Leven in mythen met Weyes Blood

Dat wordt helder met het nieuws over haar volgende album, Titanic Rising, dat in april uitkomt via het legendarische label Sub Pop uit de Pacific Northwest. Dit wordt haar eerste release bij Sub Pop, en de muziek bevat een verhoogd gevoel van vertrouwen en behendigheid dat komt met het verbeteren van de labelkant. Titanic Rising bouwt voort op de mooie blues van Front Row Seat To Earth, en duikt diep in de mythische kracht van films en verkent hoe de krachten van deze onbereikbare liefdesverhalen onze pijnlijke, eenzame psyche vormen.

Toch is Titanic geen treurig album, maar een doordacht album, en zeker een ambitieus oeuvre. Het stelt Mering in staat, een keer voor altijd, om haar plek naast de grote songwriters van onze tijd in te nemen; ze is, als u me deze vergelijking toestaat, de millennial Joni Mitchell, die werken van de ziel combineert met politieke gedachten en verbluffende universele thema's. Voor de release van het album — het verschijnt op 12 april, maar je kunt nu een beperkte editie vinylversie bij Vinyl Me, Please pre-orderen — sprak ik met Mering over de plaats van het album in haar carrière, het nieuwe nummer "Andromeda" en waarom Titanic een van onze weinige moderne onsterfelijke mythen is.

Je speelt al jaren muziek, maar 2016's Front Row Seat To Earth voelde als een album waarin alles voor jou samenviel, alsof je op het hoogtepunt van je kunnen was. Maar nu, luisterend naar Titanic Rising, voelt het alsof het zelfs een niveau hoger is. Wat is de relatie tussen deze laatste twee albums voor jou en hoe voelt alles anders aan in de aanloop naar de release van Titanic?

Op Front Row Seat to Earth nam ik zeker meer de touwtjes in handen qua productie. Ik kreeg geweldige kansen van mijn eerste album met Mexican Summer, The Innocents, om veel op tournee te gaan en mijn zang- en songschrijftalenten te verfijnen, met de kans om maandenlang op te treden, wat zeker een privilege is voor indie-artiesten, omdat ik denk dat de DIY-scene de laatste jaren een beetje een duikeling heeft gemaakt. Om die optredens te krijgen en consequent voor een luisterend publiek te spelen is steeds moeilijker.

Front Row Seat was de climax van het spelen van deze shows, het in handen nemen en samenwerken met iemand zoals [producer] Chris Cohen, in wie ik diep vertrouw. Met deze volgende was het gewoon nog meer daarvan. Ik had de kans gekregen om nog meer op tournee te gaan, ik had de mogelijkheid om met wie ik maar wilde te spelen. En Jonathan Rado, die me hielp bij de productie van het album, liet me zelfs meer vrij spel in termen van zijn mening, die altijd aan de mijne kant stond, in tegenstelling tot Chris en ik die soms botsten over bepaalde zaken. Dus het was interessant om ineens nog meer vrijheid te hebben om verschillende gebieden te verkennen. Voor mij is het gewoon een lang proces geweest om op dit punt te komen, omdat ik tot nu toe niet echt die soort kansen heb gekregen.

Dit is je eerste album met Sub Pop, wat persoonlijk een van mijn favoriete labels is. Ik ben opgegroeid in het Noordwesten, dus ze waren daar overal. Wat trok je aan om met hen samen te werken en hoe is die ervaring geweest?

Ze zijn ook een groot deal voor mij. Toen ze interesse in me toonden was ik behoorlijk verrast. Er waren andere labels die een beetje meer, hoe moet ik het zeggen, een soort van borderline grote labels waren, of gewoon een beetje meer een hippe naam die je zou kunnen laten vallen. En de manier waarop die labels me behandelden was gewoon zo willekeurig — zoals, er is veel aan het wijnen en dineren, en dan vroegen ze om demo's en het is gewoon... mijn platen spreken voor zichzelf. Ik ben op een punt in mijn leven waarop ik geen demo's meer hoef te maken om een platencontract te krijgen. Dat past gewoon niet bij mijn stijl.

