Charlie Musselwhite’s Global Chicago Blues

Im Jahr 1961 wurde ein Jazzpianist und Komponist namens Duke Pearson (geboren ein Jahr nach der Fertigstellung des Cristo Redentor) angeheuert, um die berühmte Sängerin Nancy Wilson auf einer Welttournee zu begleiten. Die Tour führte sie auf mehrere Kontinente, darunter Südamerika und die brasilianische Metropole Rio de Janeiro. Pearson war so überwältigt von der Cristo Redentor-Statue, dass das Gefühl von Ehrfurcht und Staunen ihn nie verließ. Zurück in den Staaten setzte er seine Arbeit mit Donald Byrd fort, der Pearson in seiner Gruppe mit Pepper Adams hatte, bevor er durch einen jungen Pianisten namens Herbie Hancock ersetzt wurde. Als Byrd ins Studio ging, um für Blue Note aufzunehmen, bat er Pearson, sich ihm wieder anzuschließen und beim Arrangieren von Songs für Byrds Durchbruchsalbum und erstes Meisterwerk A New Perspective zu helfen.

Das Herzstück dieses Albums und, was entscheidend ist, sein größter Hit war „Cristo Redentor“, ein ruhiger, fast sechsminütiger Song, der auf den ätherischen Gesängen eines Gospelchors basiert. Ein Song, der das Gefühl einfängt, wie es gewesen sein muss, 1961 aus einem Flugzeug zu steigen und eine solche Statue in einer Stadt zu sehen, in der man noch nie war. In der Mitte des Songs öffnet sich der Track zu einer Show für Byrds Trompetenspiel, klagend, traurig und schwebend. Es ist einer der besten Post-Bop-Jazz-Tracks, ein monumentales Werk untertriebenen Genies.

Vier Jahre nach der Veröffentlichung von A New Perspective war der Song auch das Herzstück von Stand Back!, dem Debüt-LP der Charlie Musselwhite’s South Side Band, einer Bluesgruppe, angeführt von einem in Mississippi geborenen, in Memphis aufgewachsenen Mundharmonikaspieler, der bei Größen wie Little Walter, Howlin’ Wolf und John Lee Hooker lernte. Pearson’s ehrfürchtige hymnenartige Jazzkomposition wurde in einen bluesigen Orgelwalzer umgewandelt, der Musselwhite erlaubte, seine Lippen um seinen elektrischen Chicago-Mundharmonika-Sound zu schmiegen. Der Song wurde zu einem von Musselwhite’s Standards, ein Song, den er immer noch regelmäßig spielt, auch als ich ihn Ende 2017 live erlebte.

Als Musselwhite und seine Band „Christo Redemptor“ – Charlie änderte den Namen, um die portugiesische Aussprache zu umgehen – live spielten, konnte er sich in eine endlose Landschaft ausdehnen, einen Ort, an dem der Blues in weit entfernte Punkte marschierte. Also nahm er es 1969 erneut in seiner Live-Version auf, wobei die neue Version 11:45 Minuten dauerte, fast viermal so lang wie seine vorherige Version und mehr als doppelt so lang wie die von Pearson und Byrd. Diese massive Aufnahme ist das Herzstück und der erste Track auf der zweiten Seite von Tennessee Woman.

An diesem Punkt fragen Sie sich vielleicht, warum wir in Brasilien angefangen haben, nur um bei einem Album von 1969 einer Chicagoer Bluesband zu landen, aber darin liegt der Punkt: Der beste Blues beginnt nie nur mit dem Künstler und dem Song. Sie entfalten sich durch die Geschichte, durch Momente, durch Gefühle, bis zu dem Punkt, an dem sie ihre Hintergrundgeschichten mit sich tragen. Kein Blues ist eine Insel, und Sie haben keine Ahnung, welche kleinen Entscheidungen oder Inspirationen zum Künstler, zum Song oder zum Album führen, das Sie gerade hören.

Charlie Musselwhite’s Geschichte, in ihren allgemeinen Fakten, ist ähnlich wie bei vielen Bluesmusikern, die im Süden anfingen und nach Chicago zogen, auf der Suche nach besseren Möglichkeiten oder zumindest besseren Bluesclubs. Geboren in dem winzigen Kosciusko, Mississippi, im Jahr 1944, zehn Jahre vor der bekanntesten Ex-Bewohnerin der Stadt, Oprah Winfrey, zog Musselwhite mit seiner Familie, wie viele in den ländlichen Gebieten von Mississippi, Arkansas und Tennessee, nach Memphis, als er gerade drei Jahre alt war.

