VMP Rising: boylife

Como muitas crianças pequenas fazem enquanto descobrem seus interesses e hobbies, Ryan Yoo começou a tocar piano e clarinete antes de passar pelo processo de autodidatismo na guitarra no ensino médio. A música não estava nem no horizonte para ele. Na verdade, ele nunca tinha pensado profundamente nisso até a faculdade. Mesmo assim, foi um processo de tentativas e erros, mas entre a exploração de ambos os sons e de si mesmo, algo indelével surgiu. Encontrar a liberdade criativa é uma aspiração para muitos artistas que pode, eventualmente, se tornar uma jornada de vida inteira, mas para Yoo, ele encontrou exatamente isso em seu projeto solo como boylife.

“Eu comecei cada projeto com prioridades diferentes. Com a parada solo, minhas intenções eram muito específicas. Decidi cedo que estava fazendo isso totalmente por mim mesmo. Não importava se tivesse uma única reprodução ou um bilhão de reproduções. Era totalmente sobre dizer o que penso e satisfazer a minha alma. Não estava de jeito nenhum relacionado à recepção ou à percepção do projeto,” explicou Yoo. “Isso foi algo que encontrei muito libertador criativamente, porque para mim: No instante em que estou feliz com uma música, eu ganhei. É algo que posso aproveitar, porque já tenho a satisfação naquele momento. Não sei se todo mundo começa com essa intenção, mas eu precisava deixar muito claro para mim desde o começo. Com a minha parada solo, este é o meu santuário.”

VMP: Sinto que é muito evidente em sua música que você é muito honesto e autêntico sobre quem você é. Sei que gelato foi um processo de quatro ou cinco anos para você. Você deve ter trabalhado nisso durante a pandemia também. Isso afetou seus processos criativos de alguma forma ou mudou a maneira como você aborda sua música?

boylife: Durante muito do tempo da pandemia, não consegui ir para estúdios. Isso mudou as coisas um pouco, no sentido de que meus recursos eram um pouco mais limitados e meu calendário estava muito mais livre. Além disso, não acho que tenha mudado como a música iria sair. A maneira como o álbum saiu, ia acontecer daquela forma de qualquer jeito. A única coisa que poderia ter sido diferente talvez fossem mais cordas, se eu pudesse fazer isso. Sinto que muitos artistas estavam tipo: “Yo, a pandemia fez isso ou aquilo comigo.” Artisticamente, não fez muita diferença. Não fez diferença para mim, sinceramente.

Como eu disse antes, sei que gelato foi um longo processo para você — quatro a cinco anos. Isso é realmente um longo tempo para qualquer um. Muita coisa pode mudar nesse meio tempo. Como você viu seu crescimento ou mudança desde o início até agora com o álbum finalmente completado?

Foi um longa estrada. Definitivamente mudei tanto como pessoa quanto como artista. Quando você é jovem, cada ano é uma grande diferença em termos de se conhecer e ter confiança. Essa é a única grande diferença para mim. Não sinto que tenho algo a provar. Acho que no começo, quando estava fazendo música, havia uma insegurança e eu queria provar que poderia fazer algo. Queria provar que minha visão era singular, que é parte de como “church” surgiu. Eu estava tipo: “Vou fazer algo que não soa como nada que já ouvi antes.” Ainda faço isso, mas a intenção mudou. Agora é mais sobre buscar minha centelha e o que me dá prazer artisticamente. No começo, quando estava fazendo as músicas do boylife, não sabia que estava fazendo músicas do boylife porque esse conceito ainda não existia. Eu pensava: “Isso não se encaixa em nenhum projeto que estou trabalhando, mas preciso fazer isso.” Eventualmente, todas as músicas que nasceram dessa urgência se tornaram as músicas do boylife. Essa também é uma mudança que aconteceu nos últimos quatro ou cinco anos — o projeto foi inventado.

Enquanto ouvia o álbum, algo que notei é que “lush 2” vem antes de “lush” na lista de faixas. Você poderia falar sobre a conexão entre as duas músicas e o que te guiou a ter essa intenção para que as pessoas ouvissem “lush 2” antes de “lush”?

