VMP Rising: boylife

Som unge barn ofte gjør mens de oppdager sine interesser og hobbyer, begynte Ryan Yoo å spille piano og klarinett før han gikk over til selvstudium av gitar på ungdomsskolen. Musikk hadde ikke vært på horisonten for ham. Faktisk hadde han aldri engang vurdert det dypt før han begynte på college. Selv da var det en prosess med prøving og feiling, men mellom utforskningen av både lyder og seg selv, oppstod det noe uutslettelig. Å finne kreativ frihet er en ambisjon for mange artister som til slutt kan bli en livslang reise, men for Yoo fant han nettopp det i sitt soloprojekt som boylife.

“Jeg satte i gang med hvert prosjekt med forskjellige prioriteringer. Med soloprosjektet var intensjonene mine veldig spesifikke. Jeg bestemte meg tidlig for at jeg gjorde dette utelukkende for meg selv. Det betydde ikke noe om det fikk én strømming eller om det fikk en milliard strømminger. Det handlet utelukkende om å si mitt stykke og tilfredsstille sjelen min. Det handlet ikke i det hele tatt om mottakelsen eller oppfatningen av prosjektet,” forklarte Yoo. “Det var noe jeg fant veldig kreativt frigjørende, fordi for meg: Den øyeblikket jeg er glad for en sang, har jeg vunnet. Det er noe jeg kan nyte, fordi jeg allerede har tilfredsstillelsen på det punktet. Jeg er ikke sikker på om alle har den intensjonen, men jeg måtte gjøre det veldig klart for meg selv fra starten. Med mitt soloprosjekt, dette er min fristad.”

VMP: Jeg føler at det er veldig tydelig i musikken din at du er veldig ærlig og naken med hvem du er. Jeg vet at gelato var en fire- eller femåringsprosess for deg. Du jobbet sannsynligvis med dette under pandemien også. Påvirket det dine kreative prosesser på noen måte eller endret det måten du nærmer deg musikken din på?

boylife: I løpet av mye av pandemitiden, kunne jeg ikke gå til studioer. Det endret ting litt med at verktøyene mine var litt mer begrenset, og timeplanen min var også mye mer åpen. Bortsett fra det, tror jeg ikke det endret hvordan musikken skulle bli. Slik albumet kom ut, var det ment å lande på den måten uansett. Den ene tingen som kunne vært annerledes ville kanskje vært flere strenger, hvis jeg kunne ha gjort det. Jeg føler at mange artister var som, “Yo, pandemien gjorde dette for meg eller det for meg.” Artistisk, gjorde det ikke så mye. Det gjorde ingen forskjell for meg, ærlig talt.

Som jeg nevnte tidligere, vet jeg at gelato var en lang prosess for deg — fire til fem år. Det er en veldig lang tid for noen. Mye kan endre seg i mellomtiden. Hvordan har du sett deg selv vokse eller endre deg fra hvor du begynte i begynnelsen sammenlignet med nå når albumet endelig er fullført?

Det har vært en lang periode. Jeg har definitivt endret meg både som person og artist. Når du er ung, er hvert år en stor forskjell med tanke på å kjenne seg selv og være selvsikker. Det er den eneste store forskjellen for meg. Jeg føler ikke at jeg har noe å bevise. Jeg tror tidligere da jeg laget musikk, var det en usikkerhet der og jeg ønsket å bevise at jeg kunne gjøre noe. Jeg ønsket å bevise at min visjon var unik, som er en del av hvordan “church” ble til. Jeg tenkte, “Jeg skal lage noe som ikke høres ut som noe jeg har hørt før.” Det gjør jeg fortsatt, men intensjonen har endret seg. Det handler mer om å forfølge gnisten min og det som gir meg kunstnerisk tilfredsstillelse. I begynnelsen, da jeg lagde boylife-sanger, visste jeg ikke at jeg lagde boylife-sanger fordi boylife ikke var en ting. Jeg tenkte, “Dette passer ikke inn i noe prosjekt jeg jobber med, men jeg må lage dette.” Til slutt ble alle sangene som ble født av den nødvendigheten boylife-sanger. Det er også en annen endring som skjedde over de siste fire eller fem årene — prosjektet ble oppfunnet.

