Jay Som’s ‘Anak Ko’ Is A Warm, Empathetic Friend

Trudno znaleźć wielu tekściarzy, którzy lepiej potrafią przekształcić empatię w formę piosenki niż Melina Duterte. Ta 25-letnia kompozytorka, producentka, aranżerka i wykonawczyni kryjąca się pod pseudonimem Jay Som właśnie wydała swój trzeci album Anak Ko, który jest kontynuacją jej przełomowego albumu z 2017 roku Everybody Works, stworzonego niemal w całości w jej małej sypialni w Los Angeles.

Tytuł albumu, który w języku filipińskim tłumaczy się jako „moje dziecko”, to określenie pieszczotliwe, jakim rodzice nazywają swoje dzieci. Jest to trafne, biorąc pod uwagę wyjątkowy sposób, w jaki piosenki z Anak Ko sprawiają, że słuchacz czuje się zaopiekowany. Na swoich pierwszych dwóch albumach, podstawowy dźwięk Jay Soma, składający się z zamglonych gitar i romantycznych dream-popowych odcieni shoegaze, które przywołują na myśl The Cranberries i Cocteau Twins, był idealny do mieszanki promieni słońca i rozwoju, samowspółczucia i samorealizacji. Choć ten sam dźwięk stanowi podstawę, w Anak Ko jest ciepła pewność siebie i blask, który wcześniej nie był obecny.

Weźmy na przykład „Tenderness”: pirackie bity z maszyny perkusyjnej Prince'a (Linn LM-1) stanowią podłoże dla delikatnego popowego haka, który rozwija się nad nimi. („To oczywista piosenka Steely Dan,” powiedziała Uproxx.) W kontekście utworu tak promiennego i radosnego, brzmi to bardziej jak deklaracja niż rezygnacja, gdy śpiewa: „Nic nigdy nie jest wystarczająco dobre / Czułość to wszystko, co mam.”

Być może ciepło i pewność siebie albumu wynikają z powracania i ponownego oceniania samej siebie, które Duterte przeżywała podczas jego powstawania. Po okresie wyczerpania, lęku i decyzji o wytrzeźwieniu po jej ostatnim albumie, wynajęła sama dom w Joshua Tree, gdzie spędzała dni w odosobnieniu i pisała Anak Ko. „Obserwując, jak godziny mijają / w samochodach bez szyb / Konstruując płytkie marzenia o / Kradzieży w Whole Foods,” śpiewa w „Nighttime Drive.” Można usłyszeć izolowane rozmyślania i ogromną przestrzeń pustynnego krajobrazu w powolnych interludiach fortepianowych i rozwijających się zakończeniach ze smyczkami oraz w zakamarkach całego albumu.

Wiele momentów przypomina ciepły, delikatny sposób mówienia do ukochanej osoby, która jest trochę zagubiona. W szczególności zakończenie albumu, bogaty utwór country, nasycony pedal steel i pełen troskliwego przewodnictwa dotyczącego uzależnienia, jest szczególnie poruszający. „Byłem tak chory jak ty / Miałem swoje udziały / Nie chcę cię znaleźć / Po drugiej stronie,” śpiewa.