Najlepsze 10 albumów emo, które warto mieć na winylu

Kultowe uwielbienie Jawbreaker w latach 90. można podsumować, kiedy wyjmiesz okładkę płyty Bivouac z jacketu i przewrócisz ją. To, co widzisz, to sekwencja doskonałych zdjęć na żywo autorstwa Jennifer Cobb; jedno z jej ujęć uchwyca fana z kciukiem w górze i uśmiechem, zwracającego się do kamery z napisem „We ♥ Jawbreaker”. Z tak spektakularnie ciężkimi breakdownami, trzech mężczyzn z Jawbreaker byli żołnierzami Emo.

Gdy kręci się Bivouac, czujesz się tak, jakbyś był na jednym z ich spoconych koncertów; możesz zostać obślizgnięty. Na początku lat 90. to było „Nirvana to” i „Nirvana tamto”, ale, hej, tutaj jest Jawbreaker; byli na tym samym poziomie. Jawbreaker zostawił ogień, policzył martwych, zgiął struny i zdzierał skórę z zepsutych wzmacniaczy. Kiedy zapalisz tę papierosa „Chesterfield King” i usłyszysz basowy bęben grzmotu, będziesz wiedział, co mam na myśli.

Podczas jednego z wczesnych koncertów Sunny Day Real Estate w Seattle, muzyka sprawiła, że jeden z pracowników Sub Pop się rozpłakał. To mogło być dość powodem dla Bruce'a Pavitta i Jonathana Ponemana, właścicieli Sub Pop, aby zaryzykować z Sunny Day i zaoferować zespołowi kontrakt. Sunny Day rozpoczęło od mocnego uderzenia, wydając trzy znakomite albumy w ciągu czterech lat, zaczynając od przełomowego Diary w 1994 roku.

Wygodne do życia, Sunny Day tworzyło zrównoważony alternatywny rock. Diary paruje jak przypalony chleb, ale ma drobne niuanse, takie jak drobne akordy gitary w hałasie, delikatne stukanie w górny talerz ride, czy reverberacja na werblu. Pierwsze trzy utwory — „Seven”, „In Circles” i „Song About an Angel” — to trzy pierwsze piosenki, nad którymi Sunny Day kiedykolwiek pracowało; niewiele albumów ma zdolność wciągania słuchacza w te piękne wydarzenia, jak robi to Diary. Emo jest znane z dynamiki cicho/głośno, a Sunny Day ma wpływowe utwory takie jak „48”, kiedy to lawina uderzeń perkusji uwalnia się w perły, które kradną prawdę. Jeremy Enigk to wspaniały wokalista, wydłużający słowa w odpowiednich miejscach, a nigdy nie staje się zbyt narzekający. Diary jest najbardziej imponujące; może najbardziej uderzającym faktem jest brak zbędnych treści przy czasie trwania przekraczającym 50 minut. Reedycja z 2009 roku ma dwa bonusowe utwory — czerwony na stole, magenta gdy trzymasz go pod światłem. Gitarzysta Daniel Hoerner mówi, że te słowa z „Grendel” to esencja Sunny Day Real Estate: „deszcz był tam, aby zmyć moje łzy/chciałem być nimi, ale zamiast tego zniszczyłem siebie.”

Nie oceniaj tego albumu po tytule; muzyka brzmi dobrze. Wyprodukowane przez J. Robbinsa z Jawbox, Nothing Feels Good zyskało popularność, ponieważ Emo zazwyczaj nie jest tak zabawne. Nienaganny swing, jasny i czysty, The Promise Ring był prekursorem Dismemberment Plan. Davey von Bohlen (wokal, gitara) może nigdy nie napisał doskonałych linijek, ale z pewnością pakują dużo tekstu w dwuminutowym oknie.

W utworze tytulowym Bohlen nie zna Boga, nie zna nikogo i nie wie, czy wszystko będzie w porządku. Nie zna Billy’ego Oceanu ani dna oceanu. Bohlen nie chodzi już do szkoły i nie ma żadnych albumów. Pochodząc z Wisconsin, Promise Ring ma teksty o miejscach, które są daleko od amerykańskiego Dairyland — Delaware, Philadelphia i Betlejem; może nie lubią swojej ojczyzny? Utwory z Nothing Feels Good przelewają się jeden w drugi, niektóre cięższe od innych; to nie jest ciężki album. Ale jest cholernie chwytliwy. Sentimentalny i potężny, Nothing Feels Good emanuje wyobraźnią. Może ma najwięcej impetu ze wszystkich płyt tutaj.

Absolutnie brutalne. Daryl Palumbo, cierpiący na chorobę Crohna — niektóre z wokali zostały nagrane, gdy Palumbo leżał w szpitalnym łóżku — miał dość niewiernych ludzi w swoim życiu, że był w stanie napisać cały album o tych pustych doświadczeniach. Przed lub po Everything You Ever Wanted to Know About Silence, nie jestem pewny, czy ktokolwiek kiedykolwiek przeklinał tak wiele na kartach tekstowych, zdzierał tyle strun wokalnych, czy wyrażał tyle obrzydzenia wobec rozwiązłych ludzi. Brzmiąc jak hardcore, debiut Glassjaw wprowadził nowy, niespodziewany rodzaj emocji z subwersyjnymi gitarami i lekkim sarkazmem.

