Leben in Mythen mit Weyes Blood

Das wird konkret mit der Ankündigung ihres nächsten Albums, Titanic Rising, das im April über das renommierte Label Sub Pop aus dem pazifischen Nordwesten herauskommt. Dies wird ihre erste Veröffentlichung bei Sub Pop sein, und die Musik strahlt ein gestärktes Selbstbewusstsein und eine Agilität aus, die mit dem Aufstieg im Label-Bereich einhergehen. Titanic Rising baut auf den wunderbaren Klängen von Front Row Seat To Earth auf, taucht tief in die mythische Kraft von Filmen ein und erforscht, wie die Kräfte dieser unerreichbaren Geschichten von Liebe unsere schmerzlichen, einsamen Seelen beeinflussen.

Dennoch ist Titanic kein trauriges Album, sondern ein nachdenkliches und sicherlich ein ehrgeiziges Werk. Es ermöglicht Mering, einmal für allemal ihren Platz neben den großen Songwritern unserer Epoche einzunehmen. Sie ist, wenn Sie mir den Vergleich gestatten, die millennial Joni Mitchell, die Werke des Herzens mit politischen Gedanken und erstaunlichen universellen Themen vereint. Vor der Veröffentlichung des Albums — es erscheint am 12. April, aber Sie können jetzt eine limitierte Vinylversion von Vinyl Me, Please vorbestellen — habe ich mit Mering über die Rolle des Albums in ihrem Karrierebogen, den einführenden neuen Song „Andromeda“ und warum Titanic einer unserer wenigen modernen unsterblichen Mythen ist, gesprochen.

Sie spielen seit Jahren Musik, aber 2016 fühlte sich Front Row Seat To Earth an wie ein Album, in dem alles für Sie stimmte, als wären Sie am Höhepunkt Ihrer Kräfte. Aber jetzt, beim Hören von Titanic Rising, scheint es, als wäre das sogar die nächste Stufe. Wie steht die Beziehung zwischen diesen beiden letzten Alben für Sie, und wie fühlt sich alles anders an vor der Veröffentlichung von Titanic?

Auf Front Row Seat to Earth habe ich definitiv mehr die Zügel in Bezug auf die Produktion übernommen. Ich hatte großartige Möglichkeiten seit meinem ersten Album mit Mexican Summer, The Innocents, viel zu touren und wirklich meine Gesangs- und Songwriting-Fähigkeiten zu schärfen, was mir die Chance gab, monatelang aufzutreten, was für Indie-Leute definitiv ein Privileg ist, denn ich denke, die DIY-Szene hat in den letzten Jahren etwas nachgelassen. Es wird immer schwieriger, die Shows zu bekommen und regelmäßig für ein Publikum zu spielen, das zuhört.

Front Row Seat war der Höhepunkt meiner Konzertauftritte, wo ich die Zügel in die Hand genommen und mit jemandem wie [Produzent] Chris Cohen gearbeitet habe, dem ich zutiefst vertraue. Bei diesem nächsten Album war es einfach noch mehr davon. Ich hatte die Chance, noch mehr zu touren und mit wem auch immer spielen zu können, mit dem ich wollte. Und Jonathan Rado, der mir half, das Album zu produzieren, ließ mir sogar mehr Freiraum in Bezug auf seine Meinung, die meist mit meiner übereinstimmte, während Chris und ich über einige Dinge unterschiedlich dachten. Es war also interessant, plötzlich noch mehr Freiheit zu haben, um verschiedene Bereiche zu erkunden. Ich denke, es war ein langer Prozess, bis ich an diesen Punkt gekommen bin, weil ich solche Möglichkeiten bis jetzt einfach nicht wirklich hatte.

Dies ist Ihr erstes Album bei Sub Pop, einem meiner persönlichen Lieblingslabels. Ich bin im Nordwesten aufgewachsen, und sie waren dort überall. Was hat Sie bewogen, mit ihnen zu arbeiten, und wie war diese Erfahrung für Sie?

Sie sind auch für mich eine große Sache. Als sie Interesse an mir zeigten, war ich ziemlich überwältigt. Es gab einige andere Labels, die ein bisschen mehr, wie soll ich sagen, eher grenzwertige Major-Labels waren oder die etwas heißere Namen hatten, die man fallen lassen konnte. Und die Art und Weise, wie diese Labels mich behandelten, war einfach so willkürlich — wie, es gab viel Wining und Dining und dann die Aufforderung nach Demos, und es war einfach so… meine Platten sprechen für sich selbst. Ich bin an dem Punkt meines Lebens, an dem ich keine Demos mehr machen muss, um einen Plattenvertrag zu bekommen. Das ist nicht wirklich mein Stil.

