Os 10 melhores álbuns de jazz moderno de Londres para ter em vinil

Facilitando a ascensão do jazz moderno em Londres está o espírito de colaboração que conecta suas estrelas. Esses virtuosos frequentemente aparecem nos discos uns dos outros. Eles sobem ao palco juntos e se reúnem nas salas de estar uns dos outros quando necessário. A química de uma comunidade artística unida pode ser difícil de capturar e quase impossível de definir. Quando você consegue transferir essa química para a gravação, parece um pequeno milagre.

Para os novatos que buscam uma maneira de entrar no jazz moderno de Londres, uma audição essencial é a compilação da Brownswood We Out Here, uma das primeiras gravações a encapsular a mágica. Aqui, focamos em 10 das melhores expressões completas criadas por bandas e artistas individuais que surgiram de The Old Smoke nos últimos anos. Cada uma atua como a Exposição A de uma cena de jazz em ebulição, indelével e inegável, que exige atenção global. Ninguém que se conecte agora vai esquecer isso.

Shabaka and The Ancestors: Wisdom of Elders (2016)

Pesquise em Londres as figuras centrais em sua nova renaissância do jazz e você rapidamente encontrará o inquieto saxofonista e líder de banda Shabaka Hutchings. O boêmio britânico de Barbados fez tanto quanto qualquer pessoa para definir a cena. Entre seu corpo de trabalho audacioso e amplo, Wisdom of Elders se destaca como um produto óbvio. Para criar o disco, Hutchings se apresentou em Joanesburgo e se conectou com um grupo de músicos locais que ficou conhecido como The Ancestors. O resultado é um registro rico e poderoso que mistura os tons melódicos de Hutchings, a herança sul-africana da banda e as lições de Sun Ra. Descritas como “um salmo em nove partes”, essas composições soam como o lado amaldiçoado da espiritualidade. Os cantos vocais desgastados lembram mantras antigos ou trágicas procissões fúnebres. No entanto, o sax de Hutchings é relaxado e luxuriante em músicas como “Joyous.” Enquanto isso, “Give Thanks” apresenta acompanhamento da bateria eletrizante de Tumi Mogorosi e pouco mais, oferecendo um espaço claro para Hutchings respirar fogo intenso através de seu instrumento de escolha.

Yussef Kamaal: Black Focus (2016)

Provavelmente você encontrará Black Focus na seção de jazz da sua loja de discos local. Com certeza, isso é jazz - os instrumentais destemidos de Yussef Dayes e Kamaal Williams movem-se com o espírito do gênero. Mas os dois londrinos do sudeste misturam os sons clássicos de funk, soul, boogie, afrobeat e hip-hop em uma mistura sofisticada que destila este canto pluralista e glorioso do Reino Unido. Evocando, em particular, os clássicos sons do soul-jazz de Roy Ayers e Lonnie Smith, e a música moderna de estrelas da cena de Los Angeles como Robert Glasper e Thundercat, os arranjos são tão atemporais quanto uma gravata slim ou bourbon. As baterias de Dayes realmente estalam, enquanto as teclas estilosas de Williams se movem livremente, ajudando a transportar as melodias suaves do álbum. A química da dupla é talvez melhor exibida na faixa de encerramento “Joint 17.” É preciso habilidade suprema e um nível infinito de estilo para fazer um arranjo tão assimétrico soar tão relaxado e sem esforço.

Nubya Garcia: Nubya’s 5ive (2017)

No álbum Nubya’s 5ive, a saxofonista Nubya Garcia nascida em Camden oferece o néctar mais suave de Londres. Pegue a elegante “Lost Kingdoms,” que desliza suavemente como cetim no ouvido, enquanto a “Red Sun” mais tradicional evoca a abordagem livre de Wayne Shorter. Embora Garcia seja indiscutivelmente a estrela aqui, ela reúne uma banda estrelada da cena local que adiciona seu próprio senso de estilo ao álbum. A bateria peculiar de Moses Boyd oferece a base perfeita ao longo do álbum, enquanto o piano distorcido e sem fronteiras de Joe Armon-Jones em “Fly Free” é uma peça energética e crescente de improvisação. “Hold” é impulsionada por metais graves. O fato de a música estar presente aqui em duas versões diferentes destaca a dedicação da equipe à expressão livre.

