Najlepsze 10 ścieżek dźwiękowych filmów grozy, które warto mieć na winylu

Świetna muzyka z filmu grozy może zwiastować złowieszczego wydarzenia, mylić widza zdradliwymi tematami lub potęgować terror. Muzyka jest niezbędna, aby nawiązać połączenie, jakie widz odczuwa z bohaterami, na tyle, że puls przyspiesza, kiedy gra znany motyw muzyczny, skłaniając nas do krzyku do ekranu: „Nie wchodź tam, głupku!” Czy to hiper-franticzne smyczki, czy linie syntezatora bijące w serce, ścieżka dźwiękowa jest namacalną częścią doświadczenia filmowego, będąc tak samo integralną częścią filmu jak krzyki i plamy krwi widoczne na ekranie. Bez ścieżki dźwiękowej, wizuale byłyby pozbawione napięcia i nastroju.

Jest wiele świetnych ścieżek dźwiękowych z filmów grozy, ale ta lista skupi się na muzyce filmowej. Przerażające, przerażające i czasem funky, każda z tych płyt może stworzyć mroczną atmosferę na imprezę Halloween lub zniechęcić straszących naszych gości przychodzących do twoich drzwi.

Halloween II

Idę na całość i powiem, że lepsza ścieżka dźwiękowa Halloween to ta z jego kontynuacji Halloween II (1981), wzbogacona muzyka gotycka z przypadkowymi efektami elektronicznymi. John Carpenter współpracował z Alanem Howarthem, a efekt jest bardziej rozwinięty, naładowany syntezatorami i groźny. Zawiera wersję oryginalnego motywu w „Halloween II Theme”, rezygnując z fortepianu na rzecz syntezatora. „Laurie’s Theme” również powraca, co jest słuszne, biorąc pod uwagę, że Laurie Strode, ostatnia dziewczyna Halloween, musi ponownie uciekać przed zamaskowanym zabójcą Michaelem Myersem, tym razem w szpitalu w tę samą noc Halloween, co w pierwszym filmie. A jeśli nie kręci cię w fotelu z chęcią ucieczki, gdy zaczyna się „The Shape Stalks Again”, to po prostu nie słuchasz. Napięcie muzyki odczuwalne jest przez cały czas, gdy Myers sieje zamieszanie wśród pielęgniarek i asystentów, Strode walczy o przetrwanie, a Dr. Loomis bada motywy Myersa i splata nowe wątki w mitologii Halloween w tym pierwszym z wielu sequelów i rebootów. Po tym wszystkim, masz „Mr. Sandman” The Chordettes na zakończenie, co daje niesamowity moment końcowy. Klasyka.

It Follows

It Follows (2015) może bawić się tropem „seks zabija”, sprawiając, że klątwa przechodzi z osoby na osobę poprzez seks, ale robi to z powagą i wrażliwością. Film to porywająca opowieść o młodej kobiecie, Jay, która zostaje przeklęta i musi przetrwać nieustępliwego, zdawałoby się, niewidzialnego potwora, zmaga się z nieuchronną śmiercią i podejmuje straszną decyzję, aby unikać jej przez jak najdłużej. Składając muzykę Disasterpeace, atmosferyczne tony i dysonanse obfitują w napięcie i niepokój. „Title” i „Jay” to nastrojowe utwory przypominające ścieżki dźwiękowe Johna Carpentera; „Jay” szczególnie doskonale tworzy sympatyczność, jaką do niej odczuwamy. „Detroit” to melancholijna syntezatorowa dzieło sztuki, słyszane podczas przejażdżki przez zrujnowane dzielnice, gdy Jay i jej przyjaciele starają się znaleźć odpowiedzi. Disasterpeace również czerpie inspiracje z Psycho z metalicznymi piskami, gdy demon jest blisko, jak słyszymy w „Old Maid” i „Father”. Czasami ambient i bezpośrednie, ścieżka dźwiękowa It Follows jest idealna dla fanów horrorów, którzy cenią sobie kompozytora mogącego oddać hołd wpływom, a jednocześnie stworzyć coś własnego.