Når jeg lyttet til albumet, la jeg merke til at en "lush 2" kommer før "lush" på sporlisten. Kan du snakke om forbindelsen mellom de to sangene og hva som førte til at du hadde den intensjonen om at folk skulle høre “lush 2” før “lush”?

Jeg laget “lush” før jeg laget “lush 2.” “lush” startet opprinnelig som et annet stykke kalt “sober” og det var en to-delt sang. En del av grunnen til at ordet “lush” ble inkorporert er at “lush” er et gammeldags ord for en beruset person. Den sangen ble kannibalisert og forvandlet til et annet stykke, som forvandlet til noe annet, og så ble det “lush” som det er nå. Men tittelen forble den samme. Det har ingenting å gjøre med å være beruset bortsett fra kanskje delen der du er for ærlig. “lush 2,” ville jeg at det skulle være — hvis jeg var super dritings, hva ville jeg babble om?

Gitarspillet og rytmene er de samme på begge låtene, så for meg er de lydmessig litt like. Det er forbindelsen. Veldig løst, veldig tilfeldig. Men de er begge vagkoblet til alkohol, antar jeg. [Ler] Når det gjelder sekvenseringen, kommer “lush 2” før “lush” fordi det tematisk, på det punktet i albumet, var viktig for meg å sette det budskapet der det sitter. Det var viktig for meg at det satt ved siden av “bummy.”

“bummy” er nesten som å føle seg dårlig, men ikke ta det super seriøst. Jeg er bipolar, så det handler om det. Og så var “lush 2,” for meg, om å vise en annen side av det. “bummy” er nesten å feire det og si, “Ja! Dette er det!” Energien er høylytt og gal. Med “lush 2,” var det den motsatte enden. For meg var det viktig å sette dem ved siden av hverandre fordi de snakker til to sider av den eksakte samme mynten. Etter “lush 2” er “superpretty,” som, for meg, også snakker til en annen side av det samme. De er alle sammenkoblet, etter min mening.

Jeg tror det åpner opp mye om intensjonen bak albumet og hvordan det er utrolig godt gjennomtenkt.

Det er viktig for meg at sangene er sterkere i sin sammenheng enn i isolasjon. Hvis jeg skal være veldig ærlig med meg selv, tror jeg ikke det finnes noe som helst knyttet til en hit-singel på albumet. Jeg synes sangene er flotte i seg selv, men jeg føler at den sterkeste presentasjonen er når du lytter til dem hele veien gjennom, fordi de snakker til hverandre på den måten.

Når det gjelder “lush,” tar det opp noen som ikke klarer å være ærlig mot seg selv i begynnelsen. Det er morsomt, for du selv er uforbeholdent ærlig om hvem du er og erfaringene dine. Som du nevnte, er hele formålet med boylife bare å skape og være den du er. Har du noen gang hatt noen vanskeligheter med å vise denne intime delen av deg selv i musikken din? Eller er det noe som bare kommer naturlig for deg?

Det er definitivt vanskelig. Hvis jeg ikke føler at ubehaget som kommer fra å være litt for ærlig om noe — hvis jeg ikke føler meg ukomfortabel med å spille det for noen, så hører det ikke hjemme. Jeg må føle meg litt naken når jeg spiller det for noen. Jeg følte det med hver eneste en av sangene på albumet. Den første gangen jeg spilte “churches” for en av vennene mine fra kirken, tenkte jeg: “Hvorfor gjorde jeg det?” Og han sa, “Dette er sykt.” Det var en fin tidlig oppmuntring at jeg bare kunne være ærlig, og hvis det er noe ekte der, kan jeg stole på at noen i verden vil resonere med det. Det er definitivt vanskelig, veldig anstrengende. I tilfelle “lush,” spesifikt, er det litt meta å være ærlig om ikke å kunne være ærlig [ler], men jeg prøvde definitivt å legemliggjøre det innen sangen så mye jeg kunne. Den sangen er alltid litt ukomfortabel å spille for folk. Ikke mange kommer seg forbi den første linjen [ler].

Jeg vet at du har snakket om noe av musikken din som ble utgitt før og om opplevelsene som formet sangene som “peas” eller “bummy.” Kan du dykke inn i de nyere sangene på albumet og hva som påvirket emnene deres?

