O flamenco é um gênero tão único que a maioria das pessoas pode identificá-lo instantaneamente ao ouvi-lo. Você pode não conhecer um artista sequer nesse estilo, mas o vocabulário distintivo do flamenco é inconfundível. As dramáticas cadências harmônicas, o canto apaixonado e o som das palmas frenéticas e dos pés dançantes se destacam à primeira vista. Os elementos estéticos do flamenco são tão característicos que se sobressaem mesmo quando usados no contexto de um gênero diferente. Artistas lendários de diversas épocas e estilos mergulharam no flamenco, transpondo seus sons singulares para uma infinidade de contextos. Músicos que vão de Maurice Ravel a Miles Davis e Leonard Cohen incorporaram elementos dessa música folclórica espanhola, utilizando os sons cativantes do gênero para adicionar a nuance única de expressão que só o flamenco pode transmitir.
A história do flamenco é tão cativante quanto a própria música. Os sempre nômades Romanis chegaram à Espanha há mais de 500 anos, trazendo com eles as inúmeras influências culturais que encontraram pelo caminho. As influências asiáticas e da Europa Oriental, trazidas por eles, se misturaram com as culturas árabe, judaica e cristã, presentes de forma proeminente no sul da Espanha na época. Foi então que o flamenco nasceu como a expressão cultural do povo romani na Península Ibérica. A música romani, assim como o próprio povo, foi praticamente excluída da cultura espanhola geral por séculos. Perseguidos e marginalizados, os Romani tornaram-se isolados e guardaram o flamenco para si, apresentando-o apenas em encontros e ocasiões celebratórias. Só no século XIX que viajantes românticos de toda a Europa começaram a se interessar pelo gênero, transformando, de forma irônica, essa forma de arte negligenciada em um assunto de orgulho e identidade nacional para os espanhóis.
O flamenco é amplamente um gênero coletivo. Bailaores (dançarinos), cantaores (cantores) e tocaores (violonistas) se alimentam das forças uns dos outros e dão vida à música com suas mãos, pés e vozes. A improvisação desempenha um papel importante nas performances, à medida que os artistas deixam a emoção do momento particular ditar a direção da música. Apesar da natureza espontânea do gênero, as apresentações seguem estruturas pré-estabelecidas que evitam que as performances caiam no caos. Estilos tradicionais chamados palos estabelecem um roteiro rítmico, harmônico e lírico para as canções. Pense neles como os 12 compassos do blues: embora existam elementos facilmente identificáveis que todas as canções compartilham, há espaço para a personalidade e ideias do artista se manifestarem. Na maioria das vezes, o palo de uma canção particular é mencionado como parte de seu título, enquanto outras a canção não terá um título adequado e será identificada apenas pelo estilo em que é apresentada. Listar todos os palos aqui seria quase impossível, e embora a estrutura estabelecida por cada um deles possa ser um pouco difícil de entender, os estilos mais comuns são facilmente identificáveis por seu caráter. Alegrías são alegres e bem apropriados para dançar, bulerías são animados e apaixonados, enquanto saetas e soleares são dramáticos e assustadores.
A vastidão do universo flamenco torna a escolha de apenas alguns artistas e discos uma tarefa difícil. Embora o seguinte não seja, de forma alguma, uma lista definitiva de cada músico digno da sua atenção, é um bom ponto de partida para entender o gênero e sua evolução artística. Vá em frente e aproveite um pouco da melhor música espanhola já apresentada, e deixe que esses artistas e discos te levem para dentro do buraco do flamenco.
O poeta espanhol Federico García Lorca — um devoto entusiasta do flamenco — uma vez descreveu a voz de La Niña de los Peines como feita de sombra e estanho derretido. Embora tais denominações possam soar esotéricas demais para ser uma descrição real da voz de alguém, a metáfora faz todo sentido uma vez que se ouve sua música. Pastora Pavón Cruz — La Niña de los Peines — tinha uma habilidade única de despojar as canções de sua forma emocional mais elementar. Ao ajustar a forma de seus lábios e alternar entre seus tons nasais e de peito, La Niña regulava o timbre de seu canto como um meio de infundir a emoção necessária em cada linha de uma canção. Em uma demonstração de pura virtuosidade, ela guia o ouvinte por uma infinidade de estágios sentimentais, expressando uma vida cheia de emoções até mesmo em um lamento simples e sem palavras. Um testemunho de sua habilidade única e influência é o fato de que, em um gênero dominado por cantores homens, La Niña de los Peines é um nome que ninguém hesita em mencionar ao discutir os maiores cantaores de todos os tempos. Discos de compilação como La Edad De Oro Del Flamenco - Vol. IV são uma vitrine perfeita da capacidade de La Niña de retratar as lutas da mulher andaluza como ninguém mais pode.