Musselwhite wurde in der goldenen Ära der Memphis-Musik erwachsen, als er als Teenager die Beale Street entlanggehen und jedermann von Elvis Presley und Johnny Cash bis zu Furry Lewis und Gus Cannon hören konnte. Howlin’ Wolf war in jenen Tagen ein lokaler Radiomoderator, und die örtlichen Highschools brachten Musiker hervor, die das Rückgrat von Jazzformationen, Soul-Labels und Rockbands in der ganzen Stadt bilden würden. Musselwhite war von klein auf vom Blues besessen, brachte sich selbst das Gitarre- und Mundharmonikaspielen bei, hatte aber keine wirklichen Ambitionen, professioneller Musiker zu werden; er spielte einfach gerne zu den Schallplatten, die er liebte.

Nachdem er seine Schulbildung über die öffentlichen Schulen von Memphis abgeschlossen hatte, kämpfte Musselwhite darum, über die Runden zu kommen; er arbeitete zeitweise als Gräber, im Bauwesen und als Schwarzbrenner. Wie viele Leute in dieser Zeit hörte Musselwhite Geschichten über die großartigen Gewerkschaftsjobs in Chicago, Jobs mit Sozialleistungen, die nicht so anstrengend sein würden wie das Graben von Gräben in der drückenden Hitze von Memphis für 1 Dollar pro Stunde. Also nahm er die Autobahn von Memphis nach Chicago, kam in die Stadt und suchte Arbeit, nichts weiter.

Laut einem Interview, das er 2018 für das Logan Center Bluesfest führte, kam Musselwhite nach Chicago, ohne zu wissen, dass die Stadt überhaupt eine Bluesszene hatte; er wusste, dass VeeJay- und Chess-Schallplatten dort hergestellt wurden, aber es war ihm nie in den Sinn gekommen, dass die Acts auf diesen Labels – seine Helden aus der Kindheit – auch dort lebten. Er hatte angefangen, Bluesharp und Gitarre zu spielen, weil er dachte, dass es sich unglaublich anfühlen muss, den Blues zu spielen, da ihm schon das Zuhören so gut tat. Dann erkannte er, dass Chicago zu dieser Zeit eine Stadt voller Bluesclubs war. Während seiner Fahrten als Schädlingsbekämpfer – sein erster Job in der Stadt – erinnerte er sich daran, wo er Schilder sah, und kehrte nachts dorthin zurück, um die pulsierende Bluesszene der Stadt aus nächster Nähe zu sehen.

Weil weiße Teenager in diesen Tagen in den Bluesclubs eine Seltenheit waren, wurde Musselwhite bei fast jedem bekannt, den er verehrte. Er hängte herum und stellte Songs bei Muddy Waters, Little Walter, Big Walter, und im Gegenzug lernten sie „Memphis Charlie“ kennen, das Südstaatenkind, das all ihre Lieder wusste. Musselwhite erwähnte ihnen gegenüber damals noch nicht, dass er Mundharmonika spielte; er genoss es einfach, im selben Raum wie seine Helden zu sein, deren Blues aus nächster Nähe zu hören und nach einem harten Arbeitstag ein kühles Bier zu trinken.

Eines Abends sitzt er in einem Bluesclub, zusammen mit Muddy Waters und einer Kellnerin, als die Kellnerin zu Muddy sagt: „Sie sollten Charlie auf der Mundharmonika spielen hören.“ Muddy war überrascht zu erfahren, dass der Junge spielen konnte, und lud ihn ein, bei einer seiner langen Sessions in einem Club mitzuspielen. An diesem Punkt änderte sich Musselwhite’s Leben für immer; ein Typ, der einfach nur versuchte, genug zu verdienen, um in den Genuss der Bluesclubs zu kommen, wurde einer der besten Mundharmonikaspieler im Blues.

Aber natürlich dauerte es ein paar Jahre, bis er dort ankam. Musselwhite begann, in Chicago regelmäßig aufzutreten, oft mit jedem von John Lee Hooker – der sein bester Freund wurde – und Muddy bis zu Wolf und Sonny Boy Williamson zu spielen. Musselwhite spielt die bedeutende Bewegung vom Fan zum Musiker herunter, indem er sagt, dass „mitzuspielen“ nicht viel bedeutete, wenn diese Musiker Residenzen hatten und oft mehr als 16 Stunden pro Woche spielen mussten und oft froh waren, eine Pause zu machen und einem neuen Jungen eine Chance zu geben. Aber er machte das Beste aus seinen Auftritten, erarbeitete sich einen Ruf als jemand, der den Blues wirklich verstand und wirklich spielen konnte.

