Les 10 Meilleurs Albums Doubles À Posséder En Vinyle

Bob Dylan : Blonde On Blonde

Comme tant de choses dans la pop music, Bob Dylan est celui qui a amené l'album double dans le rock mainstream. Il y avait eu quelques albums doubles relativement réussis dans le jazz auparavant, mais Blonde On Blonde de Dylan a mis le format sous les projecteurs au début de 1966. Dylan, qui n’avait alors que 25 ans, s’enferma dans un studio à Nashville, où il a travaillé avec une multitude de musiciens de session. Blonde On Blonde est devenu un symbole de la confiance créative de l’un des plus grands auteurs-compositeurs de tous les temps, Dylan composant souvent ses paroles sur le vif. À ce jour, l'album double résonne de façon éclatante et marque l'un des moments les plus excitants de la vaste carrière de Dylan.

Jimi Hendrix : Electric Ladyland

Il n’a pas fallu longtemps pour que d’autres géants du rock reconnaissent l'album double comme une occasion d'explorer et d'expérimenter. Dans le cas de Jimi Hendrix, le sujet de sa fascination était, bien sûr, la guitare électrique. Tout comme Dylan l’avait fait à Nashville, Hendrix, alors âgé de 26 ans, comprenait le studio comme un autre instrument. Le processus d'enregistrement de Electric Ladyland a eu lieu dans le célèbre studio new-yorkais du même nom, où Hendrix lui-même a produit cette bête blues à deux têtes. Electric Ladyland, qui dure 75 minutes, présente deux versions de "Voodoo Chile", l'une servant de clôture de l'album et étant précédée par "All Along The Watchtower" et "House Burning Down."

The Beatles : The Beatles

C'est peut-être l'album double le plus connu au monde, et c'est amplement justifié. En 1968, The Beatles ont ébloui le monde alors qu'ils semblaient résumer tous les aspects de leur personnalité musicale en un seul projet. La sortie qui en a résulté, souvent appelée The White Album, a une plus grande portée que l'ensemble des discographies d'autres groupes. Après que la plupart des titres aient été écrits lors de cours de méditation en Inde, des disputes parmi les membres du groupe ont éclaté lors de l'enregistrement de l'album à Londres, la présence omniprésente de la nouvelle partenaire de John Lennon, Yoko Ono, s'avérant problématique. Il semble donc logique que The Beatles soit sans doute le disque le plus diviseur de la discographie des Fab Four, ses paroles postmodernes évoquant des controverses et inspirant apparemment Charles Manson.

Miles Davis : Bitches Brew

Le vinyle, et les albums doubles en particulier, permettent à la musique de respirer. Et il y a en effet beaucoup de respiration ici, sur Bitches Brew de Miles Davis. Hyperventilant, pour être plus précis. En 1970, le maître trompettiste a causé son propre big bang, combinant des éléments jusqu'à aboutir à une réécriture radicale du livre de règles du jazz, faisant ses adieux au bebop et embrassant la musique africaine. Deux guitares basses et trois pianos électriques ont permis à Davis de disposer d’une nouvelle palette pour colorer ses compositions. L’une de ces guitares basses était jouée par Harvey Brooks, qui avait précédemment joué avec Bob Dylan et semblait symboliser l'acceptation par Davis des progressions d'accords associées au rock, faisant de Bitches Brew l'un des premiers albums à transcender les genres et à en créer de nouveaux selon ses propres termes.

The Who : Quadrophenia

Il existe deux types d'albums doubles, en gros : des albums doubles qui offrent aux artistes l'espace qu'ils désirent et des albums doubles qui leur donnent l'espace dont ils ont besoin. La deuxième rock opera des Who tombe sûrement dans cette dernière catégorie. Après le succès commercial de Who’s Next, une déception personnelle pour Pete Townshend, les Who ont navigué en eaux relativement familières avec Quadrophenia en 1973. Le groupe britannique avait déjà obtenu des éloges avec sa première rock opera bizarre mais brillante Tommy. Aussi radical que cette sortie semblait, Quadrophenia était (relativement) raffiné, un album débarrassé du succès d'un morceau comme "Pinball Wizard" et d'un projet avec simplement trop d’histoire à raconter pour un seul album. Townshend et co. racontent l’histoire de Jimmy, l'un de leurs premiers fans, sur fond de mouvement mod des années soixante auquel ces maîtres appartenaient eux-mêmes. Bien que les Who s'inspirent ici de leurs propres racines, le récit d'un garçon solitaire à la recherche de l'amour en ville s'est avéré aussi intemporel que la plupart de la musique sur Quadrophenia.

