Living In Myths With Weyes Blood

A notícia do próximo álbum dela, Titanic Rising, que será lançado em abril pelo lendário selo do noroeste do Pacífico, Sub Pop, traz tudo em foco. Este será o primeiro lançamento dela com a Sub Pop, e a música contém um senso aumentado de confiança e agilidade que vem junto com a mudança de selo. Titanic Rising constrói sobre os tons melancólicos de Front Row Seat To Earth, mergulhando fundo no poder mítico dos filmes e explorando como as forças dessas histórias inatingíveis de amor torcem nossas psique doloridas e solitárias.

Mesmo assim, Titanic não é um álbum triste de forma alguma, mas um trabalho reflexivo e certamente ambicioso. Ele permite que Mering, de uma vez por todas, ocupe seu lugar ao lado dos grandes compositores da nossa era. Permita-me a comparação, ela é a Joni Mitchell da era millennial, combinando obras do coração com pensamentos políticos e temas universais impressionantes. Antes do lançamento do álbum — que será lançado em 12 de abril, mas você pode pré-encomendar uma versão limitada em vinil pela Vinyl Me, Please — conversei com Mering sobre o lugar do disco em sua carreira, a nova música introdutória “Andromeda” e por que Titanic é um dos nossos poucos mitos modernos imortais.

Você toca música há anos, mas Front Row Seat To Earth, de 2016, parecia um álbum onde tudo se encaixou para você, como se você estivesse no auge de seus poderes. Mas agora, ouvindo Titanic Rising, parece que é ainda um nível acima. Qual é a relação entre esses dois últimos álbuns para você e como você se sente com a chegada do lançamento de Titanic?

Em Front Row Seat to Earth eu definitivamente tomei mais as rédeas em termos de produção. Tive algumas oportunidades incríveis desde meu primeiro álbum com a Mexican Summer, The Innocents, para fazer muitas turnês e realmente aprimorar minhas habilidades de canto e composição, tendo a chance de me apresentar por meses a fio, o que certamente é um privilégio para pessoas independentes, porque acho que a cena DIY nos últimos anos deu uma desacelerada. Conseguir realmente fazer esses shows e tocar consistentemente para um público que está ouvindo é cada vez mais difícil.

Front Row Seat foi a culminação de eu tocar esses shows, tomar as rédeas e trabalhar com alguém como [o produtor] Chris Cohen, em quem confio profundamente. Com este próximo álbum, foi ainda mais disso. Eu tive a chance de fazer ainda mais turnês, tive a oportunidade de tocar com quem eu quisesse. E Jonathan Rado, que me ajudou a produzir o álbum, até me deu mais liberdade em termos de sua opinião sempre estar do meu lado, em contraste com Chris, com quem eu batia de frente em algumas coisas. Então, foi interessante de repente ter ainda mais liberdade para explorar diferentes reinos. Acho que para mim tem sido um longo processo chegar a este ponto porque realmente não tive esse tipo de oportunidades até agora.

Este é seu primeiro álbum com a Sub Pop, que é pessoalmente um dos meus selos favoritos. Eu cresci no Noroeste, então eles estavam em todo lugar por lá. O que te levou a trabalhar com eles e como tem sido essa experiência?

Eles também são um grande negócio para mim. Quando eles se interessaram por mim, fiquei bastante impressionada. Havia outros selos que eram um pouco mais, como posso dizer, quase grandes gravadoras, ou apenas um pouco mais de um nome quente que você poderia mencionar. E a forma como esses selos me trataram foi tão aleatória — tipo, muito agrado e convivência, e então pedindo demos e era tipo... meus álbuns falam por si. Estou no ponto da minha vida em que não preciso fazer demos para conseguir um contrato de gravação. Esse não é realmente o meu estilo.

Então a Sub Pop saiu do nada e não queria nenhuma demo. Eles só queriam me contratar com base em quem eu era, e tinham uma ética DIY/indie realmente maravilhosa e não estavam tentando comprar toda a minha vida. Senti essa afinidade com eles e uma quantidade esmagadora de bondade, apoio e interesse legítimos. As pessoas do selo realmente ouviram minha música em um nível pessoal e parecia realmente família, foi legal.

Essa também é minha experiência trabalhando com eles. Dado algum do tradicionalismo subjacente da sua música — como ela remete a alguns desses elementos antigos de folk e vocais, mas também incorpora a composição pop do século 21 — acho que definitivamente faz sentido lançá-la em vinil. É uma das maneiras de preservar fisicamente a música, mas o que te levou a trabalhar com a Vinyl Me, Please nesse projeto?

Sou um grande fã de pessoas que defendem cópias físicas de música. É muito diferente do streaming. Todas essas empresas de streaming colocam compressores e outras coisas nas músicas para mudar seu som, e ter apenas uma cópia analógica da gravação é praticamente o que o artista deseja que todos ouçam. E é uma experiência muito diferente quando você coloca um disco no toca-discos para ouvi-lo em vez de transmitir, especialmente com esses algoritmos chatos. Eu fico muito desapontada que, assim que você termina um álbum no Spotify, ele te leva a algo que você nem quer ouvir, sabe do que estou falando? É realmente triste. Mas o vinil, especialmente, te engaja com a música e faz você fazer uma pausa. Acho que essa é uma ótima maneira de ouvir álbuns.

Vamos falar sobre a música que você usou para introduzir a nova era, “Andromeda”. Obviamente, ela tem alusões ao passado e ao universo em geral, com conexões à modernidade e tecnologia. Por que você quis começar este novo disco com essa música?