The Exorcist

The Exorcist (1973) to historia opętania demonicznego młodej dziewczyny, z zielonym wymiotem i kręceniem głowy, która przeraziła widzów na premierze. Ale jak w każdym dobrym horrorze, to budowanie napięcia pozwala na świetnie zrealizowany efekt na końcu. Część tego wynika z minimalnego użycia muzyki w filmie, więc kiedy jest używana, naprawdę dopełnia atmosferę i potęguje przerażające obrazy. To nieco oszukańcze, by umieścić The Exorcist na tej liście, ponieważ nie jest to oryginalna ścieżka dźwiękowa; to wybór utworów skomponowanych przez różnych kompozytorów, w tym Krzysztofa Pendereckiego i Antona Weberna, a także artystę rocka progresywnego Mike'a Oldfielda, ale wybrane utwory doskonale oddają napięcie i strach obecne w całej historii. Może najbardziej znanym jest „Tubular Bells” Oldfielda, z jego albumu z 1973 Tubular Bells i obecnie jest znane jako motyw Egzorcysty. Reszta muzyki jest szalona i szokująca, szczególnie wybory Pendereckiego, takie jak „Polymorphia” i „String Quartet”. Ale jeśli chcesz przestraszyć dzieci, odtwórz „Night of the Electric Insects” na powtarzaj. Zaufaj mi.

Suspiria

Jeśli muzyka prog-rockowa w horrorze to twój klimat, to ścieżka dźwiękowa włoskiego zespołu Goblin do filmu Dario Argento Suspiria (1977) jest albumem dla ciebie. Film, opowiadający o amerykańskiej studentce baletu Suzy, która natrafia na grupę czarownic w szkole tańca w Niemczech, znany jest z dużego użycia krwi i podkreślenia kolorów oraz stylu wizualnego. Eksperymentalne syntezatory Goblina i dynamiczny perkusyjny styl doskonale łączą się ze scenami śmierci (zwłaszcza „Witch”) oraz podróżą Suzy przez warstwy szkoły, aby poznać prawdę i zmierzyć się z przywódczynią czarownic. Utwór tytułowy hipnotycznie przechodzi od muzyki baśniowej melodii gryzącej z szeptami do pełnej prog-rockowej joy, co odzwierciedla zanurzenie Suzy w tym fantastycznym krajobrazie. Teatralność jest przepysznie przesadzona w „Witch” i „Sighs”. Następnie album rzuca cię na głowę z marzycielskim „Black Forest” i funky „Blind Concert”, ale tylko dodają one do atmosfery albumu. W końcu jest kolejny zakręt z zamykającym „Death Valzer”, które jest staromodnym walcem na fortepian. Suspiria może być soundtrackiem filmowym, ale również może funkcjonować jako samodzielny album Goblina i jest absolutnie niezbędny.

A jeśli szukasz ścieżki dźwiękowej z 2018 roku, mamy ją teraz tutaj w sklepie Vinyl Me, Please.

Under the Skin

Surrealistyczny film science-fiction o horrorze, Under the Skin (2013) z Scarlett Johansson w roli pozaziemskiego, który udaje człowieka, jeżdżącego po Szkocji i zabierającego mężczyzn na to, co myślą, że będzie seksualnym spotkaniem, ale zamiast tego zostają pochłonięci przez basen czarnego błota. Muzyka, skomponowana przez Micę Levi, zaczyna się od tych pozaziemskich skrzypców brzęczących („Creation”), a potem widzimy horror ofiary pochłoniętej („Lipstick to Void”). Biorąc pod uwagę jedną konkretną scenę, wraz z nazwą sygnału, który jej towarzyszy („Meat to Maths”), staje się jasne, że ci mężczyźni są zbierani. Obcy obserwuje i wchodzi w interakcje z ludźmi, ale nie bierze udziału, aż pewnego dnia to robi, eksplorując, co to znaczy być kobietą, a jej zmiana towarzyszy transformacji muzyki z mechaniczną powtarzalnością do czegoś wolniejszego („Lonely Void”) i później romantycznie melodyjnego („Love”). Muzyka Levia wciąga nas, nadaje groźne poczucie horroru działań obcego na początku, wzbudza współczucie, gdy próbuje się związać, a ponownie staje się horrorem, gdy sama staje się ofiarą. Muzyka Levia pozostaje w twoim umyśle długo po tym, jak opuściła twoją gramofon.

