Roberta Flack schitterde op 'Quiet Fire'

Dit ongebruikelijke traject werd voortgestuwd door een ongebruikelijke wending van gebeurtenissen. Ondanks de release in 1969, bereikte First Take pas drie jaar later in 1972 de nummer 1-positie op de pop- en R&B-lijsten. De opname van de single "The First Time Ever I Saw Your Face" in de film Play Misty For Me leidde tot de daaropvolgende explosie van het album. Actor Clint Eastwood hoorde het op de radio terwijl hij aan het rijden was en was zo getroffen door het grotendeels ongeëvenaarde juweeltje van een nummer dat hij Flack onmiddellijk belde en vroeg of hij het kon gebruiken in zijn regiedebuut. Dit nummer katapulteerde Flack naar superstardom, en het werd niet alleen een grote hit in Amerika, maar ook internationaal. Dit was goed voor Flack's carrière en haar eerste album, maar het overschaduwde de maandenlange stijgende verkoop en de kritische lof voor Quiet Fire. Hierdoor werd Quiet Fire haar enige album zonder een Top 40-hit. Zo gaat de geschiedenis. Echter, in de mening van meer dan een paar fans vertegenwoordigt het ondergewaardeerde Quiet Fire een van haar beste werken.

Het album, net als Flack zelf, heeft een complexe positie in de annalen van de muziekgeschiedenis. Flack’s biografie sluit in veel opzichten aan bij het verhaal van Quiet Fire. Kort na deze release werd ze gerekend tot de bestbetaalde vrouwelijke artiesten in het midden van de jaren '70. Toch waren er velen die haar muziek als te mainstream, te AM-radio, te ingetogen beschouwden en die het gebrek aan soul vermoeden, dat van Black singers werd verwacht. Toen een strenge Londense criticus haar set voor de eerste keer zag, reflecteerde hij: “Het heeft niets te maken met een gebrek aan talent, noch met een gebrek aan fantasierijke arrangementen ... maar hangt eerder samen met haar voorkeur voor ultra-langzame nummers die klinken als een oude handbediende grammofoon wanneer deze op zijn laatste benen loopt.” Omdat Flack zich bevond in een tijdperk met zoveel sterke en onderscheidende vrouwelijke stemmen, werd ze in de beginjaren vaak vergeleken met Aretha Franklin of Nina Simone.

Veel van deze recensies waren sterk beïnvloed door gender- en raciale verwachtingen en berekenden haar betekenis vreselijk verkeerd. Haar volledige kunstzinnigheid wordt tegelijkertijd belicht en verduisterd. Als men verder luistert dan haar radiohits en haar uitgebreidere catalogus en haar legendarische live-sets in zich opneemt, zijn de diepte en reikwijdte van haar muziek, in al zijn vele kleuren, gemakkelijk te horen. Ook haar professionele en veelzijdige muzikale achtergrond wordt duidelijk. Ze legde aan een interviewer uit: “Ik zou mijn publiek willen illustreren dat muziek een voortdurende stroom van bewustzijn is.” Quiet Fire vervult deze ambitie zeker.

Flack’s muzikantschap begon op jonge leeftijd als dochter van Laron en Irene Flack, een tekenaar en schoolkok, respectievelijk, die beiden serieuze pianisten waren in hun vrije tijd. Haar moeder speelde orgel in de kerk en haar vader was een jazzvertolker. Ze begon te spelen terwijl ze op hun schoot zat. Op vijfjarige leeftijd verhuisde ze met haar familie naar Arlington, Virginia, een stad op een paar minuten rijden van Washington, D.C., en al zijn muzikale invloeden en genialiteit. Het is ondenkbaar dat deze nabijheid van de hoofdstad geen impact zou hebben gehad op haar muzikale persona, zelfs als het alleen degenen in haar omgeving beïnvloedde. Ze beschreef haar bestaan als adolescent als een routine van school-kerk-oefening. Tegen de tijd dat ze negen was, was ze goed onderlegd in gospel en populaire muziek. Ze zou binnenkort serieus klassieke muziek bestuderen, en zelfs tweede worden in een staatswedstrijd in 1952 met haar uitvoering van een sonate van Scarlatti.

Na het overslaan van verschillende klassen, verkreeg ze op 15-jarige leeftijd een pianoinzaakbeurs aan de Howard University. Ze wisselde al snel van piano naar een major muziekonderwijs. Zoals veel zwarte vrouwelijke piano virtuosen, zoals Hazel Scott en Nina Simone, werd haar verteld dat succes als concertpianiste in de klassieke muziek onwaarschijnlijk was gezien de raciale barrières in Amerika. De verandering van studie was gericht op een duurzame carrière, maar het zorgde er ook voor dat ze zangtraining kreeg, iets wat aanvankelijk op de achtergrond kwam ten opzichte van haar muzikantschap. Na het behalen van haar diploma op 19-jarige leeftijd, gaf Flack les in muziek van 1959-1966. Gedurende deze tijd bleef ze haar eigen carrière ontwikkelen, leidde ze gospelkoren, gaf ze zangles en volgde ze operalessen.

