Najlepsze 10 albumów dla początkującego fana jazzu

  

John Coltrane - A Love Supreme

Osobiście zakochałem się w muzyce Johna Coltrane'a dzięki Plays The Blues i Blue Train (moje dwa ulubione utwory, spróbuj mnie przekonać), A Love Supreme jest niezaprzeczalnie arcydziełem tego człowieka (choć uważam, że ma ich kilka). To prototyp spiritual jazzu, podgatunku, który dotyka dokładnie tego, co myślisz przy tym nazwie: duchowości. Niemniej jednak, nie ma tu nic overtly religijnego czy kaznodziejskiego, jedynie człowiek wyrażający swoją wiarę poprzez ruchy, rytuały i po prostu wspaniałe mistrzostwo muzyczne. Słuchanie tego albumu to natychmiastowe błogosławieństwo dzięki jednemu z najpiękniejszych utworów muzycznych kiedykolwiek skomponowanych. A Love Supreme to jedna z tych nieomylnego płyt, które wszyscy powinni usłyszeć i nauczyć się doceniać, niezależnie od swoich preferencji muzycznych. Po przesłuchaniu go możesz nie znaleźć boga, ale na pewno znajdziesz Coltrane'a, rozumiesz?

Ryan Kowal: Jako muzyk jazzowy, granie i nagrywanie wersji innych utworów i albumów to tradycja. W ramach tej tradycji istnieje kilka utworów i albumów, które są wyłączone z tej praktyki ze względu na wpływ i zakres oryginału. A Love Supreme jest na szczycie tej listy.

  

Miles Davis - Kind of Blue

Kolejny absolutny potwór i mistrz gatunku, Miles Davis ma dyskografię, którą można studiować przez lata. Jednak niemożliwe jest ignorowanie sweeping brilliance Kind of Blue jako zarówno rite of passage, jak i łatwego wprowadzenia dla nowicjuszy. A to głównie dlatego, że wszystko tutaj brzmi tak ciasno skomponowane i wykonane, co ma sens, gdy patrzysz na zespół Davisa. Facet miał dwóch najlepszych saksofonistów w swojej ekipie—Coltrane'a i Juliana "Cannonballa" Adderleya—w dodatku pianistę Billa Evansa, który współautorstwa dwóch utworów na Kind of Blue i zdobył swoje miejsce trochę później na tej liście. Z takimi potęgami po swojej stronie, Davis wydobył to, co najlepsze z zespołu, prowadząc jeden z najważniejszych kawałków amerykańskiej muzyki, jaki kiedykolwiek stworzono, niezależnie od gatunku.

RK: To może być najpopularniejszy album jazzowy wszech czasów. Zasługuje na to miejsce, ponieważ gra, kompozycje, uczucie oraz atmosfera czynią go jednym z najskupniejszych, celowych i inteligentnych dzieł sztuki w historii.

  

Chick Corea - Return to Forever

Jak tylko utwór tytułowy otwiera album, wiesz, że czeka cię coś innego z Return to Forever. To jak powolny spacer do zaświatów, spokojny i piękny, zanim w końcu ustąpi bogatym, teksturowanym warstwom dźwięku. Muzyka Chicka Korei i jego wiedza na temat klawiszy, które usłyszałem około czasu, gdy zostałem wprowadzony do Coltrane'a, zawsze wydawały mi się całkowicie pochłaniające. W rezultacie woła nie tylko o odpowiedni zestaw audio, ale może i spokojny wieczór oraz najlepsze słuchawki. Nie tylko to, ale przejście od epickiego zakończenia "Sometime Ago - La Fiesta" z powrotem do "Return to Forever" jest naprawdę oszałamiające. Warstwy oddychające przez każde pojedyncze utwór zasługują na godziny eksploracji, szczególnie gdy wokalistka Flora Purim kradnie show na tle "What Game Shall We Play Today."

RK: Pierwszym elementem, który przyciąga moją uwagę, jest sposób, w jaki perkusista Airto Moreira stosuje niekonwencjonalne wzory na zestawie perkusyjnym. Jeśli to cię nie wciągnie, to solo, niesamowite kompozycje i piękna brazylijska wokalistka Flora Purim już tak.

  

Chet Baker - Chet Baker Sings

Najstarszy album na tej liście (pojawił się w 1954 roku), Chet Baker Sings jest prawdopodobnie najłatwiejszy do przyswojenia. O, i zdecydowanie najfajniejszy. Facet miał swag na zupełnie innym poziomie, podobnie jak jego bezproblemowe podejście do trąbki i mikrofonu. To właściwie jego debiut jako wokalisty po kilku nagraniach skupiających się na jego talentach z wybraną przez niego trąbką. Wciąż jest tu mnóstwo trąbki, ale artysta wówczas mający około dwudziestu lat stawia swoje super-gładkie i lekkie wokale na pierwszym miejscu, prezentując klasyczne interpretacje równie klasycznych standardów, w tym "My Funny Valentine," "Like Someone in Love" oraz "There Will Never Be Another You." Tupnij palcami, weź czerwone wino lub herbatę i przyciemnij światła. I oto, teraz jesteś gotowy na Chet Baker Sings.

