Lily Allen’s ‘No Shame’ Fights The Demons

Lily Allen zwraca uwagę i lubi to. „Ludzie zawsze mówią, że robię rzeczy dla uwagi. Jestem gwiazdą pop. Lubię uwagę,” powiedziała niedawno. W ciągu ostatnich kilku lat ta uwaga oscylowała od mocnego popierania zmian politycznych po przerażającą sytuację ze stalkerem do publicznego kryzysu tożsamości. Doprowadziło to również do tworzenia muzyki z zagubionym poczuciem kierunku, gdy Allen była w wrażliwym stanie, co skutkowało trudnym startem jej albumu z 2014 roku Sheezus. Cztery lata później, po serii kontrowersji i katastrof osobistych, Allen odnalazła się dzięki przejmującemu, osobistemu świadectwu, że wciąż jest cyniczną królową pop, którą znamy i kochamy. Ten nowy cykl albumów odnajduje ją oświeconą i ugruntowaną w przygnębiających momentach introspekcji poprzez namacalne opowiadanie historii.

32-letnia artystka zawsze miała talent do wskazywania polemiki i wygłaszania zjadliwej krytyki dotyczącej pęknięć w kulturze pop, ale jej czwarty album No Shame ujawnia i ostatecznie celebruje jej najgłębsze osobiste wady. Wszystkie trzy jej wcześniejsze albumy (Alright, Still, It’s Not Me, It’s You i Sheezus) krytykowały świat zewnętrzny, wykorzystując jej ostre obserwacje do krytycznych ciosów. Podczas gdy Sheezus miała brzmienie i wizerunek jak przepracowany, przesycony post na Instagramie i stosowała chciwość i ostentacyjność jako formy samoleczenia, No Shame koncentruje się na ujawnieniu tego samoleczenia i jego oczyszczeniu.

Album składający się z 14 utworów jest wspaniale kontrolowany i osadzony w subtelnych uśmiechach z udziałem królewskiej elity produkcji pop, w tym Marka Ronsona, Fryarsa, Bloodpopa i Ezry Koeniga z Vampire Weekend. Mając pełną widownię, Allen maksymalizuje swoje wyrafinowane umiejętności, aby zadać cios w klatkę piersiową z bawełnianą, różową kulą i kształtnym obłokiem dymu. Zabiera nas na emocjonalny rollercoaster, pozwalając nam doświadczyć burzliwych emocjonalnych dołów i odkupujących romantycznych wzlotów. Produkcja albumu jest lekka i unosząca się - czasami ledwie akompaniuje zwykły akord gitary - uwypuklając brutalną szczerość tekstów. Jej miodowe wokale są zwodniczo słodkie: Wszystko brzmi radośnie i eufonicznie wśród błyszczących riffów fortepianowych i pulchnych rytmów reggaeton, ale przy bliższym przyjrzeniu się nadal istnieje brzydka rzeczywistość, z której większość muzyki pop ucieka. Na końcu No Shame łączy zmagane demony alkoholizmu, rozwodów, załamań psychicznych i seksizmu z zwinnych melodiach i produkcjach, tak jasnych jak obecny kolor włosów Allen.

Nawet nie minęła minuta od otwieracza albumu „Come On Then," a Allen już niszczy się na wrażliwy miazgę. Ekstazujący bit trapu niesie jej emocjonalny bagaż, podczas gdy jej głos jest ukryty w iryzującym Auto-Tune. „Jestem złą matką / Jestem złą żoną / Widziałeś to w mediach / Przeczytałeś to w internecie,” śpiewa wśród migotliwego podkładu garage z Wielkiej Brytanii. W tonie, który mówi: 'Słyszałam to już wcześniej,' później wzrusza ramionami na te oczekiwania, narzucone etykiety i poniżających oskarżycieli. Tak bardzo, jak się starają, wrzące nagłówki czy komentarze na Instagramie nie mają nad nią kontroli. To idealne wprowadzenie do albumu, który nakłania nas do dalszego słuchania jej prawdy.

W wywiadach Allen szeroko mówiła o swoim poszukiwaniu akceptacji, które obejmuje zarówno samego siebie, jak i innych. No Shame to nie tylko akceptacja samej siebie i swojej historii, ale również ujawnienie natychmiastowego otępienia, które niesie samoleczenie. Jako matka dwóch dzieci, która zmagała się z PTSD po narodzinach martwego dziecka, a potem depresji poporodowej, wciąż była postrzegana jako produkt, a nie jako człowiek. „Everything to Feel Something” zagłębia się w każdą formę samoleczenia, na którą polegała Allen. „Nie wiem, dlaczego to sobie robię / Oddaję całą swoją wartość komuś innemu.” Dokładnie opisuje uniwersalne przyciąganie autodestrukcyjnego zachowania. Wydaje się, że znajduje stabilność w akceptacji swojej chwiejnej przeszłości. Buduje infrastrukturę dla swojej przyszłości, godząc się z przeszłością. Przetrawiła już wszystkie sztuczne formy akceptacji, ten album będąc pierwszym krokiem ku samopoznaniu i akceptacji.

Najbardziej przejmujące i udane utwory poruszają paraliżujące kwestie rodzinne. „Family Man” to ballada fortepianowa z antemicznymi akcentami, mówiąca o naiwnym przekonywaniu samego siebie, że miłość trwa wiecznie. Wywołuje dreszcze i zbiera łzy, niosąc nieboszczyki i ślepą nadzieję w związku Allen, który właśnie się zakończył. To, co następuje, to równie delikatne, a jednocześnie wstrząsające „Apples.” Jej głos jest blisko, szeptając nam do uszu o rozpadowi jej małżeństwa, podczas gdy za nią pląsają dźwięki gitary. „Oboje byliśmy przygnębieni / Pod koniec nie mieliśmy nawet seksu / Czułam, że nadaję się tylko do pisania czeków.” Później relacjonuje się najbardziej z ostatnimi osobami, które myślała: swoimi rodzicami. „Chyba jabłko nie pada daleko od jabłoni.”

No Shame powinien być chwalony za podkreślanie człowieczeństwa i traumy, które ludzie muszą znosić, nawet pod światłami reflektorów. Podkreśla, że jako ludzie ciągle popełniamy błędy i ciągle się zmieniamy. Docenia naszą plastyczność; chodzi o branie odpowiedzialności; chodzi o patrzenie w głąb siebie, a nie o wstydzenie się na zewnątrz. Gdy ludzie są przedstawiani jako produkty w branży - w pewien sposób wszyscy jesteśmy nimi w erze mediów społecznościowych - nie tylko istnieje presja, aby sprzedawać, ale również presja, aby dokładnie odpowiadać oczekiwaniom społecznym. Od młodej kobiety do młodej matki, złożona gra marketingowa jest czymś, z czym Allen musiała się zmagać, będąc odrzucana, gdy jej ewoluująca tożsamość i nowe role nie pasowały do popowego archetypu. Osobiste katastrofy Allen są kontekstem dla obecnego stanu ludzkości, potwierdzając, że lekcje intymności są formą samoprzetrwania, bowiem to one są jedynymi problemami, nad którymi ma kontrolę.