Eu fiz “lush” antes de fazer “lush 2.” “lush” inicialmente começou como outra peça chamada “sober” e era uma música em duas partes. Parte do motivo pelo qual a palavra “lush” foi incorporada é que “lush” é uma palavra antiga para um bêbado. Essa música foi canibalizada e se transformou em outra peça, que se transformou em outra coisa, e se tornou “lush” como é agora. Mas o título permaneceu o mesmo. Não tem nada a ver com estar bêbado, além talvez da parte onde você está sendo honesto demais. Com “lush 2”, eu queria que fosse — se eu estivesse super bêbado, sobre o que eu estaria tagarelando?

O toque de guitarra e os ritmos são os mesmos nas duas faixas, então para mim, sonoramente, elas são um pouco semelhantes. Essa é a conexão. Muito solta, muito aleatória. Mas elas estão vagamente conectadas ao álcool, suponho. [Risos] No que diz respeito à sequência, “lush 2” vem antes de “lush” porque, tematicamente, nesse ponto do álbum, era importante para mim colocar essa mensagem onde ela está. Era importante que ela ficasse ao lado de “bummy.”

“bummy” é quase como sentir-se mal, mas sem levar isso muito a sério. Eu sou bipolar, então é sobre isso. E então “lush 2,” para mim, era sobre mostrar um lado diferente disso. “bummy” é quase como se estivesse celebrando e dizendo: “É isso!” A energia é barulhenta e louca. Com “lush 2,” foi o extremo oposto. Para mim, era importante colocá-las uma ao lado da outra porque elas falam sobre dois lados da mesma moeda. Depois de “lush 2,” vem “superpretty,” que, para mim, também fala de outro lado da mesma coisa. Elas todas estão conectadas, na minha opinião.

Eu acho que isso abre muito sobre a intenção por trás do álbum e como ele é incrivelmente bem pensado.

É importante para mim que as músicas sejam mais fortes em seu contexto do que isoladas. Se estou sendo muito honesto comigo mesmo, não acho que haja nada remotamente próximo de um single de sucesso no álbum. Acho que as músicas são ótimas por si mesmas, mas sinto que a apresentação mais forte é quando você as ouve todas juntas, porque elas conversam umas com as outras dessa forma.

No que diz respeito a “lush,” ele fala sobre alguém que é incapaz de ser honesto consigo mesmo no começo. É engraçado, porque você mesmo é incondicionalmente honesto sobre quem você é e suas experiências. Como você mencionou, todo o propósito do boylife é apenas criar e ser quem você é. Você já teve dificuldades em mostrar essa parte íntima de si mesmo em sua música? Ou é algo que vem naturalmente para você?

É definitivamente difícil. Se não sinto aquele desconforto que vem de ser um pouco honesto demais sobre algo — se não me sinto desconfortável em tocar para alguém, então isso não faz o corte. Eu tenho que me sentir um pouco nu tocando para alguém. Eu senti isso com cada uma das músicas do álbum. A primeira vez que toquei “churches” para um dos meus amigos da igreja, pensei: “Por que eu fiz isso?” E ele disse: “Isso é incrível.” Isso foi uma boa peça inicial de encorajamento de que eu poderia ser honesto, e se há algo real ali, então posso confiar que alguém no mundo vai ressoar com isso. É definitivamente difícil, muito esforçado. No caso de “lush,” especificamente, é meio meta ser honesto sobre não conseguir ser honesto [risos], mas eu definitivamente tentei incorporar isso na música o máximo que pude. Essa música é sempre um pouco estranha de tocar para as pessoas. Não muitas pessoas conseguem chegar na primeira linha [risos].

Eu sei que você falou sobre algumas músicas que você lançou anteriormente e sobre as experiências que moldaram as músicas como “peas” ou “bummy.” Você pode entrar nas músicas mais novas do seu álbum e o que influenciou os temas delas?

