Arlo McKinley Abraça ‘Esta Confusão em Que Estamos’

Produzido por Matt Ross-Spang (Margo Price, Jason Isbell) e gravado no lendário Sam Phillips Recording Studio em Memphis, This Mess We’re In encontra McKinley expandindo o som que ele criou em Die Midwestern, desenvolvendo as canções com cordas, teclados e floreios orquestrais. Tematicamente, o LP lida com a dor, depressão e a confusão dos relacionamentos humanos, tópicos que provavelmente ressoarão especialmente com os ouvintes após a turbulência dos últimos dois anos e meio.

Abaixo, VMP conversa com McKinley sobre como as melodias chegam até ele, passando tempo no Sam Phillips e o que significa fazer parte do legado musical de John Prine.

Esta entrevista foi condensada e editada para maior clareza.

VMP: Você teve que esperar um pouco para lançar este álbum. Como você está se sentindo, agora que está a apenas uma semana dos ouvintes ouvindo o projeto completo?

Arlo McKinley: Eu estou segurando isso por quase exatamente um ano. [15 de julho] é mais ou menos quando terminamos a gravação. Eu venho vivendo com isso há um tempo e, na verdade, tive que parar de ouvi-lo por um tempo porque pensei: “Eu vou ouvir isso muito.” Estou empolgado. Estou empolgado para que finalmente, finalmente chegue ao mundo. Estou muito orgulhoso deste disco.

Quando você começou a escrever músicas para o disco? Existe uma forte conexão temática entre muitas delas — havia uma música ou uma ideia que ajudou a estabelecer essas conexões?

Logo após Die Midwestern ser lançado [em 2020], eu estava sentado escrevendo coisas, apenas brincando com ideias. “Stealing Dark from the Night Sky” foi a primeira. Depois “Rushintherug”, quando eu escrevi isso, foi quando eu percebi que estava escrevendo um disco. Esse foi o momento, embora eu tenha escrito algumas das outras músicas entre essas duas. Eu pensei que todas as músicas estavam meio que conectadas, de certa forma. Eu sabia rapidamente porque estou sempre escrevendo, de certa forma. Algumas ideias grudam; algumas não. Mas nunca funcionou assim, onde todas as músicas que eu estava escrevendo pareciam um pouco uma história. Elas estão todas meio que conectadas umas às outras, o que eu acho que veio de olhar para a experiência toda do COVID e o forte lockdown e tudo isso.

Esses pontos de conexão que você encontrou, você trabalhou conscientemente para expandi-los? Ou foi mais um subproduto natural do que estava em sua mente enquanto escrevia?

Eu acho que aconteceu organicamente, na verdade. Algumas das músicas lá — como “Bag of Pills” de Die Midwestern que tem mais de 15 anos — eu voltei para elas, porque eu tenho uma lista de músicas que escrevi que provavelmente tem cerca de 40 e poucas músicas que eu tento revisitar de forma um pouco consciente. Eu acho que, mais ao voltar para as músicas antigas, foi encontrar músicas que se encaixassem com o som e a narrativa do todo. Mas escrevendo, eu acho que elas estavam se conectando organicamente. As músicas “Stealing Dark [from the Night Sky]” e “Rushintherug” e “To Die For”, e coisas assim, são todas novas, e aí eu voltei e finalizei “Back Home” e “Dancing Days”, que são músicas mais antigas que pareciam funcionar com o álbum.

“Rushintherug” é uma das minhas faixas favoritas. Fiquei realmente impressionado com sua melodia. Isso é algo que se destacou em todo o disco — você usa a melodia de forma tão emotiva. Como a escrita de melodias se encaixa no seu processo de composição?

