1970년대 중반에 McCoy Tyner의 사이드맨으로 활동하던 이 색소폰 연주는 정기적으로 그의 전임자인 Sonny Fortune과 고인이 된 John Coltrane과 비교되곤 했습니다. 1974년 Prestige에서 발매한 그의 앨범 Bridge Into The New Age는 후자의 전통을 훌륭하게 이어갔으며, 그 시대의 잘 존경받는 음반으로 남아 있습니다. 그러나 10년이 끝날 무렵, Azar Lawrence는 많은 동료들과 마찬가지로 펑크와 디스코로 전향하였으며, Le Pamplemousse의 앨범이나 그의 단명한 Chameleon의 레코드에서 활발히 활동하였습니다. 밀레니엄이 지난 후 재즈 세계로 돌아온 그의 행보는 Trane에 대한 경의를 표하는 것을 기초로 하였으며, 이는 2016년의 Frontiers에서 Al McLean과 함께 이어졌습니다. 따라서 그의 최신작 Elementals는 재즈의 영적 형식을 염두에 두고 있지만, 복고풍의 일로 보이지는 않습니다. 80년대 부기 세션맨 Munyungo Jackson과 Leno 시대의 Tonight Show 드러머 Marvin Smith와 함께한 쿼텟에 의해 뒷받침된 Lawrence는 “Solar Winds”와 “African Chant”에서 동양적인 방향을 탐색하며, “Koko”에서 본토로 돌아옵니다. Coltrane의 1962년도 스탠다드 “It’s Easy To Remember”에 대한 충실한 경의를 표하는 이 곡은 품격과 우아함을 지닌 채로 흘러갑니다.

여덟 명 나아 아홉 명의 대규모 빅 밴드에 대한 모든 존경을 표하면서도, 고품질의 트리오를 경험하는 것만큼 만족스러운 것은 없습니다. 확실히, 심지어 가장 유용한 연주를 위해 플레이어들의 함대가 소집되는 불편함은 나이든 사람과 순진한 사람 모두를 매료시키는 경우가 많습니다. 하지만 Theo Hill의 그룹처럼 트라이어드가 절정의 성과를 내었을 때는 주의해야 합니다. 뉴욕 씬에서 친숙한 얼굴인 이 피아니스트는 도시의 다양한 시설에서 열심히 일하고 있으며, 이는 그가 두 번째 밴드리더 세트를 2년 연속으로 발표한 데서 분명해집니다. 베이시스트 Rashaan Carter와 드러머 Rudy Royston과 함께 그는 여러 곡의 오리지널과 커버 곡을 능숙하게 선보이며 뛰어난 공예성을 과시합니다. 그는 “Cyclic Episode”에 대한 끈질긴 해석으로 Jaki Byard에게 경의를 표하고, “Thorn Of A White Rose”에서는 Miami Vice 이전의 Jan Hammer를 과감하게 혼합하여 곡을演出합니다. 그 외에도 Hill은 “Retrograde”에서 일렉트릭 사운드를 제공하며, 리듬 섹션이 곡을 증폭시키는 테크닉의 내부 지식을 암시하는 제목을 지닌 자유로운 축제로 발전합니다.

최근 한 달간 West Village에 위치한 그의 레코드 레이블 이름과 같은 주요 장소에서 Robert Glasper는 그의 범위를 포괄적으로 보여주었습니다. 타이트한 트리오 날짜부터 Miles Davis와 Mulgrew Miller를 기리기 위한 계속된 밤까지, 밴드리더는 며칠에 한 번씩 모드 간을 전환하며 힘의 feats을 수행하는 것처럼 보였습니다. 공연이 끝나갈 무렵, 피아니스트는 R+R=NOW라는 대형 프로젝트를 공개했습니다. Terrace Martin, Christian Scott aTunde Adjuah와 같은 현대적인 거장들과의 해안 간의 협업인 이 앨범은 각 마에스트로들이 혼자서도 주도할 수 있고 정기적으로 하곤 합니다. 모두 함께, Collagically Speaking은 이 클랜의 집합된 힘을 축하합니다. Glasper는 키를 다루면서 “Change Of Tone”에서 연주하고, Brainfeeder 출신의 Taylor McFerrin — 보컬 전설 Bobby McFerrin의 아들 —과 Martin은 대부분의 곡에서 신디사이저를 맡아 “By Design”과 같은 우주적인 즐거움을 만들어 냅니다. 많은 공간을 차지한 이 셋과 비교하여도, 리듬 섹션인 Derrick Hodge와 Justin Tyson은 단순한 시간을 지키는 것이 아니라 훨씬 더 많은 역할을 수행합니다. Scott은 물론, 그의 트럼펫 연주에서 “The Night In Question”에서는 특히나 강렬한 연주를 보여줍니다.

