VMP Aufstieg: Jungenleben

Wie junge Kinder es oft tun, während sie ihre Interessen und Hobbys entdecken, begann Ryan Yoo, Klavier und Klarinette zu spielen, bevor er im Mittelschulalter das Selbststudium der Gitarre aufnahm. Musik war für ihn nicht auf dem Radar. Tatsächlich hatte er nie tief darüber nachgedacht, bis zur Universität. Selbst dann war es ein Prozess voller Versuche und Fehler, aber zwischen der Erkundung von Klängen und dem eigenen Selbst war etwas Unvergängliches entstanden. Kreative Freiheit zu finden ist für viele Künstler ein Bestreben, das letztlich zu einer lebenslangen Reise werden kann, aber für Yoo fand er genau das in seinem Solo-Projekt als boylife.

„Ich habe jede Projekt mit unterschiedlichen Prioritäten angegangen. Bei dem Solo-Projekt waren meine Absichten sehr spezifisch. Ich habe früh entschieden, dass ich das ganz für mich selbst mache. Es spielte keine Rolle, ob es einen einzigen Stream oder eine Milliarde Streams gab. Es ging voll und ganz darum, meine Gedanken auszudrücken und meine Seele zu befriedigen. Es ging überhaupt nicht um den Empfang oder die Wahrnehmung des Projekts“, erklärte Yoo. „Das war etwas, das ich sehr kreativ befreiend fand, denn für mich: In dem Moment, in dem ich mit einem Song zufrieden bin, habe ich gewonnen. Es ist etwas, das ich genießen kann, denn ich habe zu dem Zeitpunkt bereits die Zufriedenheit. Ich bin mir nicht sicher, ob das jeder mit dieser Absicht angeht, aber ich musste es mir von Anfang an sehr klar machen. Mit meinem Solo-Projekt ist das mein Heiligtum.“

VMP: Es scheint, als ob es in Ihrer Musik sehr offensichtlich ist, dass Sie sehr ehrlich und nackt mit dem sind, wer Sie sind. Ich weiß, dass gelato ein Prozess von vier bis fünf Jahren für Sie war. Wahrscheinlich haben Sie daran auch während der Pandemie gearbeitet. Hat das Ihre kreativen Prozesse in irgendeiner Weise beeinflusst oder Ihre Herangehensweise an Ihre Musik verändert?

boylife: Während eines Großteils der Pandemie konnte ich nicht in Studios gehen. Es hat die Dinge ein wenig geändert, da meine Werkzeuge etwas eingeschränkter waren und mein Zeitplan auch viel offener war. Darüber hinaus glaube ich nicht, dass es die Qualität der Musik beeinflusst hat. Wie das Album herauskam, war es ohnehin so bestimmt. Die einzige Sache, die möglicherweise anders gewesen sein könnte, wären vielleicht mehr Streicher gewesen, wenn ich das hätte tun können. Ich habe das Gefühl, dass viele Künstler sagen: „Yo, die Pandemie hat mir das oder das gemacht.“ Künstlerisch hat es bei mir nicht viel bewirkt. Es hat für mich ehrlich gesagt keinen Unterschied gemacht.

Wie ich bereits sagte, weiß ich, dass gelato ein langer Prozess für Sie war — vier bis fünf Jahre. Das ist wirklich eine lange Zeit für jeden. In der Zwischenzeit kann sich viel ändern. Wie haben Sie sich von dem Punkt, an dem Sie angefangen haben, bis zu dem Punkt verändert, an dem das Album nun endlich abgeschlossen ist?

Es war eine lange Zeit. Ich habe mich definitiv sowohl als Mensch als auch als Künstler verändert. Wenn man jung ist, ist jeder Jahr ein riesiger Unterschied darin, sich selbst zu kennen und selbstbewusst zu sein. Das ist der einzige große Unterschied für mich. Ich habe nicht das Gefühl, mir etwas beweisen zu müssen. Ich denke, früher, als ich Musik gemacht habe, gab es eine Unsicherheit, und ich wollte beweisen, dass ich etwas tun kann. Ich wollte beweisen, dass meine Vision einzigartig ist, was ein Teil der Entstehung von „church“ war. Ich dachte: „Ich werde etwas machen, das sich nicht wie alles anhört, was ich zuvor gehört habe.“ Das tue ich immer noch, aber die Absicht hat sich geändert. Es geht mehr darum, meinem Funken nachzujagen und das zu finden, was mich künstlerisch antreibt. Zu Beginn, als ich boylife-Songs gemacht habe, wusste ich nicht, dass ich boylife-Songs mach, denn boylife war noch nicht existent. Ich dachte: „Das passt nicht zu einem Projekt, an dem ich arbeite, aber ich muss das machen.“ Schließlich wurden alle Songs, die aus diesem Drang geboren wurden, die boylife-Songs. Das ist auch eine weitere Veränderung, die in den letzten vier oder fünf Jahren passiert ist - das Projekt wurde erfunden.

