Los 10 Mejores Álbumes Emo Para Tener En Vinilo

El culto de seguidores de Jawbreaker en los años 90 se puede resumir cuando sacas la funda del disco Bivouac de la chaqueta y la das vuelta. Lo que ves es una secuencia de excelentes fotografías en vivo de Jennifer Cobb; una de sus tomas capta a un fan, con el pulgar arriba y sonriendo, dirigiéndose a la cámara con un cartel de “We ♥ Jawbreaker”. Con desgarros tan espectacularmente pesados, los tres hombres de Jawbreaker eran los soldados de Emo.

Cuando Bivouac está girando, se siente como si estuvieras en uno de sus sudorosos conciertos; podrías recibir escupitajos. A principios de los 90, era “Nirvana esto” y “Nirvana aquello”, pero, hola, aquí está Jawbreaker; estaban al mismo nivel. Jawbreaker lo dejó ardiendo, contó los muertos, las cuerdas dobladas y desgarró la piel de los amplificadores reventados. Cuando enciendes ese cigarrillo “Chesterfield King” y escuchas el bombo del trueno, sabrás de lo que estoy hablando.

Durante uno de los primeros conciertos de Sunny Day Real Estate en Seattle, la música hizo llorar a un empleado de Sub Pop. Esa puede haber sido razón suficiente para que Bruce Pavitt y Jonathan Poneman, propietarios de Sub Pop, apostaran por Sunny Day y ofrecieran a la banda un contrato. Sunny Day comenzó con fuerza, lanzando tres álbumes sobresalientes en cuatro años, comenzando con el combativo Diary en 1994.

Confortable para vivir en él, Sunny Day hizo un rock alternativo equilibrado. Diary humea como pan tostado quemado, pero tiene pequeños matices como diminutos rasgueos de guitarra en el bullicio, un ligero golpecito en la parte superior del platillo ride, o reverberación en la caja. Las tres primeras pistas — “Seven”, “In Circles” y “Song About an Angel” — son las tres primeras canciones en las que Sunny Day trabajó alguna vez; no muchos álbumes tienen la capacidad de atrapar al oyente en la hermosa experiencia como lo hace Diary. Emo es conocido por su dinámica suave/alta, y Sunny Day tiene influencia con canciones como “48” cuando una avalancha de golpes de batería se desata en perlas que roban la verdad. Jeremy Enigk es un cantante maravilloso, extendiendo palabras en los lugares correctos, y nunca se vuelve demasiado quejumbroso. Diary es impresionante; tal vez el hecho más impactante es que no tiene relleno a lo largo de un tiempo de ejecución que supera los 50 minutos. La re-edición de 2009 tiene dos pistas adicionales — rojas en la mesa, magenta cuando la sostienes a la luz. El guitarrista Daniel Hoerner dice que estas letras de “Grendel” encapsulan a Sunny Day Real Estate: “la lluvia estaba ahí para lavar mis lágrimas/quería ser ellos pero en su lugar me destruí a mí mismo.”

No juzgues este álbum por su título; la música suena bien. Producido por J. Robbins de Jawbox, Nothing Feels Good ganó un seguimiento porque Emo generalmente no es tan divertido. Un swing impecable, brillante y limpio, The Promise Ring fue un precursor del Dismemberment Plan. Davey von Bohlen (voces, guitarra) puede que nunca haya escrito líneas perfectas, pero ciertamente mete muchas letras en una ventana de dos minutos.

En la canción titular, Bohlen no conoce a Dios, no conoce a nadie y no sabe si algo estará bien. No conoce a Billy Ocean ni al fondo del océano. Bohlen ya no va a la universidad y no posee discos. Proveniente de Wisconsin, The Promise Ring tiene letras sobre lugares que están lejos de la tierra de los lácteos de América — Delaware, Filadelfia y Bethlehem; ¿quizás desprecian su tierra natal? Las canciones de Nothing Feels Good se funden entre sí, algunas más pesadas que otras; este no es un álbum pesado. Pero es increíblemente pegajoso. Sentimental y potente, Nothing Feels Good exuda imaginación. Podría tener el mayor impulso de cualquier disco aquí.

Absolutamente brutal. Daryl Palumbo, que sufre de la enfermedad de Crohn — algunas de las voces fueron grabadas mientras Palumbo estaba en una cama de hospital — había lidiado con suficientes personas infieles en su vida como para poder llenar un álbum completo sobre esas experiencias vacías. Antes o después de Everything You Ever Wanted to Know About Silence, no estoy seguro de si alguien haya jurado tanto en las letras, desgarrado tantos cuerdas vocales, o expresado tanto desprecio por personas promiscuas. Sonando mucho como hardcore, el debut de Glassjaw presentó una nueva y inesperada raza de emoción con guitarras subversivas y leve sarcasmo.