솔로 베이스 연주는 클럽을 빛나게 하지 않지만, 예를 들어 한 구석에서 열심히 일하는 피아니스트의 연주처럼 느껴지지 않을 수 있습니다. 본질적인 깊이가 있음에도 불구하고, 이 악기는 대개 세련된 지지대의 구조 속에서 존재하여 그 확고한 견고성과 유연성과 같은 이해할 수 없는 상태로 경이로움을 불러일으킵니다. 독립적인 특징이 사랑받지 않는 이중베이스도, 베테랑 Barre Phillips의 손에 의해 양질의 경이로움이 됩니다. End To End는 세 개의 명명된 곡으로 각각 4분의 1과 5분의 1로 나뉘어 제시되며, 1968년의 Journal Violone으로 본격적으로 시작된 작업에 대한 수십 년간의 충실함과 헌신적인 산업을 보여줍니다. 끔찍하게 매혹적인 각 구간은 찰나의 느낌보다는 필립스의 선택에 더 좌우됩니다. 주변의 개념적 호기심을 따르면서, 쌍둥이 곡 “Inner Door, Pt. 4”와 “Quest, Pt. 4”는 필수적인 뼈대처럼 느껴지며, 반복되는 구문이 기반과 긴장을 제공합니다. 정적인 부분에서는 그의 호흡이 가장 Eno다운 의미에서 환경 요소로 나타나기도 합니다.

시카고는 현재 미국에서 가장 소리적으로 다양한 힙합 씬 중 하나를 자랑합니다. 민감한 거리 시인들과 트랩 하우스 테러리스트들이 그들의 커뮤니티를 넘어 주목을 요구하고 있습니다. 그 중 전자에 속하는 Noname은 2016년 비평가들의 사랑을 받은 믹스테이프 Telefone의 후속작을 내놓았습니다. 더 Q-Tip 적인 스타일과 Ken Nordine 스타일을 조합하여 그녀의 워드 재즈는 개인적인 내러티브를 감동적으로 관찰하며 그녀의 통찰력 있는 시선은 자주 그녀의 뒷마당을 향해 향합니다. “Blaxploitation”은 그녀의 도시의 위선을 드러내며 South Side와 Wicker를 인용하고, 이를 국가 차원으로 확대합니다. 타이틀 트랙에서는 20대 성의 복잡성을 다루면서 대인관계의 주고받음에 대한 날카로운 시각을 제공합니다. “Don’t Forget About Me”에서는 죽음과 소규모 명성을 다루며, “Regal”에서는 반신적인 신조를 읊어내며 청중들을 압도하지만, 악기 연주는 그들을 잠식합니다. Noname과 공동 프로듀서 Phoelix이 음악적으로 이뤄낸 것은 네오 소울 템플릿의 정서를 초월하여, 경험이 풍부한 재즈 팬들과 서정적 랩 애호가들의 공유된 감성에 특히 잘 어울립니다.

Kendrick Lamar의 To Pimp A Butterfly부터 Brainfeeder 앨범까지, West Coast Get Down이 현대 재즈에 미친 영향은 결코 과소평가될 수 없습니다. Kamasi Washington의 삼중 디스크의 업적 The Epic는 그와 그의 뛰어난 연주자들로 하여금 이번 10년간 가장 뜨거운 이름들 중 일부가 되도록 했으며, 이 음악에 대한 대화는 과거형에서 현재형으로 급격히 바뀌었습니다. 몇 년간 이 폭넓은 앨범의 여파로 전 세계를 투어한 후, 색소폰 연주자의 여름의 대귀환은 같은 에너지를 유지했습니다. 패키지 안에 사실상 숨겨져 있는 세 번째 앨범을 가진 더블 앨범인 Heaven And Earth는 제목이 암시하는 최대주의를 충족시킵니다. 우주적인 것과 고전적인 것 모두에서 영감을 받은 그의 최신 모음집은 그가 만들어낸 우주를 확장합니다. 브루스 리의 Fists Of Fury 주제가의 커버로 이끈 다소 엉뚱한 접근은 이러한 녹음에 진정한 영화적 규모를 부여하며, “One Of One”과 “Vi Lua Vi Sol”과 같은 빈부의 수치에서 명백하게 나타납니다. 합창단이 감탄하며, 관현악의 장식이 “Will You Sing”의 화려한 종막식에 추가된 pomp를 더합니다.

신비한 오프너 “Vibrations”에서는 뭔가 악의적인 것이 작용하는 것처럼 보입니다. 크라우트락과 힙합 간의 존재론적 간극을 자유 재즈의 렌즈로 연결하며, 이처럼 예상치 못한 동맹의 모임이 무언가를 조명합니다. “Cyclical / Physical”에서 비트가 떨어질 때 그 무엇이 형태를 갖추기 시작하며 MC Dälek는 정교하고 금속적인 폭풍 속에서 시적이고 심오한 바를 떨어뜨립니다. 노이즈닉스가 2005년 Roskilde에서 Sonic Youth와 Merzbow와 함께 했던 기념비적인 공연에서 떠올린 색소폰 연주자 Mats Gustafsson은 이후 동명의 트랙에서 래퍼의 머리에서 점점 전투적으로 견주며, 동료 Fire! 드러머 Andreas Werliin의 리듬을 배경으로 깔고 있습니다. Faust의 공동 창립자인 Hans Joachim Irmler가 어떻게든 조정한 Anguish는 올해 가장 예상치 못한 재즈 하이브리드이며, 나중에 회상할 때 가장 효과적이기도 합니다. 하드 록과 인디 랩이 이 춤을 가져온 적은 있지만, 이 무법자 행동은 남녀노소를 위해 순수하게 표현되고 있습니다. Dälek의 뉴저지색 목소리와 Gustafsson의 다른 세상 같은 연주는 종종 지배적이지만, “Brushes For Leah”와 같은 반사적인 악기 연주도 이 거래의 존재론적 두려움에서 벗어나지 않습니다. 장르 스릴러는 부서진 장르에서 태어났습니다.