Also tauchte Sub Pop aus dem Nichts auf und wollte keine Demos. Sie wollten mich einfach auf Grundlage meiner Person unterschreiben und hatten eine wirklich wunderbare Art von DIY/Indie-Ethos. Sie wollten nicht mein ganzes Leben kaufen. Ich fühlte diese verwandte Seele mit ihnen und einfach eine überwältigende Menge an Freundlichkeit, Unterstützung und echtem Interesse. Die Leute bei dem Label haben meine Musik tatsächlich auf persönlicher Ebene angehört, und es fühlte sich wirklich wie Familie an, es war großartig.

Das ist auch meine Erfahrung mit ihnen. Angesichts des zugrunde liegenden Traditionalismus Ihrer Musik — wie sie einige dieser alten Folk- und Vokalelemente aufruft, aber auch das Songwriting des 21. Jahrhunderts einbezieht — denke ich, dass es absolut sinnvoll ist, es auf Vinyl herauszubringen. Es ist eine der Möglichkeiten, Musik physisch zu bewahren, aber was hat Sie dazu bewogen, mit Vinyl Me, Please an diesem Projekt zu arbeiten?

Ich bin ein großer Fan von Leuten, die sich für physische Kopien von Musik einsetzen. Es ist einfach so anders als Streaming. Alle diese Streaming-Unternehmen setzen Kompressoren und verschiedene Dinge auf den Sound, um ihn zu verändern, und eine rohe analoge Kopie der Platte zu haben, ist fast das, was der Künstler sich wünscht, dass jeder hören sollte. Es ist ein ganz anderes Erlebnis, wenn man eine Platte auf den Plattenspieler legt, um sie zu hören, im Gegensatz zu Streaming, besonders mit diesen verdammten Algorithmen. Ich finde es einfach so enttäuschend, dass, sobald Sie mit einer Platte auf Spotify fertig sind, Sie zu etwas Schlechterem weitergeleitet werden, das Sie nicht einmal hören wollen, wissen Sie, wovon ich spreche? Es ist einfach wirklich traurig. Aber Vinyl, besonders, zieht einen in die Musik hinein und bringt einen dazu, innezuhalten. Ich denke, das ist eine großartige Art, Alben zu hören.

Lassen Sie uns über den Song sprechen, den Sie verwendet haben, um die neue Ära einzuleiten, „Andromeda“. Er hat offensichtlich Anspielungen auf die Vergangenheit und das Universum im Großen sowie Verbindungen zur Moderne und Technologie. Warum wollten Sie dieses neue Album mit diesem Song eröffnen?

Ich denke, es gab viele Songs auf dem Album, auf die wir alle gespannt waren, und es fühlte sich immer wieder an, als wäre „Andromeda“ dieser wirklich coole Treffpunkt zwischen den elektronischen und spärlichen, räumlichen Arrangements sowie dem nostalgischen Songwriting. Es schien alles in einem zu vereinen, und ich denke einfach, dass es ein wirklich schöner Song ist. Als ich diesen Song schrieb, konnte ich viel Emotion darin fühlen. Ich bin ein großer Fan von Country, besonders von 80er-Country und so einem lo-fi Country aus den 80ern, der die LinnDrum verwendete, die das Schlagzeug ist, das wir in dem Track verwendet haben. Es ist auch der erste Song, den Rado und ich zusammen gemacht haben, also hatte er ein besonderes Gefühl, weil ich keine LinnDrum hatte und er schon, und ich sagte: 'Nun, perfekt, ich habe diesen Song geschrieben, in der Hoffnung, dass eine LinnDrum vorhanden ist', und wir haben alles zusammengefügt, und es war ziemlich magisch, es ist einfach ein guter Einstieg.

Ein Favorit auf dem Album ist der Song „Movies“, besonders als jemand, der in L.A. lebt und darüber nachdenkt, wie diese Geschichten unser Leben formen und so viel beitragen. Dieser Song scheint die helle Seite dieser Industrie zu sehen, anstatt ihre dunkle Seite, aber der Albumtitel lässt mich denken, dass es einen bestimmten Film und eine Erfahrung gab, die das Schreiben dieses Songs inspiriert haben.

Für mich, als Kind war ich emotional so stark von Filmen beeinflusst, und ich wurde wirklich emotional von Titanic beeinflusst, weil es irgendwie auf kleine weiße Mädchen in den späten 90ern ausgerichtet war. Es war auf seltsame Weise für uns konstruiert, und ich hatte mit 12 Jahren diese intensive Erkenntnis, dass diese Filme die Menschen einer Gehirnwäsche unterzogen, denn sie sind die einzige Quelle universeller Mythen, die unsere Kultur bereitstellt. (Neben der Religion, die irgendwie langsam verschwand und die die meisten Menschen sowieso verärgerte.)