Acho que havia muitas músicas no álbum com as quais todos estavam empolgados, e continuava parecendo que “Andromeda” era esse ponto de encontro muito legal entre os arranjos mais eletrônicos e esparsos, e a composição nostálgica. Parecia ter tudo junto, e simplesmente acho que é uma música muito bonita. Quando escrevi essa música, pude sentir muita emoção nela. Sou uma grande fã de country, especialmente o country dos anos 80, que é meio lo-fi e usava o LinnDrum, que é a máquina de bateria que usamos na faixa. É também a primeira música que Rado e eu fizemos juntos, então tinha um sentimento especial porque eu não tinha um LinnDrum e ele tinha, e eu estava tipo, 'Bem, perfeito, escrevi essa música basicamente esperando que houvesse um LinnDrum por perto' e colocamos tudo junto e foi bastante mágico, então é apenas uma boa introdução.

Uma das minhas favoritas no álbum é a música “Movies”, especialmente como alguém que vive em LA e pensa sobre como essas histórias moldam nossas vidas e contribuem tanto. Esta música parece ver o lado positivo dessa indústria em vez de seu lado negativo, mas o título do álbum me faz pensar que houve um filme específico e uma experiência que inspiraram a escrita dessa música.

Para mim, quando criança, fui tão emocionalmente impactada por filmes e fiquei realmente impactada por Titanic porque foi meio que direcionado para meninas brancas no final dos anos 90. Foi projetado para nós de uma maneira estranha, e eu tive essa epifania intensa aos 12 anos de que esses filmes estavam lavando o cérebro das pessoas porque eram a única fonte de mitos universais que nossa cultura estava fornecendo. (Além da religião, que estava meio que em declínio e chateando a maioria das pessoas de qualquer forma.)

Eu senti que há algo tão incrivelmente injusto sobre Hollywood e o modo como é uma indústria tão capitalista. Eles não conseguem evitar estar do lado lixo, então de muitas maneiras é algo estranho, porque você não consegue realmente odiar filmes, há algo tão mágico sobre eles, porque, psicologicamente, é assim que operamos. Operamos através de mitos e essa é nossa maneira de entender a realidade, então de muitas maneiras sinto que essa música é sobre assistir a esses mitos, aceitá-los pelo que são, aceitando o lado negativo — que é essa streamline muito específica de experiência e exclusão de pessoas de cor, e pessoas com experiências diferentes.

Assistindo a essa mudança, só nos últimos dois anos ou mais, você pode realmente sentir o impacto que teve nas pessoas! A letra toda de “Eu quero estar no meu próprio filme” é representativa da nossa realidade, onde muitas vezes as pessoas não estão vivendo na própria realidade. Seja olhando o Instagram de outras pessoas, seja o capitalismo dizendo às pessoas que elas precisam disso ou que precisam ser assim, ou um filme retratando a realidade de uma maneira muito distorcida ou retratando o amor romântico de uma forma muito exagerada. Acho que de muitas maneiras as pessoas querem viver seus mitos e querem que seja seu próprio. É como se os filmes fossem essas versões inferiores das nossas necessidades psicológicas mais profundas.

Certo, e você está escrevendo como uma tomada redentora — pelo menos no título — sobre essa história, que é uma das grandes tragédias da nossa cultura moderna. Eu gostei de como a faixa-título é principalmente instrumental e quase como uma abertura de um filme à sua própria maneira.

Bem, a razão pela qual Titanic tem um simbolismo tão grande para mim, não apenas foi projetado para meninas, mas mostrou a arrogância do homem no final dos anos 90, a arrogância do homem está ficando bem intensa e acho que todos podíamos sentir que algo estava prestes a acontecer e ia ser muito ruim. Mesmo como uma garotinha eu estava tipo, 'Oh meu Deus, nós não temos domínio sobre a natureza e realmente precisamos colocar isso no seu devido lugar.’ Parece tão apropriado para os tempos, porque o navio bateu num iceberg e para nós agora as geleiras e o gelo estão derretendo, e em vez do navio afundar, os países do terceiro mundo estão afundando. Eu sinto que é meio [um] paralelo ridículo e o conceito de Titanic Rising é mais como essa arrogância lenta da humanidade, inundando-a em um ritmo que não podemos compreender totalmente, meio que como um sapo fervendo na água. Por maior que fosse o filme que você poderia fazer sobre todo o conceito, por maior que fosse o impacto que esse filme teve na minha vida, ainda estamos lutando contra esses homens que continuamente escolhem assumir que temos controle.

Essa faixa instrumental vem no meio do álbum, e então a música de encerramento faz referência a um hino muito conhecido. Você mencionou como ser criada na igreja teve um impacto na sua infância e no seu trabalho, então estou me perguntando, foi importante ter essa referência incluída neste álbum?

Sim, e quanto a esse hino, esse foi também o último que a banda supostamente tocou no Titanic. Então está tudo interligado. O título completo é na verdade “Nearer, My God, To Thee,” eu omiti o “meu Deus” porque sinto que hoje em dia Deus se tornou um termo obsoleto e para as pessoas “a ti” é mais uma grande ideia relacionável de poder superior que está supervisionando tudo o que está acontecendo. Então “Nearer To Thee” é um pouco mais no estilo de grande singularidade e o arranjo de cordas é o mesmo de “A Lot’s Gonna Change,” que é a primeira música do álbum e meio que o tema de todo o disco; que todos estamos passando por algumas mudanças enormes, especialmente pessoas da minha idade que lembram dos dias pré-internet e têm essas memórias de quando o ambiente era um pouco diferente. Eu realmente sinto que a vida em LA — e especialmente na Pensilvânia — era muito diferente antes das mudanças climáticas do século 21. Eu assisti algumas mudanças loucas, então acho que terminar com essa nota é adequado: Sim, muita coisa vai mudar, vamos fazer o melhor possível. Meio que como a banda do Titanic, tocando até o último minuto.