다양한 음악 스타일을 아우르는 힘있는 지역인 휴스턴은 재즈 인재의 중심지로서 수차례 증명되었습니다. Chris Dave와 Robert Glasper와 같은 현대 연주자들의 전통에 따라 이 도시는 다시 한번 피아니스트 James Francies를 배출했습니다. The Roots와 Chance The Rapper에 인연이 닿은 뉴욕 이주민이자, 그는 겨우 23세의 나이에 그의 첫 번째 정규앨범을 이끌고 있습니다. 11곡을 아우르는 이 앨범은 젊음의 에너지가 물씬하며, 약 1시간 분량의 기간 속에 넘치는 기량을 선보입니다. 부분적으로 프로듀서 Derrick Hodge의 영향 덕분일 것입니다. 휴스턴 출신들이 포함된 팀과 함께 힙합과 R&B의 각도를 잘 표현하며, “Crib”의 피곤한 중간에 백보드에서 너무 직접적으로 이뤄진다. Francies의 데뷔작은 아크로스틱과 전기를 혼합하면서 전체적으로 현대적입니다. “Dark Purple”의 거의 환각적인 평온함은 “Sway”의 신나는 언덕길의 주행과 대조되지만, 두 트랙 모두 앨범의 전반적인 미적 감각에 부합합니다. 유일한 커버인 “Ain’t Nobody”는 Chaka Khan의 뛰어난, 비록 구식인 전자 원작보다 더 유연하게 발산됩니다.

카바레는 종종 자가 파괴적이 될 수 있으며, 그 친밀감은 작은 함정과 실패로 점철됩니다. 그와 같은 공간에서는 가수와 피아니스트가 함께하게 되면 실수의 여지가 거의 없어지며, 결점을 숨길 만한 구석도 거의 없습니다. 동시에, 정직함의 가능성은 흥분을 길게 하여, 쫓고자 하는 불완전한 우수성을 제공합니다. 그리고 우리가 Cécile McLorin Salvant와 Sullivan Fortner에 대해 이야기하고 있으므로, 이 두 보석 같은 아티스트들을 생각할 때 후자 시나리오가 발생합니다. The Window에서, 그들의 따뜻한 듀오 공연은 2010년 Thelonious Monk 국제 재즈 대회에서 우승한 그녀의 지위를 더욱 확인합니다. 없어서는 안 될 스탠다드와 쇼튠인 Stephen Sondheim의 ‘Somewhere’가 프랑스어든지, 브로드웨이의 호기심으로 섞입니다. 그 세 번째 카테고리에서 “The Gentleman Is A Dope”는 Ella Fitzgerald의 “Trouble Is A Man”의 무게를 앞둔 신랄한 코미디를 제공합니다. 독특하든 예상되든 그녀의 선택은 압도적인 아름다움, 격렬함, 그리고 덧없음을 가지고 생명을 닿게 합니다. 청중이 박수를 보내고 있는 상황에서 녹음된 소수의 곡들은 그 없던 발음을 뚜렷하게 떠올릴 수 있습니다.

젊은 미니애폴리스 출신이자 3세대 재즈맨인 그는 앨범을 비트 테이프처럼 시작하며, “River Song”은 원조 Dilla처럼 두드려가는 느낌입니다. 그러나 이 트랙의 점진적인 출현은 잊혀진 보컬리스트 J Hoard에 의해 상승된 우주적 소울로 발전하며, 피아노와 키보드에서 Javier Santiago의 작곡적 brilliance를 완벽하게 포착합니다. 신화 속 생물과 같이 Phoenix는 불꽃같은 효력과 함께 탄생하며, 불타는 붉은 작품은 발의 근본적 속성과 같습니다. 대체로 성가신 Adult Swim 쇼 길이가 주변하며, 동명의 제목곡은 높은 주파수에서 진동하며, Fender Rhodes는 바람 제어기와 색소폰을 한층 더 생동감 있게 합니다. “Gaia’s Warning”의 초기 귀여운 느낌은 곧 부드러운 감동을 주며, “Abyss: Light”는 그의 긴급성을 강조합니다. 좌우의 힙합과는 또 다르게 “Tomorrow”의 미친 타악기 장난 속에 그의 배경인 능동적인 비트워트를 증명합니다. 앨범의 피날레인 “Alive”의 중독성 있고 유익한 출발은 그가 스타가 될 수 있는 인물임을 분명히 드러냅니다.