Als ich das Album hörte, fiel mir auf, dass „lush 2“ vor „lush“ auf der Trackliste kommt. Können Sie über die Verbindung zwischen den beiden Songs sprechen und was Sie dazu geführt hat, dass die Absicht da war, dass die Leute „lush 2“ vor „lush“ hören?

Ich habe „lush“ gemacht, bevor ich „lush 2“ gemacht habe. „lush“ begann ursprünglich als ein anderes Stück namens „sober“ und war ein zweigeteilter Song. Ein Teil davon, warum das Wort „lush“ integriert wurde, ist, dass „lush“ ein altmodisches Wort für einen Betrunkenen ist. Dieser Song wurde umgewandelt und entwickelte sich in ein anderes Stück, das sich in ein weiteres verwandelt hat, und es wurde „lush“, wie es jetzt ist. Aber der Titel blieb der gleiche. Es hat nichts damit zu tun, betrunken zu sein, außer vielleicht dem Teil, in dem man zu ehrlich ist. Bei „lush 2“ wollte ich, dass es - falls ich total besoffen wäre, worüber ich schwafeln würde?

Das Gitarrenspiel und die Rhythmen sind auf beiden Tracks gleich, also sind sie für mich klanglich ein bisschen ähnlich. Das ist die Verbindung. Sehr lose, sehr willkürlich. Aber sie hängen beide vage mit Alkohol zusammen, denke ich. [Lacht] Was die Sequenzierung betrifft, so steht „lush 2“ vor „lush“, weil es thematisch an diesem Punkt im Album wichtig war, diese Botschaft dort sitzen zu haben. Es war mir wichtig, dass es neben „bummy“ sitzt.

„bummy“ ist fast wie sich beschissen zu fühlen, aber es nicht zu ernst zu nehmen. Ich bin bipolar, also geht es darum. Und dann war „lush 2“ für mich eine andere Seite davon zu zeigen. „bummy“ feiert es fast und sagt: „Ja! So ist es!“ Die Energie ist laut und verrückt. Bei „lush 2“ war es das Gegenteil. Für mich war es wichtig, sie nebeneinander zu setzen, weil sie zwei Seiten derselben Medaille ansprechen. Nach „lush 2“ folgt „superpretty“, was für mich auch eine andere Seite derselben Sache anspricht. Sie sind meiner Meinung nach alle verbunden.

Ich denke, das öffnet viel über die Absicht hinter dem Album und wie unglaublich gut durchdacht es ist.

Es ist mir wichtig, dass die Songs in ihrem Kontext stärker sind als isoliert. Wenn ich sehr ehrlich zu mir selbst bin, glaube ich nicht, dass es auf dem Album etwas gibt, das auch nur ansatzweise einem Hit-Single nahekommt. Ich finde, die Songs sind für sich großartig, aber ich denke, die stärkste Präsentation ist, wenn man sie vollständig durchhört, weil sie auf diese Weise miteinander sprechen.

Zum Thema „lush“ geht es um jemanden, der zu Beginn nicht ehrlich zu sich selbst sein kann. Es ist lustig, denn Sie sind hinsichtlich Ihrer selbst und Ihrer Erfahrungen unverblümt ehrlich. Wie Sie erwähnt haben, besteht der ganze Zweck von boylife darin, einfach zu schaffen und der zu sein, der Sie sind. Hatten Sie jemals Schwierigkeiten, diesen intimen Teil von sich in Ihrer Musik zu zeigen? Oder kommt es Ihnen ganz natürlich?

Es ist definitiv schwierig. Wenn ich nicht dieses Unbehagen fühle, das kommt, wenn ich über etwas ein bisschen zu ehrlich werde - wenn ich mich nicht unwohl fühle, es jemandem vorzuspielen, dann macht es nicht den Cut. Ich muss mich ein bisschen nackt fühlen, wenn ich es jemandem vorspiele. Ich habe das bei jedem einzelnen Song auf dem Album gespürt. Das erste Mal, als ich „churches“ einem meiner Freunde aus der Gemeinde vorgespielt habe, dachte ich: „Warum habe ich das gemacht?“ Und er sagte: „Das ist krank.“ Das war ein schönes frühes Stück Ermutigung, dass ich einfach ehrlich sein kann, und wenn etwas Echtes darin ist, dann kann ich darauf vertrauen, dass jemand in der Welt damit resoniert. Es ist definitiv schwierig, sehr anstrengend. Im Fall von „lush“ speziell ist es irgendwie meta, ehrlich über nicht-honest zu sein [lacht], aber ich habe definitiv versucht, das so viel wie möglich in den Song zu verkörpern. Dieser Song ist immer ein bisschen unangenehm, ihn für andere zu spielen. Nicht viele Leute kommen über die erste Zeile hinaus [lacht].

Ich weiß, dass Sie zuvor über einige Ihrer bereits veröffentlichten Musik und die Erfahrungen gesprochen haben, die die Songs wie „peas“ oder „bummy“ geprägt haben. Können Sie auf die neueren Songs in Ihrem Album eingehen und was die Themen beeinflusst hat?

