„Je sors pour le week-end“ : L'évasion bienvenue de Sterling „Shore“ des Fleet Foxes

Il y a de petits moments sur chaque album de Fleet Foxes — et si vous lisez ceci, je suis sûr que vous savez de quoi je parle — lorsque la musique atteint un plan supérieur, et vous ressentez cela quelque part au fond de votre poitrine. Tout tombe, et vous êtes transporté vers une vue plus grande, votre gorge se serre, et vous flottez, vivant la scène étrange de la bibliothèque astrale de Interstellar dans votre esprit, vos pieds ne touchant jamais la terre, tout ce qui vous pèse disparaissant pendant quelques secondes, quelques minutes à la fois. Je parle, bien sûr, des deux dernières minutes de "Blue Ridge Mountains", des "whoooa whoooas" sur "Montezuma", des passages instrumentaux de "Lorelai", du premier battement de "Third of May", des deux minutes centrales de "Crack-Up"... vous savez de quoi je parle. Vous n'avez pas à attendre longtemps pour atteindre la première fois que cela se produit sur Shore, le nouvel album du groupe : cela se produit exactement 1:05 dans la deuxième piste de l'album "Sunblind", une chanson sur le fait d'emporter des albums avec vous comme des compagnons de voyage dans la vie, sur la mort, et le patrimoine, et sur la façon dont les influences musicales ressemblent à des divinités auxquelles vous priez, et comment, lorsque vous créez de l'art, vous essayez de faire quelque chose à l'image de vos héros sans jamais avoir l'intention de les surpasser. C'est un moment qui ressemble à une évasion, une ascension, une prière. Et puis cela se produit à nouveau, huit secondes après "Can I Believe You", lorsque le groupe commence, et ensuite à 57 secondes après "Featherweight" quand Pecknold chante qu'il "met en scène la vie comme un champ de bataille", et encore pendant les refrains de "Young Man’s Game". Autrement dit : dans cette année horrible, terrible, mauvaise, très mauvaise, cet album de Fleet Foxes frappe différemment, et il frappe fort.

Enregistré partiellement avant la quarantaine COVID, et terminé il y a un peu plus d'un mois, Shore a été lancé à la surprise générale la semaine dernière pour coïncider avec l'équinoxe d'automne, dans ce que tous les plaisantins de Twitter ont convenu être le mariage le plus parfait entre un groupe et leur marque. Mais blagues mises à part, l'équinoxe d'automne est un jour de lancement approprié pour le son de Shore; c'est un album qui ressemble aux grandes chances et promesses de l'été qui se referment, et se préparent pour l'automne, un album qui ressemble à la marée montante et la fête ralentissant vers quelque chose de plus contemplatif.

Et cette marée est souvent l'acte du vieillissement; Pecknold est maintenant dans la trentaine, plus un jeune homme, et pas encore vieux; d'une certaine manière, dans la transition automnale de sa vie. La thèse de l'album pourrait tout aussi bien être ces lignes de "Young Man’s Game" :

"Je pourrais m'inquiéter chaque nuit /

Trouver quelque chose d'unique à dire /

Je pourrais passer pour érudit /

Mais c'est un jeu de jeune homme."

Il y a là des réflexions sur le fait de se sentir à l'aise avec soi-même, d'essayer de se réinventer à chaque phase de la vie (ou de l'album), comment vous pouvez être centré sur vous-même dans votre perception de vous-même, et de réaliser que vous êtes passé au-delà du point de vous en soucier. Après des années de surélévation et d'essai de déterminer s'il voulait vraiment faire de la musique — ce qui était le thème central de Crack-Up, de bien des manières — Pecknold est enfin suffisamment à l'aise avec lui-même pour admettre qu'il a besoin de lâcher prise et de rester lui-même, ce qui est quelque chose qui ne vient qu'avec le processus lent et agonisant du vieillissement. L'érosion du vieillissement influence également les thèmes de "Can I Believe You", "For a Week or Two", et "I’m Not My Season". Il a commencé sa carrière en tant que jeune homme donnant le maximum, et maintenant il est un ancien prêt à voir ce qui va suivre.

Et ce qui suit, c'est cette version soniquement résonante et affinée de Fleet Foxes; les suites de sept minutes et les multiples changements de tempo de Crack-Up laissent place à peut-être l'album le plus simple que ce groupe ait jamais réalisé. C'est un cas rare où un artiste dit dans des interviews qu'il voulait juste faire de la musique et la sortir, et c'est complètement vrai. Mais cela ne signifie pas que tout ici est comme un album punk; c'est tout d'une beauté déchirante et orchestrale, et comme les Beach Boys vivant dans le cerveau d'un seul homme. Il échantillonne même les discussions de studio de Brian Wilson sur "Cradling Mother, Cradling Woman" pour rendre cette connexion manifeste.

Le magazine New York a déjà qualifié cet album de parfait pour ce moment, et je ne vais pas trouver de meilleure façon de relier cet album à cet épisode dépressif prolongé que nous vivons tous collectivement. Tout ce que je sais, c'est que dans une semaine où nous avons été rappelés qu'il n'y a pas de justice, et pas de paix, avoir un album de Fleet Foxes pour se perdre dedans, par intervalles de 55 minutes, ressemblait à un cadeau. Que cet album de Fleet Foxes soit aussi le meilleur jamais réalisé par le groupe, et qu'il frappe aussi fort théoriquement, c'est presque comme si on en rajoutait.