10 najlepszych albumów elektronicznych z 2017 roku

Pojawienie się kuduro z Lizbony wskazuje na ogromny potencjał muzyki elektronicznej do adaptacji i rozwoju poza bardziej konwencjonalnymi centrami tańca, takimi jak Berlin czy Londyn. Chociaż wytwórnia Principe Discos nie miała swojego najbardziej płodnego roku, w 2017 roku skutecznie reprezentowała tę scenę. Nazwa, która bez wątpienia jest znana tym, którzy znają przełomową serię Cargaa, DJ Lycox wreszcie prezentuje pełnowymiarowy album, który nie jest obciążony oczekiwaniami. Poprzez głębokie rytmy house'owe „Domingo Abençoado” oraz transowe prowadzenia „Sky” nadaje dynamicznemu subgatunkowi odświeżającą energię w całym Sonhos & Pesadelos. Oczekiwane polirytmiczne złożoności tej muzyki są obecne, pomimo często dzikiego charakteru jej realizacji. Balearski finał „Solteiro” osiąga doskonałą równowagę elementów, tworząc styl gdzieś tuż poza zasięgiem tropical house.

Niedługo po satysfakcjonującym podziale na Leaving Records z Carlosem Niño, Matthew David McQueen pojawia się na tej awangardowej wytwórni z Vermont, z najlepszym ambientowym zestawem roku. W zgodzie ze swoimi nowoczesnymi ideami, tytułowy utwór błyszczy jak galaretka wokół tliącym się i trzaskającymi dźwiękami. Choć ma w sobie całe swoje inherentne piękno, utwór zachowuje ponurą, a przynajmniej niepewną energię, grożącą eksploracją, lecz jednocześnie zapadającą się jak fala, która dotyka brzegu. Składając w hołdzie dla M. Geddes Gengras, innego artysty z jego eksperymentalnej kręgu, McQueen podnosi zniekształcenie, „Gengras” wznieca łagodny dźwięk dronów, tworząc bujną, powolną pożogę. Bardziej przypadkowy niż jawnie improwizowany, niemal nieprzerwany mur dźwięku rozwija się z stłumioną wdziękiem.

Można bez wątpienia uznać Kevina Martina za jednego z najgenialniejszych miłośników basu naszych czasów, z długim muzycznym CV sięgającym daleko wstecz, od dominującego dancehallu po zniekształcony dub The Bug. To wczesne eksperymenty z industrialem i metalem w monosylabicznych projektach, jak God i Ice, sprawiają, że ta dystopijna kolaboracja wydaje się bardzo właściwa. Kolejny weteran ciężkiej muzyki, gitarzysta Dylan Carlson, nadal przewodzi pionierom dron Earth, prowadząc ten zespół w ekscytujące terytoria gdzieś pomiędzy Ennio Morricone a Sunn O))). Wspólnie obaj muzycy przyjmują ballardowską koncepcję lat 70. i stosują ją odpowiednio do współczesnego Los Angeles, z wynikami mającymi na celu wywołanie niepokojącego zachwytu. Od monumentalnego shoegaze'u otwierającego „City Of Fallen Angels” po zamykający epicki tytuł, duet angażuje się w baletową symetrię dźwiękową, grając ze sobą i manipulując nawzajem, aby uzyskać estetykę, która jest kwintesencjonalnie amerykańska, choć subwersywna.

Pochodzący z Los Angeles, Nicky Benedek spędza znaczną ilość czasu na tym albumie na rozważaniu przeszłości. W zgodzie z jego wcześniejszymi współpracami z Dam-Funk i Tomem Noble, synthy i boogie z lat 80. mają duży wpływ na Bene’s World, upamiętniające płodny okres w muzyce, który wciąż nie jest wystarczająco doceniany. Dokładni w swoim oddaniu, mocne funkowe utwory „On My Way” i „Westin” sąsiadują z bardziej eleganckimi tanecznymi kawałkami „Afterglo” i „Big Nite City”. Po ciepłym i echa otwarciu, instrumentalny numer R&B „Sonatine” porusza się w wolnym tempie. Nawet w najlepszych momentach, retroświetlne utwory rzadko robią więcej niż precyzyjne imitacje. Jednak talent Benedeka do pisania piosenek sprawia, że wychodzi poza te ograniczenia. Najlepszym utworem „Ocean Park” bierze znane fragmenty i przerabia je na utwór house'owy z nutą gładkiego jazzu.