Um diese Zeit trat Musselwhite der Gemeinschaft von ähnlich alten weißen Kindern bei, die ebenfalls dem Blues um die Südseite von Chicago nachjagten, wie Mike Bloomfield und Paul Butterfield. Aber während diese Jungs – aus den Vororten von Chicago, aus wohlhabenden Familien – sich immer ihrer Außenseiterposition bewusst waren, wurde Musselwhite sofort von einer Reihe von Mentoren in der Blues-Community adoptiert, dank der Ähnlichkeit in seiner Erziehung und seinen südlichen Wurzeln. Leute wie Big Walter, Hooker, Walter Horton und mehr nahmen ihn unter ihre Fittiche und ließen ihn bei Aufnahmesessions mitspielen, wodurch sein Name bei den verschiedenen Labels, die die Chicagoer Bluesszene wie Habichte beobachteten, bekannt wurde. Weiß zu sein, half Musselwhite definitiv, einen Fuß in die Tür bei Labels zu bekommen, aber er wurde in Chicago auf eine Weise akzeptiert, die anderen weißen Spielern nicht vergönnt war.

Alles änderte sich für Musselwhite und die Chicagoer Blueskinder, als Paul Butterfield’s Band – mit Bloomfield an der Gitarre – bei Elektra Records unter Vertrag genommen wurde und zu Stars der Newport Folk Festival-Szene wurde, mit Dylan und anderen Größen der Rockszene im großen Stil spielend. Das bedeutete, dass A&Rs nach Chicagoer Bluesmusikern in einem Goldrausch suchten, um den nächsten Durchbruchsstern aus der Szene zu unterzeichnen, was neue, nicht-Chess-Verträge für Buddy Guy, einen Solodeal für Bloomfield und Musselwhite bedeutete, der sich entschied, bei Vanguard zu unterzeichnen, die ihn 1967 mit seiner South Side Band ins Studio schickten.

Butterfield hatte mehr oder weniger den elektrischen Bluesharp-Stil von Chicago in die Massen eingeführt und eine Institution des Chicago Blues mainstreamfähig gemacht. Aber Charlie konnte diesen Sound in all seiner Komplexität einbringen. Butterfield liebte es, rasant aufzuspielen, eine galoppierende Armee in seinem Gefolge heraufzubeschwören. Musselwhite hingegen war eher ein langsamer Brenner; „Christo Redemptor“ wurde zum Herzstück seiner Debüt-LP, weil es das langsam kriechende Gefühl der klebrigen Hitze von Chicago widerspiegelte – ein Song, der eher köchelte als brodelte. Es half auch, dass Musselwhite mit einer einzigartigen Gesangsstimme gesegnet war, die klang, als käme sie von jemandem, der bei jeder Mahlzeit Steine in Melasse kaute und auf der falschen Seite eines 12-tägigen Katers aufgewacht war.

Stand Back! wurde ein bescheidener Hit, zumindest groß genug, um Musselwhite mehr Chancen zu geben, LPs zu machen. Erfolg des Albums konnte Musselwhite endlich seine verschiedenen Tagesjobs kündigen – zu denen mittlerweile auch der Job eines Plattenladen-Angestellten zählte – und nach Kalifornien ziehen, und schließlich Hooker dazu zu überreden, das Gleiche zu tun. Er wurde der authentische Bluessharmonikaspieler für die Paisley-Rock’n’Roll-Szene, der Mann, der den reinen Stoff spielte, während die anderen bluesbasierten Bands in San Francisco und L.A. Nachahmungen spielten.

Musselwhite’s zweite Vanguard-LP, Stone Blues, war ein Seitwärtsschritt, und seine dritte LP, aufgenommen nach seiner dritten Vanguard-LP, aber vorher auf einem anderen Label veröffentlicht, Louisiana Fog, versuchte, einige psychedelische Rockelemente in Musselwhites Blues zu integrieren. Tennessee Woman hingegen würde sich als unterschätztes Meisterwerk erweisen, ein makellos ausgeführtes Schaufenster für Musselwhite’s Sound, ein Album, das die wilden Klänge des elektrischen Chicago Blues und den bodenständigen Sound des Memphis Blues perfekt miteinander verband. Ganz Charlie Musselwhite ging in Tennessee Woman und man kann es von den ersten Noten hören.