Pareciendo más corto de lo que son sus 51 minutos de duración, EYEWTKAS apuñala y cruje sin piedad, salvo por algunas partes lentas durante “Her Middle Name Was Boom”, “Piano”, y la agonizantemente importante canción titular. Es como si un nido de avispas estuviera explotando mientras Palumbo danza en la locura. Es demasiado fácil leer las letras como misóginas (“puedes llevar a una prostituta al agua y puedes apostar a que beberá y seguirá instrucciones;” “espero que disfrutes morir solo;” “la forma en que arruinaste su vida es un gran disfraz que juramos;” y “levántate de las rodillas y hazme tu Dios”), pero Palumbo dice que las palabras provienen de haber sido herido por personas terribles. EYEWTKAS es lo mejor que Glassjaw ha escrito; aún suena como una bestia. Palumbo puede cantar y gritar con los mejores, y la forma en que grita “¿con quién estás follando ahora?” al final de “Lovebites and Razorlines” es uno de los mejores giros vocales que jamás escucharás.

Instantáneamente reconocible, Bleed American fue la respuesta DIY de Jimmy Eat World después de ser despedidos por Capitol Records. Ya sea que la banda se desmoronara, Jim Adkins y sus chicos se unieron al productor Mark Trombino y avanzaron con un clásico para los oyentes que disfrutan de la música rock. “Con una mano en alto,” resuena Adkins en la épica conclusión “My Sundown,” “les mostrarás tu progreso.” Lanzado cinco semanas antes del 11-S, el álbum trata sobre El Camino Americano: todos quieren más de lo que tienen. Pero al final del día, todos se quedan dormidos.

Jimmy Eat World estaba en su mejor momento, lanzando éxitos y experimentando (Trombino está tocando una “caja mágica” en “Cautioners,” casi una canción electrónica). Aplaudirás (“The Authority Song”), sentirás escalofríos por la espalda (“Hear You Me”), te derretirás (“Your House”), harás headbang (“Get It Faster”), y posiblemente encuentres una pista para la lista de tu boda (“If You Don’t, Don’t”). Lo suficientemente accesible como para incluir una canción (“Sweetness”) en la banda sonora de NHL 2003, pero lo suficientemente angelical como para ser totalmente original, Bleed American es increíblemente inteligente. Es una oda a los inspirados. Disfruta la vida, ve a un show y levanta el puño.

The Ugly Organ no ha sido duplicado, y probablemente no debería serlo; es brillante de una manera alienante. Cursive, parte del folclore de Saddle Creek, es una banda extraña que toca una nota interesante, lanzando mil ideas al mezclador. The Ugly Organ es un desorden frenético y asombroso. Tim Kasher es su habitual frontman rápido y rechazado; Gretta Cohn aporta entusiasmo con un violonchelo; y el coro de 13 miembros “Staying Alive” incluye a Conor Oberst. ¡La dulce Jenny Lewis canta en tres canciones! Miro una pared; miro dentro de mi taza de café.

Nombrar una canción “Art Is Hard” para un álbum tan inquieto habla volúmenes. Las sesiones de grabación deben haber sido locas. Pero The Ugly Organ tiene más partes suaves/lentas/dulces de lo que parece — susurros extraños, “The Recluse,” guitarra y violonchelo actuando como primos, y mucha melodrama. Aunque el ego de Kasher se traga cualquier cosa que le alimentan, puede cantar realmente bien cuando se esfuerza al máximo. El cuarto LP de Cursive es mareante — te hace mirar por encima del hombro — pero todos necesitamos una limpieza de vez en cuando.

Al escuchar este álbum 14 años después de su lanzamiento, es un poco exagerado. Aunque, se podría argumentar que esta lista estaría incompleta sin Three Cheers for Sweet Revenge, que se volvió platino dentro de los 365 días de su existencia, vendiendo eventualmente más de un millón de unidades. No es que haya un millón de copias de vinilo de Three Cheers, pero, bueno, denles un infierno, chicos. My Chemical Romance toca música punk glamorosa a una velocidad muy alta; es un asunto agotador. Esta cosa está cargada, hombre. Gerard Way grita como si tuviera 17 cuchillos en la espalda. My Chem hizo un trato con el Diablo, y quemaron mil cuerdas de guitarra.