Psycho

Muzyka Bernarda Herrmanna do Psycho (1960) to jedna z największych ścieżek dźwiękowych filmów grozy w historii. Poczucie nadchodzącej katastrofy w otwierających nutach „Prelude” to czysta perfekcja. Herrmann użył orkiestry smyczkowej, która może piszczeć w twoich uszach lub okrywać melancholią jak opresyjny koc. Janet Leigh występuje jako Marion, która jest zakochana w mężczyźnie z problemami finansowymi i myśli, że nie może się z nią ożenić z tego powodu (romantyczny „Marion i Sam” rozpaczy w dylemacie zakochanych) więc kradnie pieniądze z pracy („Temptation” to studium napięcia) i opuszcza miasto, aby być z nim. Muzyka podkreśla jej poczucie winy i paranoję podczas jazdy z miasta („The Patrol Car” i „The Car Lot”) zanim kończy w motel, a w momencie, gdy myślisz, że Marion może się odkupić, pojawia się słynna scena pod prysznicem, która w połączeniu z „The Murder” Herrmanna, to czysty terror. Oryginalna ścieżka dźwiękowa filmu została wydana na winylu kilka lat temu i zdobyła mieszane recenzje, ale nie sądzę, aby można było się pomylić, kupując nagranie z 1975 roku, gdy Herrmann dyrygował National Philharmonic Orchestra.

Near Dark

Near Dark (1987) to inny film o wampirach z lat ’80 o młodym chłopaku (Calebie), który zakochuje się w dziewczynie wampirze (Mae), zamienia się w wampira i musi zmierzyć się z jej paczką wampirów, ale na wiele sposobów to film lepszy. Reżyserowany przez Kathryn Bigelow (Point Break i The Hurt Locker), Near Dark to horrorowy western, który zdefiniował na nowo perspektywę wampira, pomijając te kłopotliwe rzeczy jak czosnek i święta woda. Dramat, romans, walka o przetrwanie na terenach wiejskich Ameryki (ci wampiry podróżują Winnebagos) i wybór między krwawymi powiązaniami, ten film ma wszystko, w tym doskonałą ścieżkę dźwiękową zespołu Tangerine Dream. Pełna syntezatorowego brzmienia, pełna riffów gitarowych („Good Times” i „Rain in the Third House”) oraz nastrojowych motywów (znakomity „Mae’s Theme” jako część utworu „Bus Station” i „She’s My Sister (Resurrection I)”), ścieżka dźwiękowa TD jest mroczna nawet, gdy adrenalina bije podczas masakr w barach i strzelanin w motelach. Moim osobistym ulubionym utworem jest „Pick Up at High Noon”, gdy Mae po raz pierwszy gryzie Caleb, ich połączenie zbyt realistyczne, a ona ucieka, zamiast go zabić, jak zamierzała, rozpoczynając łańcuch wydarzeń w filmie. To był 10. album ścieżki dźwiękowej TD i plasuje się wśród ich najlepszych.