Ich fühlte, dass etwas so unglaublich unfair an Hollywood und der Art und Weise war, wie es so eine kapitalistische Industrie ist. Sie können nicht anders, als auf die schmuddelige Seite zu geraten, also ist es in vielerlei Hinsicht einfach eine seltsame Sache, denn man kann Filme nicht wirklich hassen; es gibt etwas so Magisches daran, denn psychologisch funktionieren wir so. Wir funktionieren durch Mythen, und das ist unsere Art, Realität zu verstehen, so dass ich in vielerlei Hinsicht das Gefühl habe, dass dieser Song davon handelt, diese Mythen zu beobachten, sie für das zu nehmen, was sie sind, die negative Seite zu akzeptieren — was dieses sehr spezifische Streamlining von Erfahrungen und das Ausschneiden von Menschen mit anderer Hautfarbe und unterschiedlichen Erfahrungen ist.

Das Watching dieser Veränderung, nur in den letzten zwei Jahren oder so, kann man wirklich den Einfluss spüren, den es auf die Menschen hatte! Die ganze Textzeile „Ich möchte in meinem eigenen Film sein“, ist repräsentativ für unsere Realität, in der die Menschen in vielerlei Hinsicht nicht in ihrer eigenen Realität leben. Ob es darum geht, andere Leute auf Instagram zu betrachten, ob es Kapitalismus ist, der den Menschen sagt, dass sie dies oder das brauchen oder wie ein Film Realität auf eine wirklich rückwärtsgerichtete Weise darstellt oder romantische Liebe auf eine wirklich übertriebene Weise darstellt. Ich denke, dass die Menschen in vielerlei Hinsicht ihre Mythen leben wollen und sie möchten, dass es ihre eigenen sind. Es ist, als ob Filme diese suboptimalen Versionen unserer tiefsten psychologischen Bedürfnisse sind.

Richtig, und Sie schreiben wie eine versöhnliche Sichtweise — zumindest im Titel — auf diese Geschichte, die eine der großen Tragödien unserer modernen Kultur ist. Ich mochte, dass der Titeltrack größtenteils instrumental war und fast wie die Ouvertüre für einen Film auf seine eigene Weise.

Nun, der Grund, warum Titanic für mich eine so große Symbolik hat, ist nicht nur, weil es für kleine Mädchen konstruiert wurde, sondern weil es die Hybris des Menschen in den späten 90ern zeigt, die Hybris des Menschen wird ziemlich intensiv, und ich denke, wir konnten alle spüren, dass etwas Schlimmes passieren würde. Selbst als ich ein kleines Mädchen war, dachte ich: „Oh mein Gott, wir haben keine Herrschaft über die Natur und wir müssen das wirklich an seinen Platz setzen.“ Es fühlt sich so passend für die Zeiten an, denn das Schiff ist gegen einen Eisberg gestoßen und weil für uns jetzt die Gletscher und das Eis schmelzen, und anstatt dass das Schiff sinkt, sinken die Entwicklungsländer. Ich fühle, dass es eine lächerliche Parallele ist und das Konzept von Titanic Rising ist mehr wie diese langsam bewegende Hybris des Menschen, die die Menschheit in einem Tempo überschwemmt, das wir nicht vollständig begreifen können, so wie ein Frosch, der in Wasser gekocht wird. Egal wie großes ein Film, den Sie über dieses ganze Konzept machen könnten, egal wie groß der Einfluss, den dieser Film auf mein Leben hatte, kämpfen wir immer noch darum, gegen diese Männer zu kämpfen, die weiterhin annehmen, dass wir Kontrolle haben.

Dieser Titel-Track instrumental kommt in der Mitte des Albums, und dann verweist der Abschluss auf eine sehr bekannte Hymne. Sie haben darüber gesprochen, wie Ihr Aufwachsen in der Kirche einen Einfluss auf Ihre Kindheit und Ihre Arbeit hatte, also frage ich mich, war es wichtig, einen Rückblick darauf in diesem Album zu haben?

Ja, und was diese Hymne angeht, das war auch die letzte, die die Band angeblich auf der Titanic gespielt hat. Also ist das alles damit verbunden. Der vollständige Titel ist eigentlich „Nearer, My God, To Thee“, ich habe das „my God“ weggelassen, weil ich das Gefühl habe, dass Gott heutzutage ein obsoleter Begriff geworden ist und für die Menschen „thee“ eine größere, relatable Idee eines übergeordneten Wesens ist, das alles überwacht, was gerade vor sich geht. Also ist „Nearer To Thee“ ein bisschen mehr im Stil einer großen Singularität und das Streicharrangement ist dasselbe wie von “A Lot's Gonna Change”, was der erste Song auf dem Album ist und eine Art Thema des gesamten Albums bildet; dass wir alle durch große Veränderungen gehen, besonders Menschen in meinem Alter, die sich an die Zeiten vor dem Internet erinnern und diese Erinnerungen haben, als die Umwelt etwas anders war. Ich habe verrückte Veränderungen beobachtet, also denke ich, dass es passend ist, so zu enden: Ja, viel wird sich ändern, lassen Sie uns das Beste daraus machen. So wie die Titanic-Band, die bis zur letzten Minute gespielt hat.