Chociaż ten Nowojorczyk jest być może najszerzej znany z udziału w czarnym metalu hipsterów Liturgy, jego praca jako perkusisty poza tą grupą uczyniła go jednym z najbardziej szanowanych artystów eksperymentalnych tej dekady. Łącząc akustykę i elektronikę w sposób jedynie jemu właściwy, to solo przedstawia go jako transcendentalnego podróżnika z figlarnym charakterem. Fox od czasu do czasu zaprasza gościa, ale w większości to jego podróż, które łączy jazz wykraczający daleko poza granice oraz nową, mistyczną błogość. Jego perkusyjny kunszt przejawia się w fascynujący sposób, w późnym groove Radiohead „OPB” oraz w migotliwym chaosie „My House Of Equalizing Predecessors.” Z okazjonalną pomocą saksofonistki Marii Kim Grand i kilku innych instrumentalistów, przewyższa już znakomitą pracę, jaką wykonał z Guardian Alien i Zs na tym swobodnym, a jednak zasady przestrzegającym wypuszczeniu inspirowanym Milford Gravesem i Pharoah Sanders.

Choć szum wokół Burial często wyciąga tlenu z reszty rosteru, prawdziwi entuzjaści Hyperdub rozpoznają Sarę Abdel-Hamid jako czarnego konia wytwórni. Niedoceniana na własną odpowiedzialność, muzyka Ikoniki posuwa się poza zamroczenie dubstepowe w ekscytujące crossoverowe wydarzenia i retrofit. Z wyraźnymi odniesieniami do grime oraz brytyjskiego R&B, jej eklektyczny nowy album nieco odchodzi od kultu 8-bitowego wyznania z pełnometrażowego Aerotropolis z 2013 roku na rzecz czegoś, co jest prawdziwie techno, nie będąc jednocześnie zbyt mu oddanym. Przepełniony energią electro, hipnagogiczne basowe kawałki „Lear” i “Lossy” znajdują cuda w głębinach. W kwestii gościnnych wokalistów, Andrea Galaxy daje życie uderzeniom perkusji i przyszłej funkowej wersji „Noblest,” podczas gdy rappujący Jammz zabiera nas w krótką podróż po Wschodnim Londynie dla przybywających kosmicznych najeźdźców na „Sacrifice.” Poza parkietem tanecznym, bardziej abstrakcyjny „Do I Watch It Like A Cricket Match” ujawnia hipnotyzujący design dźwięku, który pasuje do tak utalentowanego technika tekstury.

W roku, w którym pionierska brytyjska wytwórnia elektroniczna zajmowała się wszystkim, od maniakalnej fuzji jazzu Shobaleader One po surowe futurystyczne R&B Keleli, jeden z ich najbardziej chwytających wydań skłania się w stronę klasycznego lewackiego techno z głodnego dzieciństwa wytwórni. Dość odległe od awangardowego zamieszania jego debiutanckiego Clarence Park, najnowszy album Clarka łamie konwencje klubowe, tworząc muzykę, która z pozoru jest zaprojektowana do poruszania się. Gdyby nie miłość do muzyki klubowej, jego produkcje mogłyby wydawać się wręcz wredne w swoim kształtującym się podstępie. Pistonowa pompka „Hoova” ustępuje miejsca wietrznym przerwom i marzycielskim padom, w rezultacie zamieniając się w ambientowy trance. Głos odgrywa tutaj istotną rolę, choć w żadnym wypadku nie przypomina konwencjonalnego popu. Zamiast tego, ludzkość jest tylko teksturą w „Aftermath,” szokującą punktem zwrotnym w napiętej dramie „Catastrophe Anthem.” Clark buduje niemal filmowe struktury w całej narracji ‘Death Peak’, kulminując w „Un UK,” oczywistym komentarzu na temat kłopotów jego podzielonego kraju związanych z Brexitem.