É um fator muito grande. Geralmente é assim que acabo escrevendo. Eu nunca fui alguém que pode simplesmente sentar e dizer: “Hoje vou escrever uma canção.” Esse processo nunca funcionou realmente. Tento não forçar nada, e a maioria das coisas que escrevo vem de uma melodia ou de algo que eu criei na minha cabeça, enquanto estou dirigindo ou apenas sentado. Foi assim que aconteceu com o refrão dessa música, então foi aí que essa canção começou. Eu ouvi a melodia daquele refrão na minha cabeça e pensei: “Oh, na verdade isso é meio cativante. Então, vou escrever uma canção em torno disso.” Para mim, é importante escrever coisas cativantes. E a melodia, é isso que eu mais gosto na música, melodias bonitas e coisas assim. Com este disco como um todo, acho que essa música definiu o tom de como soaria: com muitas cordas, bastante teclados e órgãos. Eu só queria fazer um álbum bonito.

Suas letras também são tão ricas em imagens. Como em “Back Home”, a linha, “Esta cidade é uma sinfonia que nunca parece estar em harmonia,” é tão específica e evocativa. Como você aprimorou uma voz de composição tão vívida?

Isso ainda é um mistério para mim. Eu não sei de onde vem. Eu realmente não comecei a compor até meus 20 e poucos anos, 30. Eu vou fazer 43 este ano. Eu sempre fui cantor, apenas cantando harmonias em bandas e coisas assim. E eu realmente não sei de onde a parte da escrita veio. Eu apenas escrevo sobre mim mesmo e minha vida e situações que eu passo. Aquela linha é só uma espécie de “não sei, tudo ao meu redor está se movendo, mas nada parece estar no lugar.” Quando penso nisso agora, acho estranho que eu me sente e faça essas coisas. Não estava sempre lá. E era algo que me levou um longo tempo para me sentir confiante a respeito.

A faixa-título também me chamou a atenção, tanto pela sua voz quanto pela mensagem, que parece ser uma que as pessoas vão se identificar depois de passar pelos últimos dois anos. O que fez essa música em particular parecer representativa de todo o álbum?

Nos últimos anos, percebi o quão importantes são os relacionamentos e amizades. Eu não estava sempre ciente de quanto eu precisava de certas pessoas na minha vida até que fui forçado — até que todos nós fomos forçados — a ficar sem essas pessoas em nossas vidas diariamente, e a ficar sozinho por um tempo. E eu achei o título “This Mess We’re In” simplesmente apropriado para o momento. É mais apropriado agora do que era quando eu o criei. O mundo está em um lugar estranho.

Sim, parece ficar mais apropriado a cada dia, infelizmente.

Essa é a coisa, sim. É uma pena que pareça haver “lados” e coisas assim. Não sei, é uma loucura como as pessoas ficam [afastadas] umas das outras por causa de crenças políticas ou religiosas. E isso é uma coisa que a música sempre fez, pelo menos para mim, como tocar shows ou ouvir música — é uma pausa de tudo isso por um minuto, pelo menos eu espero. É isso que espero oferecer.

Li uma citação sua que dizia que criar este álbum lhe ofereceu “uma bússola interna” para navegar por perdas difíceis que você experienciou. Você pode falar um pouco mais sobre o que isso significa para você?

Foi logo antes de Die Midwestern ser lançado. Um dos meus melhores amigos faleceu de uma overdose de drogas e logo depois disso, minha mãe faleceu. Eu acho que essas canções foram apenas o que procurei, para tentar passar por um tempo que já era difícil, lidando com quando o COVID chegou pela primeira vez e toda aquela loucura. E então ter essas duas perdas importantes, para mim foi difícil navegar por isso de qualquer outra forma. Era quase como o filme Groundhog Day. Todos os dias eu acordava e era a mesma coisa repetidamente, porque não podíamos sair em turnê, não podíamos fazer shows, eu não podia ir para New England ver amigos, não pude fazer nada disso. Então, acho que é de onde muitas das músicas vêm. Realmente é. Foi assim que consegui passar por isso na época e como ainda estou lidando com coisas que têm um papel importante na minha vida.