Dus kwam Sub Pop uit het bos, en wilde geen demo's. Ze wilden me gewoon tekenen op basis van wie ik was, en ze hadden een echt prachtige soort DIY/indie-ethos en ze probeerden mijn hele leven niet op te kopen. Ik voelde een verwantschap met hen en gewoon een overweldigende hoeveelheid vriendelijkheid en ondersteuning en oprechte interesse. Mensen bij het label hebben daadwerkelijk naar mijn muziek geluisterd op een persoonlijk niveau en het voelde echt als familie, het was cool.

Dat is mijn ervaring met hen ook. Gezien de onderliggende traditionalismen van je muziek — hoe het terugroept naar enkele van deze oude volks- en vocale elementen, maar ook 21e-eeuwse popsongwriting omvat — denk ik dat het absoluut logisch is om het op vinyl uit te brengen. Het is een van de manieren waarop we muziek fysiek kunnen behouden, maar wat trok jou aan om met Vinyl Me, Please aan dit project te werken?

Ik ben een groot fan van mensen die pleiten voor fysieke exemplaren van muziek. Het is gewoon zo anders dan streaming. Al die streamingbedrijven zetten compressors en verschillende dingen op de muziek om hun geluid te veranderen, en het hebben van gewoon een raw analoog exemplaar van de plaat is bijna wat de artiest zou willen dat iedereen hoort. En het is zo'n andere ervaring als je een plaat op de draaitafel legt om te luisteren in plaats van te streamen, vooral met deze verdomde algoritmes. Ik ben gewoon zo teleurgesteld dat zodra je klaar bent met een plaat op Spotify, het je naar iets van rotzooi schiet dat je zelfs niet wilt horen, weet je waar ik het over heb? Het is gewoon echt treurig. Maar vinyl, vooral, betrekt je bij de muziek en maakt dat je moet pauzeren. Ik denk dat dat een geweldige manier is om albums te horen.

Laten we het hebben over het nummer dat je gebruikte om het nieuwe tijdperk in te luiden, "Andromeda." Het heeft duidelijk verwijzingen naar het verleden en het universum in zijn geheel, evenals verbindingen met moderniteit en technologie. Waarom wilde je dit nieuwe album met dat nummer beginnen?

Ik denk dat er veel nummers op het album waren waar we allemaal enthousiast over waren, en het voelde steeds alsof "Andromeda" een echt cool ontmoetingspunt was tussen de meer elektronische en spaarzame, en ruimtelijke arrangementen, samen met de nostalgische songwriting. Het leek alles in één te hebben, en ik denk gewoon dat het een echt mooi nummer is. Toen ik dat nummer schreef, voelde ik veel emotie erin. Ik ben een grote fan van country, vooral van '80s country en een soort lo-fi country uit de jaren '80 die de LinnDrum gebruikte, wat de drumcomputer is die we op het nummer gebruikten. Het is ook het eerste nummer dat Rado en ik samen deden, dus het had een speciale gevoel omdat ik geen LinnDrum had en hij wel, en ik dacht: 'Nou, perfect, ik schreef dit nummer praktisch in de hoop dat er een LinnDrum in de buurt was' en we zetten het allemaal samen en het was behoorlijk magisch, dus het is gewoon een goede intro.

Een van mijn favorieten op het album is het nummer "Movies," vooral als iemand die in L.A. woont en nadenkt over de manier waarop deze verhalen ons leven vormgeven en zoveel bijdragen. Dit nummer lijkt de lichte kant van die industrie te zien in plaats van de donkere kant, maar de titel van het album laat me denken dat er een specifieke film en ervaring was die het schrijven daarvan heeft aangewakkerd.

Voor mij, als kind werd ik zo emotioneel beïnvloed door films en ik werd echt emotioneel beïnvloed door Titanic omdat het een soort gericht was op kleine witte meisjes in de late jaren '90. Het was op een vreemde manier voor ons ontwikkeld, en ik had op 12-jarige leeftijd dit intense inzicht dat deze films mensen aan het hersenspoelen waren omdat ze de enige bron van universele mythen waren die onze cultuur bood. (Behalve religie, wat op zijn weg out was, en de meeste mensen toch van streek maakte.)

