Najlepsze 10 solowych albumów Beatlesów, które warto mieć na winylu

George Harrison – All Things Must Pass

George Harrison, cichy Beatles, miał wiele do powiedzenia, gdy zespół, w którym był przez dekadę, zbliżał się do końca. Większość z nas zgodzi się, że napisał niektóre z najdoskonalszych utworów na White Album i Abbey Road. Mało kto mógł przewidzieć, jak otworzą się wrota, teraz gdy był wolny, by wyrazić wszystko w epickim triple-LP z 1970 roku All Things Must Pass. Harrison podczas sesji współpracował z przyjaciółmi Ericiem Claptonem, Ringo Starrem i wieloma innymi, a sesje były współprodukowane przez Phila Spectora. Harrison eksplodował twórczą energią zarówno duchową, jak i introspektywną, z której część pochodziła z utworów odrzuconych w czasach Beatlesów. Złożone emocje na tytule utworze oraz w “Wah-Wah”, a także pokonywanie materialnych pragnień w “Beware of Darkness” dają nam wgląd w frustracje Harrisona związane z Beatlesami, przy czym ten ostatni utwór jest jednym z głównych punktów albumu. Nie wszystko jest jednak melancholijne, gdyż dostajemy także radosne numery jak “What Is Life” i “My Sweet Lord”, z charakterystycznym slide-gitarą Harrisona, która dodaje emocji do jednego z najlepszych solowych singli Beatlesów.

John Lennon – Plastic Ono Band

Jeśli chodzi o otwierające salwy w erze po Beatlesach, Plastic Ono Band Johna Lennona (1970) to album pełen surowych, osobistych oświadczeń, wynoszący autobiograficzny album na zupełnie inny poziom. Przeszedł on terapię primal wraz z żoną Yoko Ono, podczas której można przeżyć ból doświadczony w dzieciństwie, co oznaczało dla Lennona ponowne przeżycie rozpaczy związanej z porzuceniem przez rodziców i późniejszą śmiercią matki. Lennon przelał te traumy, wraz z emocjonalnym skutkiem rozstania Beatlesów, na trudne, chude dzieło. Nie ma co ukrywać w otwierającym album “Mother”, który zaczyna się ominózowym dzwonem, gdzie Lennon płacze nad utratą rodziców, a potem pociesza siebie (i nas) w “Hold On.” To trochę rollercoaster, przerażający swoim przekazem i stylem muzycznym, gdzie rockujemy do “I Found Out”, aby później zmierzyć się z surowym, oszczędnie zaaranżowanym “Working Class Hero”, a później delikatnie pięknym “Love.” Tematy Plastic Ono Band są jasne: istnieje rozczarowanie, ale jest też zbawienie przez miłość.

Paul and Linda McCartney – Ram

Drugie solowe przedsięwzięcie Paula McCartneya, Ram, nie zostało zbyt dobrze przyjęte przez krytyków w momencie wydania w 1971 roku, chociaż sprzedawało się dobrze i jest teraz uważane za kwintesencję stylu McCartneya. Znajdziesz na nim szczęśliwego McCartneya, współpracującego z żoną Lindą (która nie była w rzeczywistości muzykiem, ale dzielnie uczyła się po drodze) i wciąż odkrywającego swój dźwięk po Beatlesach. Nie ma tu politycznych oskarżeń, a chociaż niektórzy z jego byłych kolegów z zespołu czuli się obrażeni w związku z dostrzeganymi zniewagami na “3 Legs” i “Too Many People”, Ram jest zasadniczo albumem popowym z dobrze napisanymi melodiami i bujnymi aranżacjami. Przypomina bardzo jego utwory z późniejszych albumów Beatlesów, szczególnie w “Dear Boy” i przebojowym singlu “Uncle Albert/Admiral Halsey.” Znajdziesz tu fantazję (“Uncle Albert”), country-bliss folk (“Heart of the Country”) i kilka rockowych utworów (“3 Legs”, “Smile Away” i “Eat at Home”). To album, do którego nie sposób się nie wracać i myśleć: cholera, ten facet potrafi pisać chwytliwe melodie.

John Lennon and Yoko Ono – Imagine

Niektórzy widzą tytuł i myślą tylko o idealizmie tytułowego utworu, ale Imagine Johna Lennona (1971) to także Lennon w swoim najbardziej zjadliwym wydaniu. Nie daj się zwieść bardziej dopracowanej produkcji w porównaniu z Plastic Ono Band; ballady i rockowe utwory, antywojenne oświadczenia i wyrazy miłości, wszystkie te elementy (i George Harrison) łączą siły w najbardziej spójnym, a być może najlepszym albumie Lennona. Jeśli Plastic Ono Band pokazał, jak w rzeczywistości może wyglądać szczere pisanie piosenek, Imagine ukazał Lennona kierującego swój krytyczny wzrok na społeczeństwo, politykę i wojnę w “Imagine”, “Gimme Some Truth” i “I Don’t Want To Be A Soldier.” Sprawy stają się bardziej osobiste, gdy wytyka Paulowi McCartneya w “How Do You Sleep?” słowami takimi jak “jedyna rzecz, którą zrobiłeś to był wczoraj, a od czasu twojego odejścia jesteś tylko kolejnym dniem.” Ouch. Lennon znajduje także czas na kilka prostych piosenek miłosnych, takich jak romantycznie przepraszająca “Jealous Guy” (czy wiedziałeś, że niektórzy fani Beatlesów myślą, że ten utwór dotyczy zazdrości o McCartneya?) i wesoły pop “Oh Yoko!” kończący album.