Você gravou o álbum com Matt Ross-Spang no Sam Phillips Recording Studio em Memphis. Como foi essa experiência?

Foi incrível. Trabalhar com Matt, não me vejo realmente trabalhando com outro produtor tão cedo. Ele simplesmente entende o que estou tentando fazer sem precisar dizer muito. Foi divertido. Teve quase uma sensação mais descontraída [do que Die Midwestern] para mim. Foi todos nós apenas meio que descobrindo à medida que íamos avançando, porque Matt só tinha alguns demos acústicos [de] músicas que eu lhe enviei, e a banda ainda não as tinha ouvido. Foi divertido ver as canções ganhando vida, ver esses caras e garotas da banda ouvindo-as pela primeira vez. Apenas eu tocando violão e então vendo o que criamos foi uma experiência divertida. E o estúdio é como uma cápsula do tempo. Eles não mudaram muito. O terceiro andar daquele lugar ainda não foi mudado. Ainda é o escritório de Sam Phillips. Eles não mudaram o carpete. É uma sensação estranha, estar lá e saber que você está onde tantos outros grandes artistas estiveram. Você não quer deixar Sam Phillips com um álbum ruim.

Você é um dos que parecem fazer parte de um número crescente de artistas country que encontram inspiração em gêneros como punk e metal. Como você vê o country se intersectando com esses gêneros?

Eu tenho dois irmãos mais velhos. Então, crescendo, eu sempre estava ouvindo os discos deles quando estavam em casa. E então, quando eles chegavam em casa e me expulsavam dos quartos, eu ia para o quarto do meu pai e ouvia suas músicas country. Acho que percebi cedo que não há uma grande diferença [entre os gêneros], pelo menos com a fórmula de compor músicas de uma maneira punk, que geralmente consiste em três acordes, um pequeno verso, refrão, verso, refrão. É assim que ainda escrevo músicas. Raramente minhas músicas têm um interlúdio ou algo assim. E elas são diretas e objetivas. Eu me ensinei a tocar violão ouvindo os antigos Social Distortion, Black Flag e coisas assim. Essas bandas estão fazendo a mesma coisa [que a música country], na verdade, apenas fazendo isso muito mais rápido e alto. Eu poderia facilmente transformar as músicas deste álbum em músicas rápidas e altas também. Elas são escritas da mesma forma.

Seu público parece especialmente devotado. O que você acha que há no que você faz que se conecta com as pessoas em um nível tão poderoso?

Isso é outra coisa que é meio um mistério para mim. Meu palpite seria que estou apenas sendo honesto e direto e talvez cantando sobre coisas que muitas pessoas talvez não toquem, como dependência, saúde mental e depressão. Eu conversei sobre isso com outras pessoas, mas acho que posso estar mostrando às pessoas que, você sabe, você não é tão louco quanto pode pensar que é. É uma coisa normal que não é falada. Algumas das mensagens e emails que recebemos são muito pesados. Eu recebi uma mensagem de um veterano do Afeganistão que me disse que fez duas turnês lá. Ele disse que a única coisa que trazia paz e acalmava a todos no final da noite era ouvir meu disco. Eu não sei se posso receber um elogio maior do que isso.

Você foi o último artista que John Prine assinou para seu selo, Oh Boy Records, antes de falecer em 2020. De certa forma, sua carreira sempre terá uma conexão com seu legado. O que isso significa para você?

Eu sempre quero garantir que estou representando o selo Oh Boy tão bem quanto ele merece ser representado. Só de saber que para sempre serei a última pessoa a assinar é algo que pesa sobre mim, de uma boa maneira. Chegar a estar no radar dele a qualquer momento é incrível para mim. Eu disse frequentemente que se tudo acabar amanhã e tudo desaparecer — e eu realmente espero que isso não aconteça — mas se isso acontecesse, isso é mais um sucesso do que qualquer coisa que eu poderia ter imaginado terminar vendo ou recebendo da composição.