Cada música está ligada a uma história ou um momento. Eu faço a música do boylife super lentamente porque cada canção é como um recipiente que coloco um pedaço da minha alma, e para cada uma ser diferente, sinto que minha alma tem que ser um pouco diferente. E para minha alma ser um pouco diferente, um bom tempo precisa ter passado ou uma nova experiência precisa ter acontecido. Então cada uma definitivamente carrega um pensamento ou experiência diferente no centro.

No caso de “hey,” por exemplo, isso veio mais para o final do processo de fazer o álbum e eu estava refletindo sobre todas as diferentes peças. Eu percebi: “Oh, isso é um autorretrato.” Isso é essencialmente o que este álbum é. É um autorretrato. Estou apenas mostrando essas diferentes peças, os diferentes lados. É quase como uma meditação sobre meu relacionamento comigo mesmo e como eu me vejo. É uma letra estranha. “Hey gelato, eu tenho te amado violentamente.” Mas, de alguma forma, isso me parece certo.

Algumas dessas outras faixas como “church,” eu nunca conseguiria fazer de novo. Talvez “peas” seja a única que eu poderia fazer em um momento diferente da minha vida, porque essa é uma reflexão sobre algo com que cresci. Mas talvez eu não conseguisse, porque o momento em que a fiz foi quando estava refletindo intencionalmente e reconstruindo meu relacionamento com meus pais naquele ponto. Então talvez eu não pudesse fazer isso de novo.

Quando eu ouvi “peas” pela primeira vez, eu chorei muito, por quão relacionável era. Eu também sou Asiático-Americano e tive esse hiato geracional e cultural com meus pais. Quando você estava escrevendo do ponto de vista de seus pais, isso mudou a maneira como você vê seu relacionamento com eles? Ou isso ajudou você a entender um pouco melhor?

Eu diria que a música não afetou nada diretamente. Foi mais um subproduto das coisas mudando e vendo como meus pais me amavam. Eu tive um ano bem difícil — um ano em particular em que muitas coisas intensas estavam acontecendo comigo. Meus pais estavam lá por mim. Eu podia sentir que eles não tinham ideia do que estava acontecendo, mas eu podia sentir claramente o quanto eles me amavam. O prato de frutas é o sinal universal de amor, ou, “Ei, você está com fome? Já comeu?” Esse é o jeito dos pais asiáticos de dizer eu te amo. Eu estava refletindo sobre tudo isso e, depois desse período, isso me fez apreciar a maneira que meus pais me veem e me amam de uma nova forma.

Eu ainda estava terminando a faculdade quando a pandemia aconteceu, e voltei para casa. Eu sempre tive medo da minha mãe aparecer nas minhas aulas do Zoom com um prato de frutas. [Risos] Eu definitivamente aprecio isso.

É engraçado como é universal. Quando eu estava fazendo isso, não estava pensando: “Isso é para os filhos imigrantes.” Era apenas algumas coisas sobre a minha vida.

Ao longo do álbum, há um tema abrangente e a letra de “gelato” aparecendo muito. O que essa frase significa para você e qual é esse tema ao longo do álbum?

Gelato é delicioso. Você tem que comer antes que derreta completamente, enquanto mantém sua forma. Por algum motivo, isso se tornou a metáfora definitiva para cada uma dessas coisas que vivi. A primeira música diz: “Tudo vai derreter como gelato.” Essa é minha versão de dizer a frase clássica, “Isso também passará.” Com isso em mente, era importante capturar cada um desses momentos enquanto eu estava vivendo-os da forma mais honesta e direta possível. Porque são momentos, e eles vão passar. E antes que isso aconteça, quero ter certeza de que estive presente para eles. Essa é uma das principais ideias com o tema gelato. Para o refrão de piano de introdução, eu o coloquei várias vezes e o álbum é quase como um símbolo de um lembrete de que isso também passará. Tudo vai derreter. Essa é realmente a ideia. Além disso, por algum motivo, não sei como ou quando isso aconteceu, as pessoas me chamam de Gelato. Então há isso também. No fim das contas, o álbum era um autorretrato.