Hver eneste sang er knyttet til en historie eller et øyeblikk. Jeg lager boylife musikk super sakte fordi hver sang er som en beholder jeg heller et lite stykke av sjelen min i, og for at hver sang skal være forskjellig, føler jeg at sjelen min må være litt annerledes. Og for sjelen min å være litt annerledes, må en god del tid ha gått eller en ny erfaring ha skjedd. Så hver sang bærer definitivt en annen tanke eller annen erfaring i sentrum.

I tilfellet med “hey,” for eksempel, kom den mot slutten av albumproduksjonsprosessen og jeg reflekterte over alle de forskjellige bitene. Jeg innså, “Åh, dette er et selvportrett.” Det er i essensen hva dette albumet er. Det er et selvportrett. Jeg viser bare disse forskjellige bitene, de forskjellige sidene. Det er nesten som en meditasjon over mitt forhold til meg selv og hvordan jeg ser meg selv. Det er en litt merkelig tekst. “Hey gelato, jeg har elsket deg voldsomt.” Men på en eller annen måte føles det riktig for meg.

Noen av disse andre låtene som “church,” kunne jeg aldri lage igjen. Kanskje “peas” er den eneste jeg kunne lage på et annet tidspunkt i livet mitt, fordi den er en refleksjon over noe jeg vokste opp med. Men kanskje kunne jeg ikke, fordi tiden jeg lagde den var når jeg bevisst reflekterte over det og omformet forholdet mitt til foreldrene mine på det tidspunktet. Så kanskje kunne jeg ikke gjøre det igjen.

Når jeg først hørte “peas,” grein jeg som en baby, på grunn av hvor relaterbar den var. Jeg er også asiatisk-amerikansk, og hadde det generasjons- og kulturgapet med foreldrene mine. Når du skrev det fra perspektivet til foreldrene dine, endret det måten du ser på forholdet ditt til dem? Eller hjalp det deg til å forstå dem litt bedre?

Jeg vil si at sangen ikke direkte påvirket noe. Det var mer et biprodukt av at ting endret seg og så hvordan foreldrene mine elsket meg. Jeg hadde et ganske vanskelig år — et spesielt år hvor mye intens dritt skjedde med meg. Foreldrene mine var der bare for meg. Jeg kunne føle at de ikke hadde noen anelse om hva som foregikk, men jeg kunne tydelig føle hvor mye de elsket meg. Frukttallerkenen er det universelle tegnet på kjærlighet, eller, “Hei, er du sulten? Har du spist?” Det er den asiatiske foreldres måten å si jeg elsker deg på. Jeg reflekterte over alt dette, og etter den perioden fikk det meg til å sette pris på måten foreldrene mine ser meg og elsker meg i et nytt lys.

Jeg var fortsatt ferdig med college da pandemien rammet, og jeg flyttet hjem. Jeg var alltid redd for at mamma skulle dukke opp i Zoom-klassene mine med en frukttallerken. [Ler] Jeg setter definitivt pris på det.

Det er morsomt hvor universelt det er. Da jeg laget dette, tenkte jeg ikke, “Dette er for immigrantbarn.” Det handlet bare om ting som skjedde i livet mitt.

Gjennom albumet er det det overordnede temaet og teksten til “gelato” som dukker opp mye. Hva betyr den frasen for deg og hva er det temaet throughout albumet?

Gelato er deilig. Du må spise det før det smelter helt, mens det holder formen. Av en eller annen grunn ble det den ultimate metaforen for hver av disse tingene jeg har levd. Den første sangen sier, “Det vil smelte bort som gelato.” Det er min versjon av å si den klassiske frasen, “Dette også vil gå over.” Med det i tankene, var det viktig å fange hvert av disse øyeblikkene mens jeg levde dem på en så ærlig og direkte måte som mulig. Fordi de er øyeblikk, og de vil gå over. Og før de gjør det, vil jeg forsikre meg om at jeg var til stede for dem. Det er en av hovedideene med hele gelato-temaet. For piano introduksjonsrefrengene, har jeg dem komme tilbake flere ganger, og albumet er nesten som et symbol på en påminnelse om at dette også vil gå over. Det vil smelte bort. Det er virkelig ideen. Også, av en eller annen grunn, vet ikke jeg hvordan eller når dette skjedde, men folk kaller meg Gelato. Så det er også det. Til syvende og sist var albumet et selvportrett.