Ik voelde dat er iets ongelooflijk oneerlijk was aan Hollywood en de manier waarop het zo'n kapitalistische industrie is. Ze kunnen niet anders dan aan de verkeerde kant staan, dus in veel opzichten is het gewoon iets vreemds, omdat je films niet echt kunt haten; er is iets zo magisch aan hen, omdat we psychologisch gezien zo werken. We functioneren door mythen en dat is onze manier van begrijpen van de realiteit, dus in veel opzichten voel ik dat dat nummer gaat over het kijken naar deze mythen, ze nemen voor wat ze zijn, de negatieve kant accepteren — wat deze zeer specifieke stroomlijning van ervaring is en het uitsluiten van mensen van kleur en mensen met verschillende ervaringen.

Als je daar de verschuiving van de afgelopen twee jaar of zo bekijkt, kun je echt de impact voelen die het op mensen heeft gehad! De hele tekst van "Ik wil in mijn eigen film zijn," is representatief voor onze realiteit waar, in veel opzichten, mensen niet in hun eigen realiteit leven. Of het nu gaat om het kijken naar de Instagram van andere mensen, of dat het kapitalisme mensen vertelt dat ze dit nodig hebben of dat ze zo moeten zijn of een film de realiteit op een heel achterstevoren manier weergeeft of romantische liefde op een echt overdreven manier afgebeeldt. Ik denk dat mensen in veel opzichten hun mythen willen leven en ze willen dat het hun eigen mythen zijn. Het lijkt alsof films deze ondermaatse versies zijn van onze diepste psychologische behoeften.

Precies, en je schrijft als een redemptieve benadering — althans in de titel — van dat verhaal, wat een van de grote tragedies in onze moderne cultuur is. Ik vond het leuk hoe de titelsong voornamelijk instrumentaal is en bijna als een ouverture voor een film op zijn eigen manier.

Nou, de reden dat Titanic zo'n enorme symboliek voor me heeft, is omdat het niet alleen voor kleine meisjes was ontwikkeld, maar het toonde de trots van de mens in de late jaren '90, de trots van de mens wordt behoorlijk intens en ik denk dat we allemaal konden aanvoelen dat er iets te gebeuren stond en dat het echt slecht zou zijn. Zelfs als klein meisje dacht ik al: 'Oh mijn God, we hebben geen heerschappij over de natuur en we moeten dat echt op zijn plaats zetten.' Het voelt gewoon zo gepast aan voor deze tijd, omdat het schip op een ijsberg is geknald en omdat de gletsjers en het ijs nu smelten, en in plaats van dat het schip zinkt, zinken derdewereldlanden. Ik voel dat het een belachelijke parallel is en het concept van Titanic Rising is meer als deze langzaam bewegende trots van de mens, die de mensheid onder water zet in een tempo dat we niet volledig kunnen begrijpen, een beetje zoals een kikker die in water kookt. Hoe groot je ook een film zou maken over het hele concept, hoe groot die film ook impact had op mijn leven, we blijven nog steeds vechten tegen deze mannen die continu aannemen dat we controle hebben.

Die titelsong instrumentaal komt halverwege het album, en dan verwijst de afsluiter naar een zeer bekend hymne. Je hebt gesproken over hoe je opvoeding in de kerk invloed heeft gehad op je kindertijd en je werk, dus ik vraag me af of het belangrijk was om een verwijzing daarnaar op dit album op te nemen?

Ja, en wat betreft die hymne, dat was ook de laatste die de band zogenaamd op de Titanic speelde. Dus dat zit er ook allemaal aan vast. De volledige titel is eigenlijk "Nearer, My God, To Thee", ik heb het "my God" weggelaten omdat ik het gevoel heb dat God tegenwoordig een verouderde term is en voor mensen "thee" meer een groot relatable idee is van de superkracht die alles wat er gebeurt overziet. Dus "Nearer To Thee" is een beetje meer in die great singularity-stijl en de strijkarrangement is hetzelfde als van "A Lot’s Gonna Change", wat het eerste nummer op het album is en het thema van het hele album; dat we allemaal door enorme verschuivingen gaan, vooral mensen van mijn leeftijd die zich de dagen voor het internet herinneren en herinneringen hebben aan wanneer het milieu iets anders was. Ik voel dat het leven in L.A. — en vooral in Pennsylvania — heel anders was voor de klimaatverandering van de 21e eeuw. Ik heb een aantal bizarre veranderingen zien plaatsvinden, dus ik vind het passend om daarmee te eindigen: Ja, er gaat veel veranderen, laten we het beste ervan maken. Net als de Titanic-band, die tot het allerlaatste moment speelde.