade.

Cecil Taylor: Unit Structures

Muito foi escrito sobre como essa música foi composta, notada e navegada pela banda, então eu não vou me aprofundar nisso (a menos que você queira passar dias rolando). Se você tirar o impacto cultural do jazz e os novos conceitos para composição, o que sobra é um álbum incrivelmente divertido. Há uma abordagem única ao silêncio e ao espaço representada através desta gravação. Para mim, os períodos em que os músicos ficam de fora são tão importantes quanto quando estão tocando. A tensão acumulada desse silêncio é liberada quando os músicos tocam, o que em gravações de jazz de vanguarda e livre é o oposto da norma.

Andrew Cyrille tem um toque leve com sua bateria, sempre apoiando e nunca ofuscando os outros músicos. Henry Grimes é um dos baixistas deste álbum, dando-lhe duas gravações marcantes no mesmo ano (esta e Complete Communion). Sua história é interessante, com três décadas longe da música no meio da carreira, mas ele está de volta ao cenário hoje, sendo produtivo como nunca. Unit Structures é uma fotografia de um período em que o jazz estava começando a ser moldado em algo novo, e é imprescindível para qualquer entusiasta de vinil.

Art Ensemble of Chicago: Les Stances a Sophie

O que acontece quando você mistura jazz livre, funk e R&B? Você obtém Les Stances a Sophie. O que o Art Ensemble of Chicago faz melhor do que quase qualquer outra coisa é soar como se estivessem se divertindo. Ao longo de todos os seus álbuns e performances ao vivo, sempre há um elemento de alegria—não importa quão complicado o material se torne. Roscoe Mitchell e amigos usam combinações interessantes de instrumentos, estilos e vocais para transmitir sua mensagem. Com trompetes, assobios, sinos e cânticos, o Art Ensemble of Chicago mantém você em suspense sobre o que virá a seguir e como isso se encaixará. Eles misturam estilos de forma harmoniosa e, assim, criaram seu próprio som distinto. Este disco os impulsionou para a vanguarda da cena do jazz de vanguarda e os consolidou na lista dos artistas mais influentes do jazz.

Ornette Coleman: Science Fiction

Ornette é conhecido por empurrar os limites do jazz e este álbum continua essa tradição. Neste ponto da sua carreira, Ornette já havia lançado Tomorrow is the Question, Shape of Jazz to Come e Something Else! e poderia ter relaxado. Mas ele não fez isso. Assim como o álbum do Art Ensemble, este combina elementos de funk e R&B com jazz livre. Science Fiction ainda apresenta poesia, um bebê chorando e o que parece ser o baixo de Charlie Haden através de pedais de efeitos. O álbum captura um momento de transição para Coleman em um som mais eletrificado. Álbuns que representam uma mudança de som e direção frequentemente soam os mais frescos. Essa característica vem da incerteza dos músicos em relação ao som final que estão buscando. Eles precisam confiar que chegarão aonde querem e, ao longo do caminho, esses álbuns transitórios nos permitem participar da jornada. Science Fiction é reverenciado pelos músicos e foi recentemente regravado pelo Bad Plus com Tim Berne, que está presente mais adiante nesta lista.

Dave Holland: Conference of the Birds

A execução de todos os músicos é superb: Anthony Braxton, Dave Holland, Sam Rivers e Barry Altschul se misturam perfeitamente para criar um álbum único e incrivelmente divertido que ainda surpreende após várias audições. Não há um instrumento harmônico, então a banda é livre para se mover harmonicamente sem restrições. Todas as melodias grudam na sua cabeça e os solos contêm uma espécie de telepatia que raramente se ouve. Barry Altschul se move livremente por um conjunto de bateria expandido que inclui percussão e uma marimba, enquanto Dave Holland mantém alguns dos grooves mais insanos de todos os tempos (com e sem assinaturas de tempo). Braxton é um jogador e compositor monstruoso, e muitos de seus álbuns também foram considerados para esta lista. Isso deixa Sam Rivers, cuja criatividade em criar riffs mantém você adivinhando o álbum todo. Juntos, esta é uma banda de estrelas e um álbum clássico.

Carla Bley e Charlie Haden: Ballad of the Fallen

Carla Bley e Charlie Haden são dois dos maiores nomes do jazz de vanguarda. Ao longo de muitos anos e várias colaborações, esses dois têm injetado influências interessantes na música jazz. E neste álbum em particular, eles integraram influências espanholas e latinas. Os arranjos de Carla Bley são lindos em ambos os lados, e a execução dos músicos é totalmente relaxada. A Liberation Music Orchestra, que era o nome completo do grupo que lançou este álbum, foi uma ideia de Charlie Haden. Ele criou o grupo na época da Guerra do Vietnã como uma forma de falar pelos oprimidos. Este álbum, Ballad of the Fallen, foi um comentário sobre a Guerra Civil Espanhola, assim como sobre os Estados Unidos se envolvendo na América Latina. Ouvir neste contexto traz tanta substância à tona, pois você pode ouvir a frustração na música. Embora haja muitos músicos pesados neste álbum, Mick Goodrick na guitarra e Paul Motian na bateria se destacam. Ambos têm um estilo individual tão reconhecível, mas o dobram para se encaixar perfeitamente nos arranjos e clima das peças.

Tim Berne: Fulton Street Maul

No que diz respeito aos compositores verdadeiramente originais atuais no mundo do jazz, não há igual a Tim Berne. Este álbum pode ter mais de 30 anos, mas ainda é tão fresco e emocionante hoje. Berne tem uma maneira de torcer o esperado e criar algo inovador e interessante. Ele trocou um baixista por um violoncelista (Hank Roberts) e completou o conjunto com Bill Frisell e Alex Cline. As músicas são, em alguns momentos, lindas e, em outros, cheias de angústia. Tim Berne compõe e toca saxofone com ritmos complexos e linhas sobrepostas que não deveriam funcionar, mas funcionam. Por baixo de qualquer melodia que esteja acontecendo, sempre há outra linha igualmente interessante borbulhando por baixo. Este álbum transborda confiança na execução e alguns dos solos são verdadeiramente originais. Ouça o solo de Frisell em “Federico”! A capa define o tom para a música dentro, uma ótima pintura abstrata de Stephen Byram, que fez muitas capas de álbuns de Berne. Os álbuns mais novos de Tim são todos dignos de uma ouvida, embora eu não acredite que muitos deles tenham sido lançados em vinil.

John Zorn: Naked City

A obra de Zorn é de tirar o fôlego em sua amplitude. Seus álbuns vão de jazz tradicional a ruído, composições clássicas de câmara e tudo o mais. Naked City pertence à categoria do meio. Canções como “N.Y. Flat Top Box” saltam entre gêneros a cada poucos segundos. Sério—cada poucos segundos! De alguma forma, porém, tudo funciona. Este álbum seria a trilha sonora de um filme noir do inferno; ele salta de momentos de relaxamento a pura agressão e raiva, variando de um swing descontraído a grindcore a bluegrass. É um ataque total ao que seus ouvidos estão esperando. A banda conta com alguns músicos muito pesados: John Zorn, Bill Frisell, Fred Frith, Joey Baron, Wayne Horvitz e Yamatsuka Eye. Embora conhecido como um guitarrista cujas próprias gravações quase fizeram esta lista, Frith assume o baixo aqui e absolutamente arrasa. Ouvindo todas as reviravoltas e mudanças na música e a sintonia dos músicos, não consigo imaginar a quantidade de ensaio envolvida. Este disco precisa estar na sua coleção.