RK: Śpiew Chet'a i gra na trąbce sprawiają, że czujesz się ciepło wewnątrz. Jego uczucie i ton są niezrównane. Przyjęcia koktajlowe, uwaga, pan Baker ustawia nastrój.

  

Eric Dolphy - Out to Lunch!

Iron Man, jedna z wielu posthumnych kompilacji Erika Dolphy'ego (zmarł w wieku 36 lat), była moim prawdziwym wprowadzeniem do tego particular jazzowego giganta. I choć nie ośmieliłbym się nikogo odradzać kupowania kopii, byłoby mądrzejsze, aby złapać Out to Lunch! najpierw. Podobnie jak kilka innych albumów na tej liście, ten album bezproblemowo łączy trudne z prostym, pozwalając uszom wszelkiego rodzaju to przyswoić, zdigłówować i nauczyć się kochać to, co słyszą. Oto coś, co na pozór proste granie i kompozycje sprawia, że są tak urocze, nie dlatego, że są momentalnie pociągające, ale ponieważ jest w nich tyle warstw. Weź pod uwagę bas Richarda Davisa gotowego do horroru w utworze "Hat and Beard", szaleństwo wibrasofonisty Bobby'ego Hutchersona w utworze tytułowym oraz WTF momenty czystego szaleństwa w "Straight Up and Down."

RK: To jest na mojej liście najlepszych albumów wszech czasów, nie tylko w jazzie. Kompozycje Dolphy'ego, formy solowe i instrumentacja są idealnym połączeniem prostego jazzu z pewnymi szalonymi tendencjami (stąd ta nazwa).

  

Anthony Braxton - The Montreaux/Berlin Concerts

Dobrze, wszyscy, zróbmy to trochę dziwnie. Jesteś około dziewięć minut w "Z Wbn D38", zanim bum! wszyscy wkraczają do akcji, a saksofon Braxtona prowadzi atak. To nagranie na żywo z 1975 i '76 nie jest dokładnie dla wrażliwych, co czyni je czymś, co zdecydowanie powinieneś rozważyć, jeśli chcesz zanurzyć się w coś bardziej awangardowego. Ale choć granie tutaj staje się dzikie, to nie oznacza, że nie możesz się przy tym rozsiąść ani cieszyć się nim; wręcz przeciwnie. Jest tak wiele się dzieje przez te nagrania, że trudno będzie zrozumieć, co się dzieje po pięciu przesłuchaniach, nie mówiąc już o pierwszym. Istnieją artyści, których muzyka najlepiej brzmi w żywej scenerii, a Braxton zdecydowanie do nich należy. To transcendentne granie (szaleństwa na "84 Kelvin - G"? No dalej!), i dobrze byłoby, gdybyś wkraczał w terytorium Braxtona.

RK: Anthony Braxton i zespół byli w doskonałej formie, gdy te koncerty były nagrywane. Połączenie nowoczesnej muzyki klasycznej z jazzem, na dodatek nowa notacja i zasady dotyczące tego, jak grać muzykę, czynią te koncerty koniecznością dla wszystkich miłośników muzyki.

  

Wayne Shorter - Speak No Evil

Speak No Evil to kolejna z tych nagrań w stylu supergrupy z złotego okresu jazzu lat 60-tych. Z potężnym Wayne'a Shorterem i jego saksofonem prowadzącym, słyszymy Herbiego Hancocka, Rona Cartera, Freddie'ego Hubbarda i Elvina Jonesa w tym samym czasie. To mordercza ekipa graczy, kwintet gigantów, wszyscy absolutnie zabijają to. A rzecz w tym, że wszystko brzmi tak naturalnie i, jak już powiedziałem wiele razy w tym artykule, bez wysiłku, że nowi słuchacze nie będą czuć się przytłoczeni przez abstrakcyjne idee czy eksperymenty. Speak No Evil to ponadczasowy klasyk, ponieważ nawet gdy przesuwał granice jazzu, czynił to bez pretensji czy zbędnych elementów, tylko z równie oszałamiającymi kompozycjami i grą (szczególnie ballada "Infant Eyes"). Jeśli chcesz usłyszeć coś naprawdę mądrego na tym albumie, zwróć uwagę na spostrzeżenia Murray'a Horwitza.

RK: Wayne Shorter to jeden z największych kompozytorów, którzy wyszli z gatunku jazzowego. Ten album zawiera niektóre z jego najsłynniejszych i najciekawszych kompozycji. Jego utwory są myląco trudne do wykonania, ale muzycy na tym nagraniu ożywiają je, wydawałoby się, bez wysiłku.

