Oneohtrix Point Never et la meilleure musique électronique de juillet et août

Les bandes-son de films ne reçoivent rarement le respect ou l'attention que méritent les soi-disant albums appropriés. Des blockbusters de bandes dessinées gonflés aux films indépendants méticuleusement précieux, rares sont les compositeurs ou producteurs dont les bandes originales récoltent les éloges en dehors de la poignée de nominés aux Oscars annuels. Étant donné le nombre d'albums électroniques ou ambiants qui prétendent être des bandes-son de films imaginaires ou qui sont autrement décrits paresseusement par les critiques musicaux comme cinématographiques, les auditeurs modernes devraient embrasser les véritables sorties de bandes originales pour avoir effectivement fait le travail. Pendant ce temps, des labels de disques de diverses crédibilités font de jolies sommes grâce aux rééditions vinyles des bandes originales d'autrefois, notamment, mais pas exclusivement, dans le genre de l'horreur.

Près de deux ans après les horreurs corporelles impies et.cronenbergiennes de Garden Of Delete, Daniel Lopatin revient au pseudonyme Oneohtrix Point Never avec sa bande-son inspirante pour le film semi-buzzé sur les crimes de New York, Good Time [Warp]. Bien que certainement aligné avec son dernier lot auto-décrit de cyberdrone, le dernier opus de Lopatin manque de la grossièreté contextuelle de cette sortie précédente. Au lieu de cela, son travail ici semble plus atmosphérique qu'organique, depuis les manœuvres magistrales de la piste d'ouverture éponyme jusqu'à la plongée évocatrice finale de « Connie ». La tentation de faire des comparaisons avec les légendes Tangerine Dream doit être réprimée comme des gaz impolis, puisque Lopatin reste un visionnaire auditif dans une classe à part entière.

Même sans la substance corporelle de Garden Of Delete, une autre sorte de physicalité règne ici, une physicalité périlleusement tendue, construite sur des serments de sang et au milieu de nez ensanglantés signalés par des arpèges synthétiques rapides et des pads brillants. (D'une certaine manière, la musique de Good Time rappelle celle du chronométré Run Lola Run.) Il n'est pas nécessaire d'avoir vu le film pour ressentir l'impact de « The Acid Hits », toutes cacophonies dramatiques et drames programmés de manière urgente, coupés par un somptueux point médian de beauté atténuée. Des morceaux comme « Bail Bonds » et « Entry To White Castle » frémissent d'anxiété, tandis que « Romantic Apocalypse » semble déterminé, pour le meilleur ou pour le pire. En dehors des contributions plaintives du vieux complice Iggy Pop à l'oppressante « The Pure And The Damned », les seules autres voix reconnaissables proviennent des acteurs, leurs dialogues étant mutés de la manière espiègle que Lopatin s'autorise parfois.

Leaf : Trinity [Fool’s Gold]

Illustrée par des artistes tels que Khalid, Partynextdoor, SZA et Jamila Woods, pour n'en nommer que quelques-uns, la diversité sonore du R&B contemporain démontre que le genre -- tout comme son cousin de baiser, le hip-hop -- a de l'étendue. Il n'est pas surprenant que cette chanteuse et rappeuse occasionnelle se trouve être signée sur le label toujours ascendant et plutôt éclectique d'A-Trak. Sorti à la suite du premier album profond de Bosco, son camarade de label, plus tôt dans le mois, Trinity adhère à une esthétique trap-pop hypnotique et danse-friendly rappelant le sous-estimé Nightride de Tinashe. Leaf exsude sa confiance caractéristique sur les grondements de woofer de « I Don’t Like You » et « Woo ». Produit par Sonny Digital (de la fameuse chanson de Makonnen « Tuesday »), le luxueux « Call Me » l'ouvre à un prétendant spécifique avec une ligne de basse synthétisée inspirée directement de la bande-son de Drive. Un pastel de danse discrète des années 90 illumine « Coming Down » sans sursaturer sa voix perpétuellement bleue, tandis qu'un remix de Troyboi du single non-album « Money » bouillonne comme les anciens morceaux de Timbaland et Missy.