Zara McFarlane: Arise (2017)

A música de Zara McFarlane puxa fragmentos de sua formação em East London, herança jamaicana e extensa formação musical formal, que inclui passagens no London College of Music e no Guildhall School of Music and Drama. Ela exibiu sua voz vibrante e som de clube de jazz noturno no ainda ótimo álbum If You Knew Her, que ganhou o prêmio de Melhor Atuação de Jazz no MOBO Awards 2014, mas Arise é o álbum mais completo do catálogo da cantora. Trabalhando com o baterista e produtor Moses Boyd, que compartilha a herança caribenha de McFarlane, o álbum explora os ritmos da Jamaica: reggae, Kumina, nyabinghi e calypso. O foco na história é evidente desde a breve faixa de abertura “Ode To Kumina,” que é inspirada na tradição Kumina, uma religião afro-jamaicana desenvolvida por trabalhadores contratados do Congo no século XIX. Em outras faixas, o ritmo maravilhoso de “Peace Begins Within” sublinha um hino justo de autoempoderamento, com o falsete tremulado de McFarlane provando ser seu instrumento mais importante.

Sons of Kemet: Your Queen is a Reptile (2018)

A cena de jazz de Londres frequentemente oferece antídotos tranquilizantes para a Grã-Bretanha da era Brexit. Liderados por Shabaka Hutchings, Sons of Kemet lançam um dos álbuns mais engajados politicamente a emergir do caos. Imediatamente marcantes são os títulos das músicas, cada um nomeado em homenagem a grandes e influentes mulheres negras. A faixa de abertura “My Queen is Ada Eastman,” por exemplo, é dedicada à bisavó de Hutchings. Quando o vocalista convidado Joshua Idehen grita, “Burn UKIP, fuck the Tories / Fuck the fascists, end of story,” ele libera a fúria da capital multicultural que rejeitou com firmeza o Brexit, mas que deve conviver com a ascensão do sentimento nacionalista. Sonoramente, Your Queen is a Reptile, o terceiro álbum do grupo, expande seu palete musical. A agitada “My Queen is Harriet Tubman” junta alguns metais graves, solos animados e uma percussão hiperativa que é fácil de dançar, enquanto a retumbante “My Queen is Mamie Phipps Clark” ostenta as impressões digitais de grupos de ska como The Specials.

Joe Armon-Jones: Starting Today (2018)

O tecladista Joe Armon-Jones aprimorou sua habilidade como membro do Ezra Collective e ao lado de seu bom amigo Maxwell Owin no EP conjunto Idiom, mas o álbum solo de estreia Starting Today oferece uma representação completa da amplitude das proclividades musicais de Armon-Jones. Seu amor pelo R&B retrô, funk, hip-hop e boogie está profundamente enraizado nas batidas do álbum. Até mesmo a arte da capa do álbum, criada pela artista e amiga Divya Scialo, apresenta imagens do apartamento de Armon-Jones em Londres, refletindo a natureza personalizada das seis músicas.

Destaques incluem “Almost Went Too Far,” uma faixa sedosa que busca os sons de R&B americano dos anos 1970 de Larry Levan, Paradise Garage e Shuggie Otis. A faixa-título apresenta os vocais apaixonados do cantor Asheber, oferecendo um chamado oportuno à ação para os mais desfavorecidos de Londres (“Starting today, I’m gonna wipe the blood off these streets,” ele canta. “Starting today, spread love in the community”). Às vezes, os melhores álbuns de estreia são uma amalgamação de ideias — como se o criador não tivesse certeza se algum dia será autorizado em um estúdio de gravação novamente, então é melhor aproveitar ao máximo. Aqui, Armon-Jones nos dá tudo o que tem.