Ze begon 's nachts te optreden en kreeg uiteindelijk een langdurige residency bij Mr. Henry’s op Capitol Hill in D.C. Vanwege haar overweldigende populariteit bouwde de eigenaar, Henry Jaffe, een bovenkamer speciaal voor haar optredens. Het had kerkbanken en akoestiek die waren bereikt via Flack’s specifieke geluidsvoorkeuren en de gewenste indeling. De ruimte werd elke nacht bezocht door audiofielen, de lokale hippe set, muzikanten en beroemdheden zoals Bill Cosby, Carmen McRae, Woody Allen, Johnny Mathis en Ramsey Lewis. Ze speelde jazz, folk, gospel, rock, klassiek en soul. Jazzpianist Les McCann, die haar naar Atlantic Records zou brengen, had over de 29-jarige performer gehoord. Hij beschreef de eerste keer dat hij haar zag als volgt: “Het was een geluk dat ik een plek vond voordat ze plaatsnam achter de piano en haar eerste noot zong, want mijn knieën zouden het nooit hebben overleefd als ik had moeten staan ... haar stem raakte, tikte, trapte en gevangen elke emotie.”

Toen ze auditie deed voor de superproducer van Atlantic Records, Joel Dorn, speelde Flack 42 nummers uit haar repertoire van 200 songs. Ze werd onmiddellijk getekend en nam 39 demo's op in de Manhattan-studio's van RCA. De reikwijdte van de nummers was ongelooflijk: Sam Cooke’s “A Change Is Gonna Come,” Leonard Cohen’s “Suzanne,” Tammi Terrell en Marvin Gaye’s “Ain’t No Mountain High Enough” en Oscar Brown Jr.’s “Afro Blue” werden allemaal met meesterschap en innovatie uitgevoerd. Zes van deze nummers en twee andere zouden de nummers voor haar eerste album worden, waarmee het zijn titel kreeg, First Take. Haar strenge training in vele genres, waaronder klassiek en gospel, evenals haar ervaring in verschillende muzikale beroepen, van leraar tot nachtclubperformer tot koordirigent tot zangcoach, leidde tot dit album. Nog belangrijker is dat het zou leiden tot haar onclassificeerbare stylisatie en bijdragen aan de muziek.

Het is belangrijk op te merken dat de aard van haar ontdekking, haar oorspronkelijke demo-opnames, evenals haar eerste en latere albums allemaal wijzen op haar ongeëvenaarde artistiekheid. De doorsnede van muzikanten die zich aangetrokken voelden tot haar optredens, zelfs als nachtclubperformer, en de ongelooflijke diversiteit van haar materiaal, wijzen op haar als muzikante in de eerste plaats — voorbij haar opleiding — wiens stem slechts een van haar instrumenten is. Ze heeft gezegd over haar benadering van haar ambacht: “Ik zou zeggen dat mijn muzikale achtergrond grondig bestudeerd was. Ik voel dat er niets instinctiefs is aan kunst. Er is heel veel instinct bij creativiteit, maar kunst is een wetenschap.” Terwijl al haar werk deze benadering weerspiegelt, is het het meest levendig te zien in wat wordt beschouwd als haar "klassieke periode," die haar eerste zes albums beslaat, beginnend met First Take (1969), eindigend met Feel Like Making Love (1975) en met inbegrip van Quiet Fire. Natuurlijk is dit ook vooral evident op haar veelgeprezen duetalbum met mede-Harvard alumnus Donny Hathaway in 1972. Hun sublieme samensmelting is nauwkeurig, magisch en schijnbaar wetenschappelijk. Dit album bereikte nummer 3 op de Billboard lijst en leverde twee nummer 1 R&B-hits op, “The Closer I Get to You” en “Where Is The Love.” Tijdens deze periode zou Flack muziekgeschiedenis schrijven door de eerste artiest ooit te worden die in twee achtereenvolgende jaren (1973 en 1974) de Grammy voor Record of the Year won.

Flack’s betekenis reikt verder dan haar opnames. Haar live-optredens waren krachtiger en complexer dan wat er op plaat kon worden vastgelegd, wat natuurlijk het kenmerk is van een groot artiest. Ze moet ook krediet krijgen als vrouwelijke producer — een zeldzaamheid zelfs vandaag de dag — die al zo vroeg als het midden van de jaren '70 begon. Zodra ze de controle over de studio-productie van haar platen overnam, produceerde ze het grootste deel van haar materiaal. Uiteindelijk heeft ze meer dan 20 albums uitgebracht en het aantal groeit nog steeds. Flack ontving de Lifetime Achievement Award van de Recording Academy in 2020, ter erkenning van haar enorme impact. In dat kader moet Quiet Fire dieper worden opgenomen in haar kerncanon en dat essentiële oeuvre.