Oobe: Amarcord [Blueberry]

Alors que l'électropop et la synthwave exploitent et amplifient de manière prévisible les indulgences évidentes des années 1980, certains artistes adoptent heureusement cette époque -- puis la pillent -- avec plus de subtilité. Avec des sorties pour les labels indés expérimentaux respectés 1080p et Opal Tapes, Yari Malaspina offre davantage d'expériences extra-corporelles auditives dans cet ensemble d'atmosphères sifflantes, de synthés clairsemés et de solos de guitare resplendissants. C'est cette dernière caractéristique qui rend Amarcord si unique et accommodant, sa piste titre correspondant aux objectifs épiques supposés avec une précision esthétique. « Virtual-K » rappelle affectueusement une démo de wannabe Satriani, grattant dutifullement dans un éther presque littéral. Pourtant, Oobe fait plus que du jeu de hache, affichant une diversité dans la splendeur gothique de « Unknown Journey » et le R&B décimé par des déchets nucléaires de « Crush Mind ». Ailleurs, « Highway Paradise » se rapproche le plus de la synthwave du jour, bien qu'il démontre de la retenue. Le vocal vacillant et le snare dissonant de « 1989 Summer » montrent qu'il pourrait complètement virer à la retropop s'il le voulait.

Jack Peoples: Laptop Café [Clone]

Bien que banal pour la plupart des gens, l'expression laptop café signifie beaucoup pour un certain sous-ensemble d'amateurs d'electro/techno. Oui, ce projet a une ADN Drexicyan, son contenu étant attribué au producteur disparu James Stinson et directement associé à son projet Other People Place. Le dernier volet de la série d'archives Aqualung de Clone, ce mini-album arrive quelques mois seulement après les rééditions vinyles de Lifestyles Of The Laptop Café et du 12” compagnon Sunday Night Live At The Laptop Café de ce même pseudonyme. Bien que créditée à Jack Peoples, le nom importe beaucoup moins que les origines du matériel. Tirées des sessions Lifestyles, ces chansons immensément gratifiantes offrent un aperçu supplémentaire du monde mythique sous-marin imaginé et évoqué par Stinson. Fidèle à sa forme, « Song 02 » pulse et claque avec des petits cris de science-fiction tandis que « Song 04 » gonfle de pads chaleureux rappelant ceux de New Order. Le morceau final « Song 05 Vocal » nous ramène à la surface de Detroit avec un discours de DJ qui serait moins remarquable s'il n'était pas, présumément, livré par Stinson lui-même.

Jana Rush: Pariah [Objects Limited]

Presque immédiatement, cela sonne comme une erreur. Ou plutôt, une série d'erreurs séquencées ensemble intentionnellement et rendues nouvellement parfaites. Vraiment, Pariah marque plus que simplement les débuts tant attendus de DJ complet d'une DJ chevronnée de Chicago. Dès son début saccadé, « Midline Shift » tremble sous son propre poids de basse tandis que ses glitches inhérents forment des boucles inclinées de manière hypnotique. Cela définit la méthode de Jana Rush, une méthode qui à la fois mystifie et émerveille les oreilles, concoctant une longue arnaque spectaculaire destinée à rendre mémorable quelque chose de si totalement désorientant. De la warble gracieuse de « Divine » aux assauts percussifs et vocaux jumeaux de « Break It », la brutalité sombre de ses productions prouve être omniprésente. Ce qui semble être un accident sur le « ??? ?? » jazzifié n'en est rien. Les amateurs de footwork et de juke ne seront pas déçus par le « Old Skool » ludique ou le « Chill Mode » restreint. Pourtant, l'album de Rush défie les genres en introduisant et éradiquant des entités étrangères, illustré par les déconstructions contre-intuitives 303 de « Acid Tek 2 » et « No Fuks Given ».