É seguro dizer que o flamenco não seria o mesmo hoje se não fosse por Antonio Mairena. Uma figura central na transição do flamenco de uma expressão folclórica apresentada na intimidade das celebrações familiares para uma forma de arte estabelecida, ele defendeu a preservação das tradições mais antigas do gênero. Mairena demonstrou um compromisso artístico muito raro antes dele, mergulhando fundo na história do flamenco e trazendo de volta à vida palos e composições que há muito haviam se perdido na tradição oral do povo romani. Além de seu papel na preservação do flamenco, é a voz impactante de Mairena que lhe garantiu um lugar entre os maiores do gênero. Discos como Cantes de Antonio Mairena e La gran historia del cante gitano andaluz capturam o vibrato potente do cantaor e o canto microtonal preciso no auge de seu talento, transformando até mesmo as melodias mais simples em fortes declarações emocionais de dor e alegria.
José Monje Cruz — mais conhecido pelo nome de palco Camarón — é, sem dúvida, a maior estrela que o flamenco já teve. Juntamente com o canto explosivo e abandonado que é comum no gênero, Camarón conseguiu se apresentar com contenção e delicadeza, alternando entre abordagens em uma busca para extrair o máximo de cada composição. Seu canto personificou o pleno domínio e refinamento do gênero: todas as qualidades viscerais que tornaram o flamenco tão único estavam lá, mas essa nova iteração polida do gênero mostrava uma nuance que era nova para a forma de arte. Discos como Como el agua mostraram sua habilidade inigualável e capturaram o interesse dos maiores públicos que o gênero já teve. Sua maior declaração artística, no entanto, é o álbum seminal La leyenda del tiempo. Inicialmente criticado pelos círculos flamencos altamente conservadores por sua fusão de rock, jazz e música do Oriente Médio, este álbum significou a conquista da tradição do gênero e abriu as portas para explorações além de seus limites.
Há um bom motivo para o influente guitarrista de jazz John McLaughlin ter nomeado Paco De Lucía na mesma frase que Miles Davis e Igor Stravinsky ao discutir os maiores músicos do século XX. Houve vários guitarristas virtuosos de flamenco — Sabicas, Diego del Gastor e Tomatito vêm à mente — mas nenhum teve o impacto que Paco De Lucía teve no gênero. Embora rico e único por suas apresentações ardentes, o toque de guitarra flamenca carecia de refinamento e nuance antes de De Lucía. Paco trouxe a técnica polida da guitarra clássica e a harmonia do jazz para o gênero, mudando o rumo do flamenco para sempre. O strumming apaixonado e os impactos percussivos do gênero foram repentinamente encontrados com belos arpejos, tremolos rápidos e acordes complexos cheios de cor e sentimento. Para ter um gostinho do que Paco era capaz de fazer, ouça Almoraima e Fuente y Caudal, ou mergulhe em suas explorações de flamenco-jazz ao lado de Al DiMeola e do próprio John McLaughlin.
Apesar de o flamenco ser um gênero fortemente associado à tradição, não é de forma alguma uma expressão artística exclusiva do passado. Uma vez que as portas para a fusão foram abertas, não houve como voltar atrás. Várias iterações do gênero floresceram desde os anos 80, contribuindo ainda mais para a evolução e crescimento do idioma. O flamenco não é mais limitado ao povo romani ou mesmo aos espanhóis do sul. A música desses artistas está se tornando cada vez mais nuanceada, multicultural e multi-temática, diversificando os tópicos líricos de um gênero que normalmente lidava apenas com tristeza, dor e alegria. A jovem cantora Rosalía se tornou uma sensação internacional com sua abordagem atualizada do flamenco, incorporando elementos de pop, hip-hop e música alternativa aos elementos melódicos e estéticos pelos quais o gênero é conhecido. El Niño de Elche, assim como ela, busca manter o flamenco vivo quebrando as regras que costumavam restringir o gênero no passado. Instrumentação eletrônica, spoken word e krautrock moldam a música de El Niño, enquanto ainda se adere aos palos ortodoxos que a ligam à essência central do flamenco. Outros artistas, como Diego El Cigala, estão refinando o canto tradicional do gênero e levando-o a novos contextos, como o jazz e a música latina. Seja atualizando seu som e fundindo-o com expressões musicais contemporâneas ou aperfeiçoando seus cânones mais tradicionais, os artistas de nosso tempo estão provando que as possibilidades artísticas do flamenco estão longe de ser esgotadas.
Arnoldo Gutiérrez Brizuela is an architect who can't help but share his thoughts on his latest music findings with whoever is around. His Mexico City apartment is filled with compulsively bought records he's soon gonna run out of space for.