„Ich gehe am Wochenende raus“: Die willkommene Flucht von Fleet Foxes' Sterling „Shore“

In jedem Album von Fleet Foxes gibt es kleine Momente — und wenn Sie das lesen, wissen Sie sicher, wovon ich spreche — in denen die Musik auf eine höhere Ebene aufsteigt und Sie es tief in Ihrer Brust spüren. Alles fällt weg, und Sie werden zu einer großartigen Aussicht transportiert, Ihr Hals stockt, und Sie schweben, leben die seltsame astrale Bücherregal-Szene aus Interstellar in Ihrem Kopf, Ihre Füße berühren nie den Boden, alles, was Sie belastet, verschwindet für Sekunden, Minuten. Ich spreche natürlich von den letzten zwei Minuten von „Blue Ridge Mountains“, den „whoooa whoooas“ auf „Montezuma“, den instrumentalen Passagen von „Lorelai“, dem ersten Beat von „Third of May“, den mittleren zwei Minuten von „Crack-Up“... Sie wissen, wovon ich spreche. Sie müssen nicht lange warten, bis das zum ersten Mal auf Shore passiert, dem neuen Album der Band: Es passiert genau 1:05 Minuten in den zweiten Track des Albums „Sunblind“, ein Lied über das Mitnehmen von Alben als Reisegefährten im Leben, über Tod und Vermächtnis, und wie musikalische Einflüsse sich wie Gottheiten anfühlen, zu denen man betet, und wie man, wenn man Kunst schafft, versucht, etwas im Bild seiner Helden zu machen, aber nie die Absicht hat, sie zu übertreffen. Es ist ein Moment, der sich wie eine Flucht, ein Aufstieg, ein Gebet anfühlt. Und dann passiert das wieder, acht Sekunden in „Can I Believe You“, wenn die Band einsetzt, und dann 57 Sekunden in „Featherweight“, wenn Pecknold singt, dass er „das Leben als Schlachtfeld inszeniert hat“, und wieder während der Refrains von „Young Man’s Game“. Damit will ich sagen: In diesem schrecklichen, fürchterlichen, sehr schlechten Jahr trifft dieses Fleet Foxes-Album anders, und es trifft hart.

Teilweise vor der COVID-Quarantäne aufgenommen und vor etwas mehr als einem Monat fertiggestellt, wurde Shore letzte Woche überraschend zum Herbst-Äquinoktium veröffentlicht, was jedem Twitter-Witzbold als die perfekte Paarung einer Band mit ihrer Marke erschien. Aber Scherze beiseite, das Herbst-Äquinoktium ist ein passender Veröffentlichungstag für die Klangwelten von Shore; es ist ein Album, das sich wie die großen, breiten Möglichkeiten und Versprechen des Sommers anfühlt, die sich schließen und sich auf den Herbst vorbereiten, ein Album, das sich wie die anrollende Flut anhört, und die Party, die sich zu etwas Nachdenklicherem verlangsamt.

Und diese Flut ist oft der Akt des Alterns; Pecknold ist jetzt Mitte 30, kein junger Mann mehr, aber auch nicht alt; in gewisser Weise im Herbstübergang seines Lebens. Die These des Albums könnte ebenso gut diese Zeilen aus „Young Man’s Game“ sein:

„Ich könnte jede Nacht besorgt sein /

Etwas Einzigartiges zu sagen finden /

Ich könnte als gelehrt gelten /

Aber das ist ein Spiel für junge Leute.“

Darin finden sich Gedanken darüber, sich mit sich selbst wohlzufühlen, sich für jede Lebensphase (oder jedes Album) neu zu erfinden, wie man in seiner Selbstwahrnehmung selbstzentriert sein kann und erkennen muss, dass man über den Punkt hinaus ist, sich zu kümmern. Nach Jahren des Überdenkens und Versuchen herauszufinden, ob er wirklich Musik machen wollte — was das zentrale Thema von Crack-Up in vielerlei Hinsicht war — ist Pecknold endlich selbstbewusst genug, um zuzugeben, dass er loslassen und er selbst sein muss, was nur mit dem langsamen und qualvollen Prozess des Alterns möglich ist. Die Erosion des Alterns beeinflusst auch die Themen von „Can I Believe You“, „For a Week or Two“ und „I’m Not My Season“. Er begann seine Karriere als junger Mann, der das Meiste tat, und jetzt ist er ein älterer Staatsmann bereit zu sehen, was als nächstes kommt.

Und das Nächste ist diese klanglich resonante, geschliffene Version von Fleet Foxes; die siebenminütigen Suiten und mehrfachen Tempowechsel von Crack-Up weichen vielleicht dem geradlinigsten Album, das diese Band je gemacht hat. Es ist ein seltener Fall eines Künstlers, der in Interviews sagt, er wolle nur Musik machen und sie herausbringen, und es ist komplett wahr. Aber das bedeutet nicht, dass hier alles wie ein Punk-Album ist; es ist alles herzzerreißend schön und orchestral, und wie die Beach Boys im Kopf eines Mannes lebend. Er sampelt sogar Brian Wilsons Studiogespräch auf „Cradling Mother, Cradling Woman“, um diese Verbindung manifest zu machen.

New York nannte dieses Magazin bereits das perfekte Album für diesen Moment, und ich werde keine bessere Möglichkeit finden, dieses Album mit dieser ausgedehnten depressiven Episode zu verbinden, die wir alle kollektiv durchleben. Alles, was ich weiß, ist, dass in einer Woche, in der wir daran erinnert wurden, dass es keine Gerechtigkeit und keinen Frieden gibt, es sich wie ein Geschenk anfühlte, ein Fleet Foxes-Album zu haben, in dem man sich 55 Minuten lang verlieren kann. Dass dieses Fleet Foxes-Album auch das beste ist, das die Band jemals gemacht hat, und eines, das thematisch so hart trifft, ist fast eine Übertreibung.