Wydaje się krótszy niż jego 51-minutowy czas trwania, EYEWTKAS niestrudzenie dźga i chrupie, z wyjątkiem wolnych fragmentów podczas „Her Middle Name Was Boom”, „Piano” i agonizująco ważnego utworu tytulowego. To tak, jakby eksplodował gniazdo os, gdy Palumbo znika w obłędzie. Zbyt łatwo jest odczytywać teksty jako mizoginistyczne („możesz przyprowadzić dziwkę do wody i możesz być pewny, że wypije i wykona rozkazy;” „mam nadzieję, że podoba ci się umierać w samotności;” „sposób, w jaki zepsułeś jego życie, jest tak dużym oszustwem, że przysięgamy;” i „wstań z kolan i zrób ze mnie swojego Boga”), ale Palumbo mówi, że słowa pochodzą z bycia zranionym przez okropnych ludzi. EYEWTKAS to najlepsza rzecz, jaką kiedykolwiek napisał Glassjaw; nadal brzmi jak piekielne zwierzę. Palumbo potrafi śpiewać i krzyczeć najlepiej, a sposób, w jaki wrzeszczy „kto teraz z tobą się pieprzy?” na końcu „Lovebites and Razorlines” to jeden z lepszych zwrotów wokalnych, jakich kiedykolwiek usłyszysz.

Natychmiast rozpoznawalne, Bleed American było DIY odpowiedzią Jimmy Eat World po zerwaniu kontraktu z Capitol Records. Niezależnie od tego, czy zespół się poddał, Jim Adkins i jego koledzy połączyli siły z producentem Markiem Trombino i poszli naprzód z klasykiem dla słuchaczy, którzy lubią rockową muzykę. „Z jedną ręką w górze,” Adkins rezonuje na epickim zakończeniu „My Sundown,” „pokażesz im swój postęp.” Wydany pięć tygodni przed 9/11, album jest o Amerykańskim Sposobie: wszyscy chcą więcej, niż mają. Ale na koniec dnia, wszyscy zasypiają.

Jimmy Eat World był na topie, wypuszczając przeboje i eksperymentując (Trombino grał na „magicznym pudełku” w „Cautioners,” prawie elektronicznym utworze). Będziesz klaskać w dłonie (“The Authority Song”), czuć dreszcze wzdłuż kręgosłupa (“Hear You Me”), topnieć (“Your House”), kręcić głową (“Get It Faster”), a może znajdziesz utwór na swoją listę weselną (“If You Don’t, Don’t”). Na tyle przystępny, by załapać utwór (“Sweetness”) na ścieżkę dźwiękową do NHL 2003, ale na tyle anielski, by być całkowicie oryginalnym, Bleed American jest szalenie inteligentne. To oda do tych, którzy inspirują. Ciesz się życiem, idź na koncert i podnieś pięść.

The Ugly Organ nie został powtórzony i prawdopodobnie nie powinien; jest genialny w sposób alienujący. Cursive, będący częścią folkloru Saddle Creek, to dziwny zespół, który trafia w interesującą nutę, wrzucając tysiąc pomysłów do miksera. The Ugly Organ to chaotyczny, świetny bałagan. Tim Kasher jest swoim zwyczajnym szybkim, odrzuconym frontmanem; Gretta Cohn dostarcza radości z wiolonczeli; a 13-osobowy chór „Staying Alive” obejmuje Conora Obersta. Kochana Jenni Lewis śpiewa na trzech utworach! Patrzę w ścianę; patrzę w filiżankę z kawą.

Nazwanie utworu „Art Is Hard” dla tak niespokojnego albumu mówi bardzo dużo. Sesje nagraniowe musiały być szalone. Ale The Ugly Organ ma więcej miękkich/wolnych/słodkich fragmentów, niż się wydaje — dziwne szeptanie, „The Recluse”, gitara i wiolonczela działające jak kuzyni, i mnóstwo melodramatów. Mimo że ego Kashera wypróżnia wszystko, co mu się podaje, potrafi naprawdę dobrze śpiewać, gdy włoży w to pełny wysiłek. Czwarty LP Cursive to mdłości — sprawia, że spoglądasz za siebie — ale wszyscy potrzebujemy oczyszczenia od czasu do czasu.

Słuchając tego albumu 14 lat po jego wydaniu, jest to trochę przesadzone. Choć można by argumentować, że ta lista byłaby niekompletna bez Three Cheers for Sweet Revenge, które osiągnęło status platyny w ciągu 365 dni od wprowadzenia na rynek, sprzedając ostatecznie ponad milion jednostek. Nie oznacza to, że jest milion winyli Three Cheers, ale, hej, dajcie im ognia, dzieci. My Chemical Romance gra glam punk muzykę w bardzo wysokim tempie; to wyczerpująca sprawa. To gówno jest na maksa intensywne. Gerard Way krzyczy tak, jakby miał 17 noży w plecach. My Chem zawarli umowę z diabłem i przepalili przez tysiąc strun gitarowych.