The Thing

The Thing (1982) to film science-fiction horror i druga adaptacja noweli science-fiction Johna W. Campbella Jr. Who Goes There? W reżyserii Johna Carpentera, opowiada o grupie badaczy na Antarktydzie i paranoi, która pojawia się, gdy próbują przetrwać nieznany organizm, który asymiluje i imituje organizmy żywe, nie wiedząc kto nadal jest człowiekiem, a kto jest rzeczą. Zamiast samemu skomponować, Carpenter poszukał znanego kompozytora Ennia Morricone. Są momenty orkiestralne jak w „Humanity (Part 1)” czy „Despair”, a także przerażająca organowa muzyka w „Humanity (Part 2)”, ale ogólnie ścieżka dźwiękowa jest minimalistyczna i ma klimat muzyki Carpentera, co ma sens, biorąc pod uwagę, że Morricone próbował, aby brzmiała bardziej jak jego wcześniejsze kompozycje. Muzyka jest zimna i nieustępliwa, echa melodii pochłanianych przez chaotyczne, klaustrofobiczne smyczki lub pojedyncze frazy muzyczne ominacji powtarzane bez końca, dodające do napięcia i desperacji postaci, które starają się uratować siebie, a także nie dopuścić do wydostania się organizmu, który zainfekowałby resztę planety.

Beyond the Black Rainbow

Wydany w 2010 roku film science-fiction horror Beyond the Black Rainbow rozgrywa się w 1983 roku, a jego obraz jest odpowiednio ziarnisty i przesiąknięty paletami kolorów lat 70. i 80. Młoda kobieta z psychicznymi zdolnościami (Elena) jest przetrzymywana w instytucie w stylu New Age, który miał przynieść oświecenie swoim zwolennikom dzięki narkotykom i technologii. Lekarz zarządzający to ledwo zamaskowany psychopata, obsesyjnie zainteresowany Eleną. Ona chce się wydostać, a on nie znosi ludzkiej powłoki, którą nosił przez ostatnie 16 lat. Włączają się nastrojowe utwory syntezatorowe i rock ambientowy. Muzyka z Sinoia Caves, solowego projektu klawiszowca Black Mountain Jeremy'ego Schmidta, jest potężna i hipnotyzująca. „Forever Dilating Eye” gra na otwierających napisach, a część, która pojawia się w filmie, wraz z chórem mellotronu, tylko wskazuje na eksplozję dźwięku, która zachodzi w wersji albumowej, kiedy włącza się perkusja. Z bardzo małą ilością dialogu film przypomina raczej powolnie płynący sen z od czasu do czasu krwawym widokiem śmierci, a muzyka i dźwięk sprawiają, że pozostajemy zauroczeni. Inne wyróżnienia albumu to „Elena’s Sound-World” i „Run Program: Sentionauts.” Fani Tangerine Dream i synthwave muszą mieć ten album w swoim życiu.

Hellraiser

Debiut reżyserski Clive'a Barkera, Hellraiser (1987), jest jednym z najbardziej goth i S&M połączeń, jakie może mieć film grozy lat ’80. Muzyka Christophera Younga jest uwodzicielsko karząca, pokonując niski budżet filmu i nadając mu królewski klimat. Hellraiser opowiada historię mężczyzny (Frank), który, skuszony obietnicą tortur i przyjemności, otwiera puzzle, które przyzywają grupę demonów zwanych Cenobites, którzy go rozszarpują. W pamiętnym, krwawym sekwencji do utworu „Resurrection”, Frank ucieka i następuje krwawa zawierucha. Barker stworzył Hellraiser jako poważny film z gotyckimi motywami, przemocą i erotyzmem. Muzyka Younga jest odpowiednio bogata, wykorzystujące orkiestrę oprócz elementów syntezatora i industrialnych. Tak jak w temacie filmu przyjemności jako bólu, motyw „Hellraiser” jest zmysłowy, ale mroczny, a „Re-Resurrection” to szaleńczo skręcony walc, który jest piękny, ale piekielny. „Seduction and Pursuit” to zepsuta niewinność, gdy bratanica Franka, Kirsty, stając w obliczu groteskowego Franka, stara się zrozumieć jego związki z pudełkiem i nieświadomie staje się celem Cenobites. Wyciągnij skórę i kociołek, jeśli je masz, ta ścieżka dźwiękowa tego wymaga.