Digital/Divide: Najlepsza Muzyka Elektroniczna Marca, Recenzowana

Jedną z najostrzejszych krytyk, które padły względem muzyki elektronicznej, jest jej nietrwałość. Z subgatunkami i mikrotrendami, które nieustannie pchają rzeczy naprzód, przebojowy taneczny singiel z zeszłego sezonu staje się śmieciem o temperaturze pokojowej w kolejnym sezonie. Nowa technologia sprawia, że nawet nieco starsze instrumenty wydają się przestarzałe i urokliwe przed czasem, co sprawia, że niektórzy stawiają na nowość lub budują półuwierzone manifesty wokół antycznych analogów. Słuchacze domagają się następnych hitów, a potem kolejnych, będąc nieświadomym skutkiem dziesięcioleci płynnych przejść DJ-skich.

Niewielu producentów kończy jak Mark Pritchard, weteran wielu muzycznych ruchów przez kilka dziesięcioleci, który właśnie teraz tworzy jedne z najlepszych utworów w swojej całej karierze. Człowiek stojący za pseudonimami takimi jak Global Communications oraz Harmonic 313 formalnie zrzucił pseudonimy w 2016 roku, wraz z absolutnie genialnym ambientowym dziełem Under The Sun. Pełna złożoności i nasycona nagradzającymi niuansami, ta płyta została zaprezentowana z instalacją multimedialną we współpracy z artystą wizualnym Jonathanem Zawadą, który stworzył wspaniałe krajobrazy w celu połączenia z wielkimi aranżacjami Pritcharda.

Tom towarzyszący temu przedsięwzięciu, The Four Worlds [Warp], to coś więcej niż dźwiękowe okruchy Under The Sun. Jedenaście minutowy utwór otwierający „Glasspops” łamie oczekiwania, wypuszczając natychmiastowy rytm 4/4, który trwa do końca hipnotyzującego utworu. Pritchard wydaje się cieszyć z tego, jego wciągające odbicie zasłania mroczną i czasami poważną treść, która ma nadejść.

Przejścia odbywają się w transowych fragmentach. Czerpiąc z pracy Gregory'ego Whiteheada z lat 80., medytacyjny „Come Let Us” otwiera się niepokojącymi padami i kończy delikatnymi cyfrowymi ćwierkami. Również retro, Pritchard sięga po intergalaktycznie usposobioną artystkę kultową The Space Lady, aby dodać poetyckiej głębi do imitacji organów kościelnych w „S.O.S.” Obie występy wokalne wskazują na pilność, sugerując, że coś złowrogiego zbliża się do uniknięcia za wszelką cenę. Mając ten kontekst na uwadze, nie można oprzeć się lękowi przed bezgłośnością kolejnej trójki utworów, dziewięcio minutowego zbioru, który kończy się odległymi alarmami tytułowego utworu i dystopijnym drone.

Doja Cat: Amala [RCA]

Paszywny, nieformalny słuchacz mógłby pomylić tę rodowitą Los Angeles z klonem Rihanny lub DRAM-a. Taki lekkomyślny zarzut względem niejednokrotnej tendencji Doja Cat do pewnych manieryzmów wokalnych i flow byłby ich stratą, ponieważ jej wesoły elektro-R&B pełnoformatowy album odzwierciedla unikalne wykonanie z mnóstwem satysfakcjonujących nowości. Rozpoczynając od „Go To Town”, otwierającego Amala hołdu dla seksu oralnego, jej radosne i pewne siebie wykonanie doskonale pokrywa jasne bity, tworząc słodkie popowe przyjemności. Zrzuca odniesienia do Pokemonów dla nerdów i wyskakuje z miłorzęchem japońskim, podczas gdy oświadcza o uczuciach dla romantyków, z wdziękiem poruszając się wokół pokrętnych refrenów „All Nighter” i „Wine Pon You” lub skocznym housem „Game.” W przeciwieństwie do większości nowoczesnych albumów R&B dla millenialsów, w produkcji Troy’a Noki i Yeti Beats jest słodko-kwaśny połysk, który stanowi pyszny kontrast dla głosu Doja, który znajduje się manipulowany w górę w „Morning Light.” Euforyczny trap rave w „Down Low” doskonale uchwyca istotę projektu.