Gdyby Queen byli szaleńczo szaleni, mogliby nagrać album jak Three Cheers. Z ekstremalnym smutkiem niewątpliwie — „na całe gardło w ramionach, umiera” — i mimo całego alkoholu oraz kokainy, które prawie zabiły Waya, My Chemical Romance stworzyło coś potężnego. To hiperkinezyjne kino strzelane przez strzelbę railową.

Koncepcyjnie ciężki z obrazami śmierci, samookaleczenia i negatywności w stosunku do klatki piersiowej, Saves The Day nagrało wesołe utwory, które powinny być lekcją dla każdego zespołu próbującego grać pop punk. Sound the Alarm potrzebował tych wszystkich świetnych hooków; poprzedni album zespołu (In Reverie) sprzedał się słabo, co spowodowało, że ich wytwórnia (DreamWorks) zerwała ich kontrakt. Saves The Day wydało większość swoich pieniędzy, wokalista/gitarzysta Chris Conley zamknął się, aby pisać utwory, a Sound the Alarm uratował karierę dzięki świetnym małym paczkom, które mają mocne uderzenie. Steve Evetts (znany z produkcji wszystkich absurdalnych albumów Dillinger Escape Plan) dostaje złotą gwiazdkę za jedno z najbardziej niesamowitych nagrań gitary basowej, jakie kiedykolwiek słyszałem.

Głos Conleya jest dziecinny i zapraszający, ale to, co mówi — niezależnie od tego, jak skoczne są instrumenty — okrywa Sound the Alarm katastrofą: „Czuję się, jakbym połykał swoje oczy;” „odetnij mi nogi, kiedy każesz mi iść/rozdraj mnie, kiedy każesz mi mówić;” „wziąłem klucz do klatki piersiowej, złamałem wszystkie żebra;” „wykopię swój grób i czekam tutaj, aż zrozumiesz;” „bo paranoja to jedyny przyjaciel, jakiego znam;” i „włóż cyjanek do rur wodociągowych.” Conley może być chory, ale nikt nie potrafi lepiej zaśpiewać linijki „jeść moją twarz.” I potrzebujemy tych piekielnych prowadzeń gitarowych, takie jak na utworze tytulowym. Oczywiście, „wszyscy, których znasz, pewnego dnia umrą”, ale przynajmniej Sound the Alarm trwa dalej.

Infamous Dave Fridmann pomógł Thursday stać się zespołem, którym zawsze chciała być — teksturowanym, przestrzennym i absolutnie profesjonalnym. Zaczynając od A City by the Light Divided (2006) i kończąc na No Devolucion (2011), Common Existence to bąbelkowość drugiego rozdziału Thursday. Wznosząc się jak wieżowce, muzyka jest wystarczająco głośna, aby zapełnić stadiony, ale medytacyjna, aby słuchać jej leżąc na kanapie. Bas i perkusja przyspieszają; słońce przebija się przez okno.

„Resuscitation Of A Deadman” to angażujący utwór otwierający, tak jak „Understanding in a Car Crash,” „For the Workforce, Drowning,” i „The Other Side of the Crash” były przed nim; Thursday wie, jak przyciągnąć słuchaczy do swoich albumów. Common Existence rozkłada swoje piękne szaleństwo „z efektywnością ataku serca,” śpiewa Geoff Rickley. Od szybkich uderzeń werbla w „As He Climbed The Dark Mountain” po atmosferę przewijanej taśmy w „Time’s Arrow”, można się w tym zgubić. Wir hałasu potrafi zaskoczyć jak stłuczone szkło, a elektronika może ciąć jak przestępstwo; Rickley ma już dość wszystkich martwych żołnierzy z opłakującymi matkami. „Stare nagranie się kończy, odwrócimy je i zaśpiewamy utwory, których nigdy nie słyszeliśmy.” Obwody twojego odtwarzacza płytowego płoną.

Z tej samej przestrzeni popularnego miejsca Emo The Palladium, The Hotelier przywrócił uwagę do tego gatunku z tym uniwersalnym wydaniem przez Tiny Engines, które było domem dla Beach Slang i Restorations. Przemieniające, uszkodzone i melancholijne, Home, Like Noplace Is There ma odpowiednie wprowadzenie wypełnione 288 słowami. Emocjonalny głos Christian Holden'a podnosi się, aż po prostu traci kontrolę („co do cholery wiem?”). Harmonie na albumie są znakomite, ale depresyjne teksty opadają jak cegły z pięciu pięter.

Pierwsza połowa Home, Like Noplace Is There jest dość wspaniała; z lewej strony The Hotelier staje się ostrzejszy i agresywny. „Nosiłeś binarny jak przypinkę honoru” — Holden krzyczy. The Hotelier ma prawdziwą emo dynamikę: smutne teksty, muzycznie podnoszące na duchu. Mają prawdziwą moc. Holden mówi, że „rwie stare wiadomości na kawałki,” ale on i jego zespół przywrócili solidarność temu gatunkowi. Niewiele albumów zdobywa Metascore na poziomie 91; Home to trop emo.