Tennessee Woman beginnt mit dem Titeltrack, einem Cover von Fenton Robinson’s Jump-Blues-Rarität, einem Hit in den Chicagoer Clubs und kaum anderswo. Musselwhite’s Krächzen und Schrei der Mundharmonika Solo bieten das Feuerwerk des Songs, aber die echte Kraft wird von einem neuen Mitglied in Musselwhite’s Band bereitgestellt, dem Jazzpianisten Skip Rose. Rose konnte Bebop spielen, aber er war am besten, als er die Lokomotive der Charlie Musselwhite Blues Band antrieb, hier klang er wie die El, die sich im Dezember einen Schneesturm kämpft. Auf dem schlendernden, stolzierenden „A Nice Day for Something“, einem Original von Rose, überlässt Musselwhite seinem Pianisten den Scheinwerfer, dessen selbstbewusste Leads viel Raum für den Gitarristen Tim Kaihatsu lassen, um einige solistische Blues-Soli zu liefern. Auf einer Coverversion von Junior Wells‘ „Little By Little“ beschwört Rose einen Westernsaloon herauf, indem er rollende Klaviereinlagen in und außerhalb des Grooves liefert, und auf „Blue Feeling Today“ spielt Rose eine traurige Gegenmelodie, die neben und gegen Musselwhite’s Stimme und Harpschluchzen arbeitet.

Rose steht auch im Mittelpunkt beim Höhepunkt von Tennessee Woman, dieser bereits erwähnten 11:45 Minuten-Version von „Christo Redemptor“. Es ist vielleicht eine der besten Schaufenster für Musselwhite’s Charme als vielleicht irgendeine 11 Minuten Musik für irgendeinen Musiker überhaupt. Jeder Durchlauf wird Sie mit neuen Teilen seiner Performance treffen, über die Sie nachdenken können. Diese langen, 10-sekündigen Klagerufe einer einzigen Note, die er in der Prozession des Songs trifft. Die Art und Weise, wie er den Verstärker auf seiner Mundharmonika verwendet, um Raum und Zeit zu verändern. Die Art und Weise, wie er im 7. Minute einsteigt, um Solo zu spielen und einen Fugenzustand auf einer Mundharmonika freistilend zu improvisieren. Die Double-Time-Stöße in der 8. und 9. Minute. Es ist virtuos in Form, Ausführung, und wenn es Sie nicht davon überzeugt, dass die Mundharmonika ein unglaublich berührendes Instrument ist, dann kehren Sie um.

Tennessee Woman endet mit einem von zwei Musselwhite-Originalen, „I’m A Stranger“, einem kriechenden, in-den-Rinnstein-Blues, in dem Musselwhite das Singen und Heulen auf seiner Mundharmonika. Es ist ein Song, der all seine Einflüsse in etwas Eigenes synthetisiert; eine Mischung zwischen Memphis und Chicago, Muddy und Furry, bodenständig und raffiniert.

Tennessee Woman war das letzte Album, das Musselwhite auf Vanguard veröffentlichte, die ihn zu einem anderen Label wechseln ließen, noch bevor sie es herausbrachte. Der Blues verlor an Popularität, und wie seine Helden wanderte Musselwhite zu verschiedenen Labels, die immer noch hinter dem Blues standen, als Disco, Punk und New Wave kamen und gingen, darunter mehrere Alben auf Chicago’s Alligator Records. Er tourte mit John Lee Hooker und wurde schließlich der go-to Mundharmonikaspieler für jeden, der ein wenig von diesem Chicago-Blues-Magischen Staub suchte, und spielte mit jedem von Cyndi Lauper bis Tom Waits. Schließlich bekam er Grammy-Anerkennung, als sein 2013er Album mit Ben Harper, Get Up!, den Grammy für das beste Blues-Album gewann. Letztendlich könnte dieses Vermächtnis verblassen im Vergleich zu dem Gerücht, dass er die Inspiration für Elwood Blues, Dan Aykryod’s Charakter in Blues Brothers war, ein Punkt, der bestätigt wurde, als Musselwhite in der Fortsetzung des Films von 1998 auftrat.

Es ist ein unwahrscheinliches Leben für jemanden, der nur genug Geld verdienen wollte, um regelmäßig Blues live zu sehen: Mehr als 50 Jahre auf der Straße, seine Lieblingsmusik auf der ganzen Welt spielend. So unwahrscheinlich wie ein Steinhaufen in Schweden, der es bis zu einem Berg auf der anderen Seite der Welt schafft.