Música em filmes e o espaço que ajuda a representar

Existe uma emoção esotérica em dirigir por uma estrada vazia com as janelas abertas enquanto o cheiro do crepúsculo invade seu carro e o sol se põe ao seu lado ou sentar em um dia de verão em um gramado verde observando ao seu redor, tudo isso ouvindo uma música que faz a atmosfera parecer sortuda. Há filmes que conseguem transmitir esses momentos meditativos na tela, fazendo-os parecer tangíveis. Eles costumam utilizar longas sequências e dimensionalidade que nos permitem desfrutar das cores, composição, iluminação e sons. Quando esses filmes têm trilhas ou trilhas sonoras que se alinham com o espaço mostrado na composição, todos os cinco sentidos são despertados apenas focando em dois, e é nesse momento que esquecemos que estamos sentados em uma sala escura cheia de estranhos e começamos a explorar seus mundos.

O espacialismo, um movimento artístico fundado pelo artista Lucio Fontana, buscou sintetizar cor, som, espaço, movimento e tempo em um novo tipo de arte. Fontana disse: "Eu não quero fazer uma pintura; eu quero abrir espaço, criar uma nova dimensão, conectar-se com o cosmos, enquanto ele se expande infinitamente além do plano confinado da imagem." Alguns artistas só conseguem tentar sintetizar tudo isso em um contexto fora do cinema. No entanto, não há sensação maior do que estar completamente absorvido em um bom filme.

Os seguintes filmes utilizam o espaço harmonizando música e imagem para nos puxar mais fundo em suas histórias. No livro de Robert Irwin, A Conditional Art, ele diz: "Todo dia eu experimento uma série de coisas que superam qualquer arte que conheci. Elas não estão restritas a um ser particular e, às vezes - na verdade, na maioria das vezes - duram apenas um momento. Sua continuidade está no fato de que, em algum tempo, eu vivenciarei outra. Cada um desses fenômenos perceptivos não é feito de uma única coisa, mas sim de sobreposições complicadas, uma totalidade interativa — às vezes as partes convergentes de muitos todo separados." Esses filmes utilizam uma trilha sonora musical para nos lembrar de momentos bonitos e efêmeros.

Paris, Texas

"A emoção de combinar música e imagens realmente me fez continuar mais com o processo de contar histórias", disse o diretor Wim Wenders. Wenders aperfeiçoou essa combinação em seu filme de 1984, Paris, Texas. O filme começa com a vastidão de tons e céus azuis nos desertos do Texas, com o protagonista, Travis, vagando inabalável com um boné vermelho, sozinho com um galão de água. Acompanhando a terra aberta está “Paris, Texas” de Ry Cooder, uma canção de blues minimalista com slide guitar. Cada nota é espalhada, vibrando pelo espaço entre e ressoando pela paisagem que vemos, ecoando a solidão de Travis. Tanto Cooder quanto Wenders deixam claro, não estamos aqui para escapar da realidade de nossas vidas diárias e emoções, mas sim para mergulhar nelas.

Nos primeiros 26 minutos do filme, Travis permanece em silêncio; a música de guitarra que parte o coração que combina com o rosto de Harry Dean Stanton conta uma história por conta própria. Ao longo do filme, há uma abundância de silêncio. A guitarra blues entra lentamente quando o clima parece certo, passando despercebida enquanto nos puxa mais fundo para experimentar as emoções de Travis enquanto ele está perdido e em busca de algo que não tem certeza do que é. As imagens estão repletas de azuis e vermelhos em paisagens ocidentais vazias, ecoando a sensação de perda e frustração da música.

Woman In The Dunes

Outro filme que envolve você em frustração é o filme existencial do diretor japonês Hiroshi Teshigahara, que reconta o mito de Sísifo, Woman in the Dunes, com trilha sonora do compositor japonês Toru Takemitsu. Niki, um entomólogo, se encontra preso com uma mulher dentro de um buraco gigante nas Dunas de Areia no Japão, depois de ter sido oferecido um lugar para ficar por uma noite por alguns aldeões que o levaram para baixo com uma escada de corda. A mulher o alimenta e, em seguida, começa a cavar a areia após uma conversa amigável. Ela cava, preenche sacos de areia e os envia para os aldeões até o amanhecer.

No dia seguinte, ele acorda e descobre que a escada de repente sumiu e um acorde estridente ressoa. As tentativas de escalar a areia só fazem descer mais areia. A música faz com que o espaço em que o personagem se encontra pareça muito mais apertado e coloca o peso da necessidade de escapar sobre o espectador.

A maior parte das duas horas e meia do filme é silenciosa; a música toca talvez por um total de 20 minutos. Cada vez que a areia inpredictavelmente desce com belos close-ups das camadas de areia, a música toca e os sons distorcidos de drones, cordas, flautas e harpas se sobrepõem e complementam a imagem, criando uma construção de suspense.

Call Me By Your Name

O espaço representa muito mais do que apenas um local em todos os filmes de Luca Guadagnino — isso é especialmente óbvio em “Call Me By Your Name”: o espaço entre os personagens, o espaço em que eles se encontram, o espaço que precisam e o espaço que nos é dado como espectadores. O filme nos coloca em uma paisagem do norte da Itália, testemunhando o romance secreto entre Oliver e Elio. Não podemos falar. Não podemos julgar. Só podemos sentar e apreciar o sentimento de nos apaixonarmos por outro.

“Eu acho que o espaço é um personagem no meu filme. Seja na Itália ou em qualquer outro lugar. Eu me certifiquei de que você, como público, possa viver a jornada de um personagem em sua fisicalidade e não apenas em sua jornada emocional. Como você pode entender alguém se não pode contextualizar a figura na paisagem?” Guadagnino disse. A música de Sufjan Stevens também é um personagem adicional no filme. Ela coloca o peso das emoções que Elio viveu ao longo de seu verão sobre o público durante a última cena do filme, onde Elio chora em frente à lareira. Timothée Chalamet estava ouvindo "Visions of Gideon" de Stevens através de um fone de ouvido enquanto a cena era filmada.

A música melancólica é uma parte enorme da representação do espaço que vemos entre Oliver e Elio através da composição da câmera. “Mais tarde,” diz Oliver enquanto se afasta, deixando Elio sozinho após lhe fazer um tour por Crema. Nesse momento, ouvimos pela primeira vez “Une Barque Sur L’océan from Miroirs” de Andre Laplante; a partir daqui, toca toda vez que eles estão separados, enquanto ansiamos por ver Oliver e Elio juntos. As notas fluidas preenchem a distância e criam um sutil desejo por Oliver dentro do público.

A música em “Call Me By Your Name” intensifica a sensação de colher um pêssego maduro e mordê-lo, de ver a brisa bater nas folhas de uma árvore, de pular em um rio gelado no meio da noite, tudo isso enquanto se apaixona. Quando a vida parece emocionante e o tempo parece irrelevante.

Ainda há muitos mais filmes que poderíamos comentar que apresentam compositores como Brian Eno, Ryuichi Sakamoto e Angelo Badalamenti, que criaram trilhas que provam que o cinema tem o poder de pegar dois sentidos e ativar todos os cinco. Como Sakamoto disse: "Por que eu quero tocar muito mais devagar do que antes? Porque eu queria ouvir a ressonância. Quero ter menos notas e mais espaços. Espaços, não silêncio. O espaço é ressonante, ainda está soando. Eu quero aproveitar essa ressonância, ouvi-la crescendo, então o próximo som, e a próxima nota ou harmonia pode vir. É exatamente isso que eu quero."