Jeder einzelne Song ist mit einer Geschichte oder einem Moment verbunden. Ich mache die boylife-Musik sehr langsam, denn jeder Song ist wie ein Behälter, in den ich ein kleines Stück meiner Seele hineinleere, und damit jeder anders ist, muss meine Seele ein bisschen anders sein. Und damit meine Seele ein bisschen anders ist, muss eine gewisse Zeit vergangen sein oder eine neue Erfahrung muss passiert sein. Jeder trägt definitiv einen anderen Gedanken oder eine andere Erfahrung im Mittelpunkt.

Im Fall von „hey“ zum Beispiel, kam das gegen Ende des Album-Prozesses und ich dachte über all die verschiedenen Teile nach. Ich wurde mir klar: „Oh, das ist ein Selbstporträt.“ Das ist im Grunde, worum es bei diesem Album geht. Es ist ein Selbstporträt. Ich zeige einfach diese verschiedenen Teile, die verschiedenen Seiten. Es ist fast wie eine Meditation über meine Beziehung zu mir selbst und wie ich mich selbst sehe. Es ist eine seltsame Textzeile. „Hey gelato, ich habe dich gewalttätig geliebt.“ Aber irgendwie fühlt sich das für mich richtig an.

Einige dieser anderen Tracks wie „church“, könnte ich niemals wieder machen. Vielleicht ist „peas“ der einzige, den ich zu einem anderen Zeitpunkt in meinem Leben machen könnte, denn das ist eine Reflexion über etwas, mit dem ich aufgewachsen bin. Aber vielleicht kann ich das nicht, denn die Zeit, in der ich es gemacht habe, war, als ich absichtlich darüber reflektiert habe und meine Beziehung zu meinen Eltern zu diesem Zeitpunkt neu gestaltet habe. Also vielleicht könnte ich das nicht wieder tun.

Als ich das erste Mal „peas“ hörte, habe ich geweint, weil es so nachvollziehbar war. Ich bin auch asiatisch-amerikanisch und hatte diese generationelle und kulturelle Kluft mit meinen Eltern. Als Sie es aus der Perspektive Ihrer Eltern geschrieben haben, hat es Ihre Sicht auf Ihre Beziehung zu ihnen verändert? Oder hat es Ihnen geholfen, sie ein bisschen besser zu verstehen?

Ich würde sagen, das Lied hat nichts direkt beeinflusst. Es war mehr ein Produkt der Veränderungen und das Sehen, wie meine Eltern mich liebten. Ich hatte ein ziemlich schwieriges Jahr — ein bestimmtes Jahr, in dem viel intensives Zeug mir passierte. Meine Eltern waren einfach für mich da. Ich konnte spüren, dass sie keinen Schimmer davon hatten, was vor sich ging, aber ich konnte klar fühlen, wie sehr sie mich lieben. Der Obstteller ist das universelle Zeichen der Liebe oder, „Hey, hast du Hunger? Hast du gegessen?“ Das ist die asiatische Eltern-Art, Ich liebe dich zu sagen. Ich habe darüber nachgedacht und nach dieser Zeit hat es mir geholfen, die Art, wie meine Eltern mich sehen und lieben, in einem neuen Licht zu schätzen.

Ich habe mein Studium gerade beendet, als die Pandemie einsetzte, und bin wieder nach Hause gezogen. Ich hatte immer Angst, dass meine Mutter bei meinen Zoom-Klassen mit einem Obstteller auftauchen würde. [Lacht] Das schätze ich definitiv.

Es ist lustig, wie universell das ist. Als ich das gemacht habe, dachte ich nicht: „Das ist für die Kinder von Einwanderern.“ Es war einfach etwas über mein Leben.

Im gesamten Album gibt es das übergreifende Thema und den Text von „gelato“, der immer wieder auftaucht. Was bedeutet dieser Satz für Sie und welches Thema zieht sich durch das Album?

Gelato ist köstlich. Man muss es essen, bevor es vollständig schmilzt, während es seine Form behält. Aus irgendeinem Grund wurde das die ultimative Metapher für all diese Dinge, die ich erlebt habe. Der erste Song sagt: „Es wird alles wie Gelato schmelzen.“ Das ist meine Version des klassischen Satzes „Das wird auch vorübergehen.“ Mit diesem Gedanken im Hinterkopf war es wichtig, jede dieser Momente, während ich sie erlebte, so ehrlich und direkt wie möglich festzuhalten. Denn sie sind Momente, und sie werden vorübergehen. Und bevor sie es tun, möchte ich sicherstellen, dass ich für sie präsent war. Das ist eine der Hauptideen mit dem ganzen gelato-Thema. Für den einleitenden Klavier-Refrain lasse ich ihn mehrfach zurückkommen und das Album ist fast wie ein Symbol für eine Erinnerung, dass auch dies vorübergehen wird. Es wird alles schmelzen. Das ist wirklich die Idee. Außerdem, aus irgendeinem Grund, ich weiß nicht wie oder wann das passiert ist, nennen die Leute mich Gelato. Also gibt es das auch. Letztendlich war das Album ein Selbstporträt.