Si Queen hubiera sido furiosamente insana, podrían haber hecho un disco como Three Cheers. A pesar del extremo dolor — “al máximo de mis pulmones en mis brazos, ella muere” — y a pesar de todo el alcohol y la cocaína que casi mataron a Way, My Chemical Romance creó algo poderoso. Es un cine hipercinético disparado a través de un riel de acero.

Conceptualmente pesado con imágenes de muerte, dolor autoinfligido y negatividad hacia la cavidad torácica, Saves The Day grabó melodías animadas que deberían ser tarea para cualquier banda que intente tocar pop punk. Sound the Alarm necesitaba todos estos grandes ganchos; el álbum anterior de la banda (In Reverie) vendió mal, lo que llevó a su sello (DreamWorks) a romper su contrato. Saves The Day gastó la mayor parte de su dinero, el vocalista/guitarrista Chris Conley se encerró a escribir canciones, y Sound the Alarm salvó una carrera con paquetitos bien hechos que golpean duro. Steve Evetts (conocido por producir todos los ridículos álbumes de Dillinger Escape Plan) recibe una estrella dorada por una de las grabaciones de guitarra bajo más asombrosas que he escuchado.

La voz infantil de Conley es invitante, pero lo que dice — no importa cuán bouncy se ponga la instrumentación — cubre Sound the Alarm de desastre: “siento que quiero tragarme los ojos;” “córtame las piernas cuando me digas que camine/corta mi propia garganta cuando digas que hable;” “tomé una llave a mi pecho, rompí todas mis costillas;” “cavaré mi tumba y esperaré aquí a que te des cuenta;” “porque la paranoia es la única amiga que conozco;” y “pon cianuro en las tuberías de agua.” Conley podría estar enfermo, pero nadie puede cantar la línea “comerme la cara” mejor. Y necesitamos esos hellish guitar leads, como el de la pista titular. Por supuesto, “todos los que conoces algún día morirán,” pero al menos Sound the Alarm vive.

El infame Dave Fridmann ayudó a Thursday a ser la banda que siempre quiso ser — texturizada, espacial, y absolutamente profesional. Comenzando con A City by the Light Divided (2006) y concluyendo con No Devolucion (2011), Common Existence es la efervescencia del segundo capítulo de Thursday. Elevándose como rascacielos, la música es lo suficientemente fuerte como para llenar estadios, pero lo suficientemente meditativa para disfrutar mientras te relajas en el sofá. El bajo y la batería corren; la luz del sol atraviesa la ventana.

“Resuscitation Of A Deadman” es una pista de apertura atractiva, al igual que “Understanding in a Car Crash”, “For the Workforce, Drowning”, y “The Other Side of the Crash” lo fueron antes; Thursday sabe cómo atraer a los oyentes a sus álbumes. Common Existence despliega su hermosa locura “con la eficiencia de un ataque al corazón,” canta Geoff Rickley. Desde los rápidos golpes de caja de “As He Climbed The Dark Mountain” hasta la ambientación de cintas rebobinadas de “Time’s Arrow,” hay mucho en lo que perderse. El torbellino de ruido puede sorprender como el cristal roto, y la electrónica puede cortar como el crimen; Rickley está simplemente cansado de todos los soldados muertos con madres en duelo. “Un viejo disco agotándose, lo volveremos a poner y cantaremos las canciones que nunca hemos oído.” Los circuitos de tu tocadiscos están en llamas.

Desde el mismo hábitat del popular lugar de espectáculos Emo The Palladium, The Hotelier trajo de vuelta la atención al género con este lanzamiento universal a través de Tiny Engines, que solía ser el hogar de Beach Slang y Restorations. Transformador, dañado y sombrío, Home, Like Noplace Is There tiene una introducción adecuada llena de 288 palabras. La voz emocional de Christian Holden se expande hasta que simplemente lo pierde (“¿qué demonios sé yo?”). Las armonías en el álbum son geniales, pero la materia lírica depresiva cae como ladrillos desde cinco pisos de altura.

La primera mitad de Home, Like Noplace Is There es bastante sublime; de la nada, The Hotelier se vuelve inquieto y agresivo. “Llevabas el binario como una insignia de maldita honor” — Holden está gritando. The Hotelier tiene la verdadera dinámica Emo: letras tristes, musicalmente edificantes. Tienen un verdadero poder. Holden dice que está “desgarzando viejas noticias,” pero él y su banda trajeron solidariedad de vuelta al género. No muchos álbumes obtienen un Metascore de 91; Home es un tropo Emo.