Kamaal Williams: The Return (2018)

Nunca saberemos ao certo o que causou a repentina fissura de Yussef Kamaal. Após Black Focus, a perda da dupla pareceu um golpe devastador para a cena de jazz de Londres. Quaisquer que sejam os motivos por trás da separação, Kamaal Williams rapidamente se apresentou como a continuidade natural do grupo. A arte da capa e as fontes de The Return combinam com as de Black Focus, uma clara tentativa de reivindicar o legado do grupo. Mais importante, The Return ofereceu mais das grooves cósmicas que satisfizeram apenas na segunda vez. As baterias são funky, o baixo está bem alto e as teclas retro-futurísticas de Williams são gloriosamente sedosas. Assim que os acordes lentos e as ondas de sintetizador distantes da faixa de abertura “Salaam” soam, não é necessário ser musicólogo para perceber que isso representa um rápido retorno aos negócios para o londrino do sul.

Tenderlonious: The Shakedown (2018)

Tenderlonious, também conhecido como Ed Cawthorne, é um saxofonista, DJ, chefe de gravadora e figura-chave na cena do jazz de Londres. The Shakedown é o resultado de uma única sessão de oito horas, mas com alguns dos melhores músicos da cena chamados de The 22archestra, incluindo Yussef Dayes na bateria e Hamish Balfour nos teclados — é um álbum funky com grooves legais, flauta elegante e teclados descontraídos. Há também uma forte influência do hip-hop aqui: “SV Interlude” e “SV Disco” são uma homenagem a Slum Village, enquanto a flauta de Tenderlonious em “Togo” é inspirada pelos grooves do antigo virtuoso do Slum, J Dilla ou MF DOOM.

The Shakedown, no entanto, é um álbum de jazz em sua essência. “Yussef’s Groove” começa com batidas envolventes, e todos os membros da 22archestra entram progressivamente, utilizando todo o seu poder virtuoso, alternando entre baixos profundos, solos de piano chiques e piano elétrico nebuloso. Há momentos de mais contenção, com uma atmosfera ao estilo de Bitches Brew proporcionando uma palpável sensação de antecipação e paixão, enquanto ainda mantém aquele balanço marcante e suave dos anos 70 que eles fazem tão bem. The Shakedown pode ter sido gravado em cerca do mesmo tempo que leva para voar de Londres a Nova York, mas a banda está em um groove tão doce que parece que têm todo o tempo do mundo.

Moses Boyd: Displaced Diaspora (2018)

Só pode haver um Flying Lotus, mas isso não significa que Moses Boyd não pode confortavelmente se encaixar na faixa esotérica de FlyLo. Boyd faz música eletrônica enraizada na tradição jazz. Após apresentar seu estilo inusitado no lançamento de quatro faixas de 2017, Absolute Zero (uma canção como “Square Up” soa como se fosse retirada de um Sega Genesis hackeado), Boyd expande as fronteiras do seu som em Displaced Diaspora. Veja como a faixa de abertura “Rush Hour/Elegua” mistura cantos africanos tradicionais com a eletrônica soul de Boyd. Zara McFarlane participa da balada azul-escura “City Nocturne.” Enquanto isso, a experiente banda Kevin Haynes Grupo Elegua participa de quatro faixas, ajudando a adicionar uma sensação mais tradicional de jazz aos cortes. O melhor de tudo pode ser “Rye Lane Shuffle,” a mistura agitada de metais barulhentos, solos de guitarra e baterias rápidas captura a movimentada rua de Peckham, da qual leva o nome.

Camilla George: The People Could Fly (2018)

Quando criança, a mãe de Camilla George costumava ler histórias de The People Could Fly, um livro de contos africanos impregnados com o tema da escravidão. O forte senso do espírito humano que a artista nascida na Nigéria e baseada em Londres extraiu dessas histórias influencia seu álbum de mesmo nome. Este conjunto de jams imaculadamente produzidos e rigidamente arranjados tem uma sensação leve — nenhuma delas ultrapassa seis minutos. Mas o sentimento de George faixa por faixa é palpável. O som de correntes tilintando apóia poderosamente o saxofone de George no início da melancólica “The Most Useful Slave.” Longe de ser uma única nota, “The People Could Fly” oferece um lado mais alegre à sua arte. O álbum termina com uma versão da canção de Curtis Mayfield “Here, but I’m Gone,” ligando George aos grooves socialmente conscientes dos anos 70, ressuscitando contos oportunos para o aqui e agora.