George Harrison – Living in the Material World

Nie ma wątpliwości, że kontynuacja krytycznego sukcesu All Things Must Pass oraz jego projektu charytatywnego The Concert for Bangladesh musiała być dla George'a Harrisona trudna. Na albumie z 1973 roku Living in the Material World podejmuje świetną decyzję, aby nie przywracać Phila Spectora jako producenta. Duchowe wpływy pozostają, ale produkcja jest ograniczona, wykorzystując mniejszą grupę muzyków sesyjnych, co pozwala Harrisonowi zająć centralne miejsce. Otwiera album piękną “Give Me Love (Give Me Peace On Earth)”, która pokazuje jego charakterystyczną slide-gitarę oraz kontrowersyjny “Sue Me, Sue You Blues”, w którym Harrison odnosi się do pozwu McCartneya o rozwiązanie Beatlesów. On otwarcie odczuwa ból w “Who Can See It”, a następnie mocno uderza w tytule utworze, który zamyka stronę pierwszą. A jeśli myślałeś, że Harrison nie mógł być bardziej surowy niż w “Who Can See It,” otwarcie strony drugiej prowadzi cię głębiej w jego cierpienie w “Be Here Now”, które jeszcze raz rozważa przeszłość, przypominając sobie, aby “być tutaj teraz, ponieważ to nie jest jak wcześniej.” Living in the Material World jest sentymentalne, ale także ukazuje bardziej dojrzałego i refleksyjnego Harrisona.

Ringo – Ringo

Na albumie z 1973 roku Ringo, swoim trzecim solowym albumie, Ringo Starr tworzy właściwy album rockowy (pierwszy był albumem z przebojami pop, a drugi krążkiem country). To gwiazdorska sprawa z udziałem wszystkich trzech byłych kolegów z Beatlesów i przyjaciół takich jak Harry Nilsson, Marc Bolan, członkowie The Band, Billy Preston i inni. Ciekawe jest, że chociaż nie mogli już współpracować jako Beatlesi, Harrison, Lennon i McCartney byli gotowi pisać i występować w utworach na Ringo (choć nigdy nie spotkali się wszyscy czterej razem). Wyróżniają się przebojowe single “Photograph”, napisane wspólnie przez Harrisona i Ringo, o spojrzeniu wstecz na złamany związek, oraz cover “You’re Sixteen”, w którym uwielbiamy tego żartobliwego Ringo. W 1978 roku Ringo nakręcił teledysk do “You’re Sixteen” z Carrie Fisher w roli interesującej serca, a możesz go obejrzeć tutaj, bo im więcej Carrie Fisher, tym lepiej. Trochę rocka, boogie i glam, Ringo to po prostu zabawny w album, który zasługuje na wielokrotne odsłuchanie.

John Lennon – Mind Games

Mind Games jest najsłabszym z albumów wydanych w 1973 roku przez resztę Fab Four, ale to wciąż John Lennon, a słaby album Lennona i tak jest całkiem niezły. Pisanie i nagrywanie miało miejsce w burzliwym okresie. Jego polityczny album z 1972 roku Sometime in New York City poniósł porażkę, stoczył batalie sądowe, aby pozostać w USA, i był pod nadzorem FBI z powodu swojej aktywności, a tuż przed sesjami nagraniowymi w '73 oddzielił się od Yoko Ono. Zamiast pisać kolejny otwarcie polityczny album, Lennon postanowił powrócić do bardziej osobistej strony, dążąc do tego, aby być bardziej przystępnym niż zjadliwym. Wyniki są mieszane, chociaż gdy wychodzi mu to dobrze, jest to naprawdę udane, jak w bujnym tytule wywołującym krzyk w świat, że “miłość jest odpowiedzią” oraz “Bring On the Lucie (Freda Peeple)”, oda do pokoju. “Out the Blue” to kolejny punkt kulminacyjny, ballada poświęcona jego miłości do Ono, która zaczyna się od prostego akustycznego gitary i wokali Lennona, a następnie przekształca się w sweeping statement of thankfulness za obecność Ono w jego życiu. Mind Games jest tym albumem przejściowym, gdyż muzycznie jest rozdrobniony, ale można poczuć, że dąży do czegoś, i chcesz słuchać oraz iść za jego przykładem.