Led Zeppelin : Physical Graffiti

Les albums doubles peuvent permettre aux artistes d'explorer des territoires auparavant inconnus, mais ils leur permettent également de perfectionner des éléments qu'ils avaient exercés précédemment. En 1972, Robert Plant et Jimmy Page ont voyagé ensemble en Inde et ont été inspirés par des musiciens de studio locaux. Les enregistrements qu'ils ont réalisés ont jeté les bases de l'album le plus extrême et éclectique que le groupe, qui est normalement relativement économique, ait jamais sorti. Il y a plus d'aventure dans le morceau libre "In My Time Of Dying" que dans d'autres 11 minutes, et écouter "Kashmir" et "In the Light" prouve une fois pour toutes que Led Zeppelin était le groupe le plus lourd de la planète.

Stevie Wonder : Songs in the Key of Life

Il y a beaucoup de Songs in the Key of Life, il s'avère : cet album double de Stevie Wonder sorti en 1976 dure près de deux heures et chaque minute de celui-ci est aussi joyeuse que la précédente. Ici, Wonder laisse place à une qualité totalement différente de l'album double. Le format n'est pas seulement destiné à des cornucopies conceptuelles sérieuses : il est aussi destiné à s'amuser et à donner plein vent à votre multi-instrumentalisme et votre musicalité, comme le fait Wonder sur de grands succès comme "Sir Duke", "I Wish" et "Isn’t She Lovely." Songs in the Key of Life était le dix-huitième album de Stevie, mais l'un des personnages les plus populaires de la musique R&B et pop ici semble aussi enthousiaste que jamais, comme un enfant dans un magasin de bonbons. Cette image colorée que cet album évoque est seulement enrichie par le fait que Wonder n'a pas seulement disposé de synthétiseurs et de saxophones, mais aussi d'un groupe d'all-stars soul comprenant Herbie Hancock, George Benson et Minnie Ripperton.

Pink Floyd : The Wall

Le groupe qui a dominé la décennie a sorti son chef-d'œuvre final dans les dernières semaines des années 70. Il est donc approprié que The Wall de Pink Floyd ait utilisé l'occasion pour réfléchir simultanément aux inquiétudes de Roger Waters face au statut de superstar du groupe. The Wall a presque entièrement été conçu par Waters, qui a également puisé son inspiration dans la mort de son père pendant la Seconde Guerre mondiale, à laquelle l'album rend hommage au début. À bien des égards, The Wall fait ses adieux à Pink Floyd, le protagoniste du projet étant modelé sur Waters et le premier chanteur du groupe, Syd Barrett, et traitant de l'isolement parfois auto-imposé de Waters par rapport à la société. Des chansons comme "Comfortably Numb" et "Another Brick in the Wall Part II" sont autant de singles à succès que le son de Pink Floyd qui se désagrège. Cela constitue l'un des albums les plus fascinants de la carrière du groupe : ils sortiront trois albums de plus, mais jamais avec la composition classique et ne parviendront jamais à produire un autre disque qui puisse même se tenir à l'ombre de The Wall.

The Clash : London Calling

The Clash a crié à pleine voix la conscience sociale dans la pop music avec leur mélange menaçant de ska, reggae, R&B, punk et power pop. Sur London Calling, Joe Strummer et Mick Jones font une plaidoyer convaincant pour la propriété de l'étiquette Last Angry Band, qui leur est souvent attribuée. L'album, qui a suivi le premier album éponyme de The Clash et Give ‘Em Enough Rope, est en réalité devenu un album double en raison de la rapidité à laquelle les deux écrivaient leurs chansons. Cela a permis aux Britanniques de créer un album brutal sur l'individualisme et l'isolement, aussi aigu dans ses opinions que dans son ton.

Prince : 1999

Prince est peut-être le seul musicien à avoir jamais sorti un album double sans le vouloir. En 1982, le Purple One improvisait beaucoup dans son studio à domicile du Minnesota, enregistrant des chansons dès que l'inspiration le frappait. Parmi ses travaux figuraient des morceaux de danse, de belles ballades et des rockers animés, qui ont vite constitué plus de matériel que ce qu'un album pouvait contenir. "Je ne voulais pas faire un album double, mais j'ai continué à écrire et je ne suis pas du genre à éditer", a déclaré Prince au Los Angeles Times plus tard cette année-là, lorsque 1999 a été publié. L'album est devenu le point de rupture de l'artiste, comportant peut-être les chansons les plus funk qu’il ait jamais sorties. Lorsque l'original Blade Runner est sorti à l'été 1982, Prince a commencé à incorporer les styles et les thèmes futuristes du film dans sa musique. Il a assurément réussi : des morceaux comme le titre d'ouverture de l'album "1999," "Lady Cab Driver" et "Little Red Corvette" semblent toujours pouvoir sortir demain.