De eenvoudige hoes van Quiet Fire verbergt wat erin zit. De afbeelding toont Flack, gevangen met een lach die over haar gezicht verspreidt. Het is vreugdevol. De titel van het album, gevolgd door haar naam, omringt het perfect verzorgde afro dat haar gezicht omlijst. “Quiet fire” verwijst niet naar het titelnummer van het album; eerder geeft het de stemming, muziek en Flack’s artiestenrol aan. Het soul- en gospel-geïnflateerde “Go Up Moses” brengt meer dan een beetje kerk naar de opening van het acht-track album. Het nummer, een samenwerking tussen Flack, Joel Dorn — die haar eerste vijf albums zou produceren — en dominee Jesse Jackson, voelt als een urgente aankondiging, een oproep tot actie. De titel is een woordspeling op de bijbelse frase en spiritual “Go Down Moses,” die verwijst naar het verhaal van Mozes die vrijheid eist voor de Israëlieten van de farao. Het nummer is een bijzonder scherp politiek nummer en weerspiegelt de turbulente tijden waarin het werd opgenomen. Het gaat verder dan het eisen van bevrijding, en dringt er bij de luisteraar op aan: “Mijn mensen / laat de Farao gaan ... de Farao wil niet, maar hij heeft je nodig ... Zonder jou is er geen Farao.” Het nummer toont Flack’s behendigheid en muzikale veelzijdigheid. Sterker nog, luisteraars kunnen verrast zijn dat de openingsnummers van haar eerste drie albums — "Compared To What" op First Take, "Reverend Lee" op Chapter Two, en "Go Up Moses" — allemaal langzame ballades zijn.

“Go Up Moses” heeft een neef in “Sunday And Sister Jones,” het derde nummer. De verwantschap ligt niet in politieke of religieuze boodschappen, maar in hun afhankelijkheid van een solide doorlopende lijn van relaxte funk. Het werd geschreven door Eugene McDaniels, die ook “Compared To What” en Flack’s handelsmerk “Feel Like Making Love” schreef. Het is het enige ander relatief uptempo nummer op de plaat. Het vertelt het emotionele verhaal van de vrouw van een dominee die haar man heeft verloren en voor haar eigen dood bidt. Ze overleeft de dag niet. De muzikanten op deze opname fungeren werkelijk als een tweede stem op Flack’s inflecties, met name baanbrekende percussionisten Bernard Purdie en Ralph MacDonald. Andere muzikanten die de rijke begeleiding van Flack’s stem door de hele verzameling creëren, zijn jazzgrootheden zoals saxofonist Seldon Powell, drummer Grady Tate en fluitist Hubert Laws.

Flack's vermogen om het Amerikaanse songbook te interpreteren is hier ook in volle glorie te zien. Een recensent over Quiet Fire zei dat Flack’s versie van Simon & Garfunkel’s “Bridge Over Troubled Water” een “hymne, een totale ervaring” was. Zijn beschrijving kon niet meer accuraat zijn. Flack brengt het tempo tot stilstand en wordt hemels ondersteund door de krachtige Cissy Houston en The Newark Boys Chorus. Voor een nummer dat al honderden keren is geïnterpreteerd, valt Flack’s versie op. “Will You Still Love Me Tomorrow”, geschreven door Carole King en Gerry Goffin en oorspronkelijk met veel succes opgenomen door The Shirelles, is de eerste opname op de tweede kant en was de eerste single van het album. Flack's vertraagde versie maakt het nummer schattiger en minder tienerpops. Evenzo wordt de Bee Gees’ “To Love Somebody” op Quiet Fire getransformeerd tot een introspectief en bluesy torch song terwijl Flack en haar muzikanten dit nummer naar een trillend crescendo opbouwen. De extra nummers op het album zijn een trieste afscheid in “See You Then,” de sassy “Let Them Talk,” en de pijn van “Sweet Bitter Love.” Gezien als geheel, is de plaat een soul serenade. Onderzoeker en cultuurcriticus Jason King heeft Flack’s magie beschreven als verankerd in haar vermogen om haar stem en complementaire muzikale vaardigheden te gebruiken om te functioneren in “vibe,” wat hij definieert als “collectieve intimiteit.” De architectuur van Flack’s betoverende sonore vibe is helder te horen op deze verzameling. Nogmaals, slechts een van haar vele bijdragen aan de Amerikaanse muziek.

Zoals veel iconen, en ik gebruik dat begrip hier niet lichtvaardig, Roberta Flack en haar klassiek georiënteerde, operatische, gospel- en soul-gefundeerde muziek op Quiet Fire liep vooruit op ons naar een toekomst die velen niet konden — en kunnen — voorstellen. Muzikale reuzen zoals Stevie Wonder, Marvin Gaye, Alice Coltrane, David Bowie en Sly and the Family Stone doordrongen tegelijkertijd de ether met Flack. Zelfs binnen de radicale, mooie en transgressieve fusie en experimentatie van vroege jaren '70-muziek, konden we geen muziek waarnemen die minder gemarkeerd was door ras, gender, klasse en rigide categorisering en genre. Haar muziek kan andere noten raken, maar zij staat niet apart in haar doel. Het moet worden toegevoegd aan de collectieve duw van dat muzikale moment om ons allemaal een glimp van een onbelemmerde toekomst ergens te geven.