  

Bill Evans - The Complete Village Vanguard Recordings, 1961

Skoro Bill Evans jest zarówno pianistą, jak i liderem zespołu w tej sytuacji, jego praca na klawiszach wyraźnie przeważa. Dołącza do niego zaledwie dwóch innych graczy, perkusista Paul Motian i basista Scott LaFaro, którzy dostarczają fundamentów, aby Evans mógł pokazać swoje ogromne talenty. I całkiem słusznie, ma mnóstwo okazji do błyszczenia w tej trzydyskowej kolekcji na żywo nagranej w historycznym Village Vanguard w Nowym Jorku. Ale chodzi bardziej o to, jak on, Motian i LaFaro doskonale się ze sobą zgrywają, czy to gdy dostarczają marzycielskie interpretacje standardów takich jak "My Foolish Heart", czy przechodzą przez wersje Milesa Davisa ("Solar" i "Milestones"). Te elementy sprawiają, że ta kolekcja jest tak strawna i łatwa do słuchania, co oczywiście pomaga, gdy zobowiązujesz się do przesłuchania tak dużej ilości muzyki w jednym posiedzeniu.

RK: Bill Evans zmienił sposób, w jaki działa trio fortepianowe. Perkusja i gitara miały równą wagę, jeśli chodzi o melodię, frazowanie i formę. To trio jest jednym z najlepszych kiedykolwiek nagrywanych, przede wszystkim dlatego, że grają jak jeden instrument.

  

Thelonious Monk - Brilliant Corners

Aby docenić i zrozumieć grę i kompozycje Theloniousa Monka, nie trzeba szukać dalej niż Brilliant Corners. On wszystko wystawia na światło dzienne w tych pięciu utworach, od swojej upartości w otwierającym utworze (jest to wynik ponad dwóch tuzinów nagrań) po zwykłą zabawę (dodał czelestę do ballady "Pannonica", gdy przypadkiem ją znalazł w studio). A to naprawdę "Pannonica" jest najbardziej chwytliwa, dzięki dodatku marzycielskiej czelesty i po prostu pięknej grze saksofonowej Sonny'ego Rollinsa. Powoli poruszający się utwór uchwyca geniusz Monka z nutą młodzieńczej wagi, a trudniejsze utwory (takie jak wspomniany otwierający) stają się nieco łatwiejsze do uchwycenia. To samo dotyczy "Bemsha Swing", który jest doskonałością i czystą muzyką do ucha. Jeśli "Pannonica" jakoś nie przemawia do ciebie—choć naprawdę wierzę, że tak będzie—posłuchaj "Bemsha Swing" przy filiżance kawy. O, a ten utwór "Hat and Beard" Dolphy'ego, który wcześniej zaznaczyłem? Był dedykowany Monkowi i jego miłości do kapeluszy.

RK: Kanciaste pianino Monka i złożone kompozycje czynią ten album klasykiem. Jego styl jest od razu rozpoznawalny i jest zarówno przyjemny, jak i jednocześnie atakiem na ucho. Jego muzyka wciąż wpływa na nowoczesne style jazzu ponad 30 lat po jego śmierci.

  

Ornette Coleman - The Shape of Jazz to Come

The Shape of Jazz to Come jest zwodniczy w nazwie. Mówiąc dokładniej, jego tytuł prawdopodobnie sprawi, że poczujesz: „Święty Boże, to musi być strasznie trudny album do słuchania.” I choć czasami jest to prawda, jest też niezwykle strawny dla każdego, kto jest gotów przyprawić swoje uszy o utwory, które zmieniły sposób, w jaki kompozytują jazz. Wiesz, stąd tytuł albumu, który wskazuje, jak gatunek będzie zmieniany i igra ze sobą przez przyszłe lata. Nazwanie Ornette Colemana pionierem wydaje się prawie zbyt łatwe, mimo że dokładnie tym był—nawet do momentu jego śmierci w 2015 roku. A pomyśleć, że wydał to w 1959 roku! Chociaż sugeruję przesłuchanie go od początku do końca, puść "Peace", jeśli potrzebujesz smakosza. To utwór, który łączy chaotyczny szał z pięknem w spokoju, zwłaszcza ostatnie 90 sekund. Odtwórz to teraz i zrozumiesz. Będziesz mieć też temat do rozmów w każdej rozmowie o Refused, jeśli, wiesz, masz rozmowy o nich.

RK: Każdy, kto chce wejść w jazz, musi posłuchać Ornette Colemana. Jego podejście do formy w muzyce zmieniło bieg historii muzyki. Przed Colemanem większość utworów opierała się na akordach i formach, które on zlikwidował. Melodia była centralnym punktem, a wszystko inne mogło być dostosowane.