Auralny odpowiednik Nickelodeon Gak, muzyka tworzona przez młodych Seamus Malliagh błyszczy sztuczną neonową barwą. Choć w wielu kontekstach to może wydawać się przytykiem, projekt Iglooghost to specjalny przypadek. Jego umysł tańczy z kolorowymi wizjami magicznych kosmicznych robaków i fantastycznego, czarodziejskiego wszechświata, przez który podróżuje. Ta wyobraźnia wybucha w cudownych, obrzydliwych i naprawdę unikalnych utworach, które pokazują ograniczenia gatunku. Porównania do Hudson Mohawke, Oneohtrix Point Never i Venetian Snares poprzez amalgamację okazują się nieodpowiednie, gdy podłożono je pod jazzowy splatter „Super Ink Burst”, brudny gabber „Peanut Choker” czy wirtualną dubstepową „Zen Champ.” Wygoda nie ma znaczenia w tym, co Malliagh wydaje w tych jasnych i wystawnych dziełach. Raper Mr. Yote dodaje ledwie zrozumiałe wersy do przekrzywionego junglizmu „Teal Yomi / Olivine,” powalającego utworu, który doskonale podsumowuje ledwo kontrolowaną manię, która tutaj się odgrywa.

Z łatwością najtrudniejsza artystka, która pojawiła się na scenie footwork, Jerrilynn Patton pozostaje jedną z oddanych praktyków tego gatunku, mimo że jej produkcje przekraczają jego granice. Klasyfikowanie muzyki Jlin jako oddzielnej od tego rodzimego ruchu muzycznego afroamerykańskiego byłoby pozbawieniem jej jednego z jej luminarzy. Jej wysoko oceniana praca dla Planet Mu dalej potwierdza wizję właściciela wytwórni Mike'a Paradinasa o promowaniu footwork i juke sprzed kilku lat, a wydanie Black Origami jeszcze bardziej to podkreśla. Choć Indiana wydaje się mało prawdopodobnym miejscem dla wschodniej duchowości, tytułowa egipska faraonka „Hatshepsut” wydaje się dziwnie waśnie domowa na podziemnym parkiecie w środkowym zachodzie, podobnie jak kierowany materiał odpowiadający „Holy Child” i interludium „Calcination.” Ambitna praca Patton trafia w każde ze swoich celów, hipnotyzując na ścieżce tytułowej i niszcząc za pomocą dźwiękowej broni „1%.”

Daniel Lopatin tworzy trudną sztukę. Jego poprzedni album pod monikerem 0PN, Garden Of Delete z 2015 roku, w jakiś sposób udało mu się powiększyć grono odbiorców pomimo odpychającej narracji dotyczącej pozaziemskiego tematu i całkowicie dziwnego zastosowania jego designu dźwięku. Fani wcześniejszej pracy Lopatina mogli być zdziwieni względną dostępnością Good Time, ścieżki dźwiękowej do ohydnej niezależnej kryminalnej dramy o tym samym tytule. Choć gwiazda Robert Pattinson wcześniej pojawił się w filmie Cronenberga, jest coś nieodpartego w tym, że jego akcji na ekranie towarzyszy kompozytor, który ma doświadczenie w skutecznej translacji horroru ciała. Jednak Good Time skłania się ku Tangerine Dream, często obficie obciążony melodyjnymi syntezatorami. Otwierająca utwór korzysta z pewnych mdłych pitche’ów, ustawiając ton dla przepełnionych przerażeniem momentów „Entry To White Castle” i „Romance Apocalypse.” Gdy „The Acid Hits,” er, uderza, wypłata wydaje się tak wielka jak każdy hollywoodzki kulminacyjny moment. Jedyną konwencjonalną piosenką, „The Pure And The Damned,” występuje septuagenaryjny Iggy Pop w poważnym stylu prezentera, sugerując jeszcze jeden trakt do zrealizowania przez genialnego Lopatina.