George Harrison – Cloud Nine

Cloud Nine George'a Harrisona (1987) ma dodatkową cechę, że jest jedynym albumem na tej liście, który pamiętam w momencie jego wydania, wspieranym przez podobieństwo Harrisona do mojego ojca na okładce albumu (rozmyte wspomnienia z dzieciństwa dotyczące Double Fantasy Lennona naprawdę się nie liczą). Sam Harrison przeszedł kryzys w muzyce, a kiedy był gotowy, aby spróbować ponownie, poprosił Jeffa Lynne'a (z Electric Light Orchestra) o współprodukcję. Wpływ Lynne'a słychać szczególnie w wspólnie napisanych utworach, takich jak “This Is Love”, mój osobisty ulubiony, oraz “When We Was Fab”, w którym Harrison wspomina swój czas w Beatlesach. Efekt to proste i genialne pisanie piosenek, pop-rockowy album, który nie udaje, że jest czymś więcej. Inne punkty kulminacyjne albumu to bluesowy rock “Cloud 9”, przerobiony “Breath Away From Heaven” z filmu Shanghai Surprise (z Madonną i Seanem Pennem) oraz przebojowy singel “Got My Mind Set On You,” genialna wersja utworu z lat 60-tych, gdzie widać, że Harrison się świetnie bawi. Z udziałem przyjaciół takich jak Ringo Starr, Eric Clapton i Elton John, Cloud Nine jest najbardziej skoncentrowanym albumem Harrisona, jego ostatnią solową pracą przed śmiercią w 2001 roku, i najlepszym od All Things Must Pass.

Paul McCartney & Wings – Band on the Run

Paul McCartney, pierwszy, który publicznie oddzielił się od Beatlesów, borykał się na początku z krytycznym sukcesem w porównaniu do niektórych swoich byłych kolegów z zespołu. Po umiarkowanym przyjęciu albumu z 1970 roku Ram, zdecydował się założyć właściwy zespół z Wings, ale ich pierwsze dwa albumy również nie spełniły oczekiwań. Dopiero w 1973 roku McCartney i Wings znaleźli swój rytm z ich trzecim dziełem Band on the Run. Nie tylko utwory są bardziej skoncentrowane, jest w McCartneym pewność, która łatwo wyczuwalna jest w piosenkach. Otwiera album tytułowy utwór, prawdziwy cud i kompozycja, która działa jak suite z mini-ruchami, przypominającym medley Abbey Road (co jest jednym z moich pięciu ulubionych stron albumu). “Jet” uderza w ciebie za pomocą bombastycznego power popu i wyzywam każdego, kto nie zaśpiewa razem “Jet!”, nawet gdy pojawia się później w marzycielskim “Picasso’s Last Words (Drink to Me).” Niezależnie od tego, czy to piękne numery w wolnym tempie (“Bluebird” i “Mamunia”), bluesowy wolny utwór (“Let Me Roll It”) czy przepiękne zamknięcie albumu o orkiestracyjnym brzmieniu (“Nineteen Hundred and Eighty-Five”), Band on the Run odniósł sukces zarówno krytyczny, jak i komercyjny, przywracając McCartneya jako twórczą siłę.

John Lennon and Yoko Ono – Double Fantasy

W nawiązaniu do Plastic Ono Band, album Double Fantasy z 1980 roku otwiera dzwon, ale tym razem dźwięk jest delikatnie nostalgicznym, a w połączeniu z pierwszym wierszem “Nasze życie razem jest tak cenne, razem, dorastaliśmy, dorastaliśmy…” wiesz, że wkrótce wjedziesz na łagodniejszą ścieżkę w życie Johna Lennona. Utwory są ujęte jako dialog między Lennonem a Yoko Ono, naprzemiennie, ich rockstar na najbardziej udomowionym poziomie i awangardowa artystka eksperymentująca z muzyką pop i new wave. Wydany po długiej przerwie spędzonej na wychowywaniu syna Seana, Lennon był gotowy, aby wrócić do gry. “Cleanup Time” i “Watching the Wheels” komentują jego przerwę i widok na przyszłość. Jego szczęście z rodziną jest w pełni pokazane w “Beautiful Boy (Darling Boy),” “Woman” i “Dear Yoko.” Ale to nie tylko małżeńska sielanka. Lennon i Ono mieli swoje problemy, co słychać w “I’m Losing You,” twardszym rockowym utworze na temat żalu Lennona i gniewu za to, że nie został wybaczony, a odpowiedzią Ono jest “I’m Moving On”, mówiące, że nie ma więcej bzdur. Double Fantasy zdobyło legendarny status, częściowo za to, że jest ostatnim albumem wydanym przed jego śmiercią, ale także za to, że to solidny album rockowy, pokazujący najlepszą wspólną pracę Lennona i Ono.