Gangus: Anti-Self [Dome Of Doom]

Zbyt często, gdy myślimy o scenie beatowej, koncentrujemy się na Dilli, Madlibie i ich akolitach. Jednak z hip-hopem zdywersyfikowanym w wiele podgrup wydaje się śmieszne, aby ktokolwiek ograniczał zakres tej trwałej instrumentalnej społeczności. Możesz być pewny, że producent z Denver, Christian Emmett, potrafi zachować boom bap, a świetnie mu to wychodzi w „Condensed Soup.” Jednak to tylko jedna część auralnego arsenału Gangusa, który obejmuje amalgamat kuduro, footwork i trap w „Hypomania” oraz głośnego bangeru basowego „Heavy Rotation.” W „On The Internet On Acid” przeszukuje YouTube w poszukiwaniu fantazyjnego samplingowego klipu Macka B’s “Cucumber”, który został jeszcze bardziej dziwny, podczas gdy metaliczny dźwięk w stylu Reznora sąsiaduje z abstrakcyjnym hip-hopem na schizofrenicznym zamykaczu „Palo Santo.” L.A. bass head Tsuruda pojawia się dwukrotnie, najpierw w głośnym „BackDatBack”, a następnie w stosunkowo luźnym „I’m Broke.”

HIDE: Castration Anxiety [Dais]

Przez długi czas muzyka industrialna miała złą reputację. Chociaż zdobyła uznanie za swoje innowacje w zakresie kompozycji elektronicznej od późnych lat 70. do lat 90., skutki łatwego metalowego boomu po przełomie tysiącleci pozostawiły scenę wydającą się przestarzałą i niemodną dla wielu. Jak w przypadku wielu stylów, które przez jakiś czas wypadają z łask, możliwość ożywienia pozostała w stałym peryferyjnych strefach. Łącząc eteryczną dysonans Chris & Cosey z zimnym belgijskim EBM Kliniki, HIDE chwyta obecny trend mrocznego minimalizmu retro. Napędzany wokalnie, niepokojące Castration Anxiety duetu pulsuje jak klasyki, przyjmując przeszłość w złowrogich numerach takich jak „Bound/Severed” i „Wear Your Skin.” Zdepersonalizowany ton Heather Gabel przynosi jednorodność do płyty, jej gotycka determinacja spełniona wśród szumów i palenia w „Come Undone.” Gitary odgrywają subtelną rolę przez cały czas, będąc autoświadomym odniesieniem do byłego mainstreamowego momentu gatunku.

Madeaux: Burn [Fools Gold]

Muzyka klubowa i trap połączyły się ze sobą tak dobrze w odsłoniętym zmierzchu EDM, że nawet w tym nieskrępowanym eterze przyciągają ekscytujące i wyrafinowane wykonania bardziej wytrawnych twórców, do tej kategorii z pewnością należy Madeaux. Choć bogaty w gości Burn oznacza jego debiut albumowy, różnorodne wydanie nigdy nie sprawia wrażenia debiutanckiego, zamiast tego oznacza wyczekiwaną przybycia artysty. Gdy artyści tacy jak Migos wypuszczają albumy na szczycie list przebojów, jakby to było nic, odświeżające jest powstanie starannie skonstruowanej płyty tanecznej. Żaden z utworów nie przekracza czterech minut, chociaż w takich przypadkach jak „Heaven” i „The Wave” prawdopodobnie będziesz chciał, aby trwały dłużej. Potężne basy w „Look At Me” sprawiają, że nowojorski rapowy bóg Cakes Da Killa dostaje techno platformę, aby wygłosić swoją gorącą prawdę, chociaż przez krótki czas, podczas gdy OG Maco dodaje wyjątkowy akcent do cudownie dramatycznego „Lights Low”. Vankouverski spitter Vials zagraża do dominacji w „Phantom”, jednak produkcja z infuzją LH4L oferuje zwroty, które odpowiadają jej mocy.