2016년 어워드 시즌의 인기작 La La Land의 한 장면에서, 배우 지망생 미아(엠마 스톤)는 파티에서 고전하는 재즈 피아니스트 세바스찬(라이언 고슬링)과 우연히 마주치고, 그가 코믹하게 1980년대 커버 밴드에서 연주하는 것으로 축소되어 있는 것을 깨닫습니다. 그녀는 A Flock of Seagulls의 뉴웨이브 클래식 “I Ran”을 요청하는데, 이는 그에게 분명한 불편함을 유발합니다. 나중에 세바스찬이 미아와 대면했을 때, 그는 항의합니다, “하지만 진지한 음악가에게 'I Ran'을 요청하는건 너무하잖아.” 이는 능숙하게 짜여진 코믹한 장면이지만, 더 큰 질문을 던집니다: 무엇이 '진지한 음악가'로 하여금 80년대 팝의 특유한 신스 드리븐 사운드를 경시하게 만들까요?
"물론 신시사이저보다 더 반감을 사는 것은 없었다,"라고 Morrissey는 1983년 11월 인터뷰에서 영국의 팝/록 신문지 Sounds와의 인터뷰에서 언급한 적이 있습니다. 이는 도발적인 주장였지만, 결코 독특한 것은 아니었습니다. 80년대 초반, 신스팝이 팝 차트를 지배하면서 소비주의와 비진정성을 상징한다고 믿는 많은 사람들은 필연적인 반문화적 반발을 보였습니다.
신스팝은 종종 더 강하고 남성적인 사운드를 가진 록과 이분법적으로 대립하는 것으로 여겨졌습니다. 평론가들은 60~70년대의 진정성 있는 기타 주도적 편곡의 소리의 순수를 그리워 하며, 신스팝을 그저 얕고 단순한 인위적 작품으로 비난했습니다. Rip It Up and Start Again: Postpunk 1978-84에서 음악 기자 Simon Reynolds는 Echo & The Bunnymen의 Les Pattinson이 "많은 이 젊은이들은 재능이 없다 [...] 어떤 농장 말이라도 신시사이저를 찰 수 있다"고 단언했다고 설명합니다.
또한 Queen과 Neil Young 같은 전통적인 록 아티스트들이 1982년 Hot Space와 Trans를 통해 신시사이저 음향을 시도하는 경우도 있었습니다. Queen은 1980년 호평을 받은 The Game에서 처음으로 신시사이저를 사용했으나, Hot Space는 드럼 머신과 희소하고 세련된 프로덕션을 도입하여 그 실험을 새로운 수준으로 끌어올렸습니다 (특히 "Body Language"에서는 밴드의 유일한 두드러진 기타가 없는 싱글로 기억되고 있습니다). 그것은 Michael Jackson의 기념비적인 Thriller에도 영향을 미쳤지만, 여전히 Queen의 가장 실망스러운 앨범 중 하나로 기억됩니다.
마찬가지로 많은 오랜 Young 팬들은 Trans의 독특한 공상과학적 사운드스케이프에 당황했습니다. 이 앨범은 독일의 전자 음악 개척자 Kraftwerk의 영향을 받았으며 신클레이비어와 보코더를 많이 사용했습니다. 앨범의 기계 같은 왜곡 사용은 Young의 말이 없고 뇌성마비를 가진 아들 Ben과의 소통을 반영하려는 의도에서 비롯된 것이었습니다. 그러나 그 선택은 대중에게 전혀 통하지 않았습니다 - Trans와 후기의 로커빌리 앨범 Everybody's Rockin'은 Young이 고의로 비실용적이고 "음악적으로 비특징적"인 작품을 만들어냈다는 이유로 그 당시의 레이블인 Geffen Records가 Young을 상대로 제기한 소송의 기초가 되었습니다.
신스팝과 그 팬층에 대한 일반적인 비난은 "영혼 없는" 성격에 초점을 맞췄습니다. 이는 진정한 음악적 정체성의 기준이 무엇인지에 대한 암묵적인 기준 속에 숨어 있었습니다. 신시사이저는 접근성과 연주의 용이성 덕분에 빠르게 인기를 얻었습니다 - Depeche Mode의 Dave Gahan이 1981년의 Trouser Press 기사에서 "요즘 팝 음악에는 기술적인 능력이 필요없고, 아이디어와 곡을 쓸 수 있는 능력이 필요하다. 그것이 가장 중요하다."고 언급했습니다. 신시사이저는 민주화된 악기였으며 음악 제작이 독창성과 기술적 능력에만 의존한다는 믿음을 위협하는 것 같았습니다. 아일랜드 펑크 밴드인 Undertones는 1980년 싱글 "My Perfect Cousin"에서 이 태도를 다음과 같이 간단히 요약했습니다. "엄마가 그에게 신시사이저를 사줬고 / Human League를 불러들여 조언을 구했다"며, 주인공을 "아트 스쿨 소년들과 어울리며 자아도취에 빠져"있는 위선자로 묘사했습니다.
그러나 신스팝이 단조롭고 전문 기술을 거의 필요로 하지 않는 장르라는 고정관념은 분명히 잘못된 것입니다. 1980년대 초반의 차트 상위권 곡들인 "I Ran"과 "Tainted Love"는 기계를 사용해 긴장감 넘치는 관능적 불안을 불러일으켰으며, "Don't You Want Me"와 Orchestral Manoeuvres in the Dark의 "Enola Gay"와 같은 명쾌한 곡들은 각각 성 정치와 반전 시위를 주제로 한 기만적인 서브버션 노래에 걸맞는 중독성 있는 후크를 완벽하게 만들어냈습니다. 그러나 신시사이저의 저렴함과 빠른 학습 곡선 덕분에 신스팝은 시원하고 인위적이며 상업적인 것으로 인식되었습니다 - 유기적이고 풀뿌리적인 펑크와 대안 록의 열정과 비교하여. OMD의 Andy McCluskey는 장르 간의 명백한 극성을 관찰하며 "일부 면에서는 신시사이저가 펑크 시대에 그렇게 미움받은 것이 꽤 이상하다. '누구나 할 수 있다'는 윤리를 믿는다면 신시사이저는 이상적인 펑크 악기다"라고 빈정댑니다.
더욱이 기타 록이 남성적인 성격을 계속해서 유지하는 반면, 신스팝의 젠더 표현은 뚜렷하게 모호했습니다. Reynolds는 미국 인디 씬에서 주로 영국 신스팝 물결이 퀴어와 연관되었다고 주장합니다 – 비평가들은 장르를 단순히 "아트-페그" 음악이라고 경멸했고, 반발적인 반응은 그 공연자들을 "엘리트적인 클로짓 여왕"이라고 묘사했습니다. 이 장르는 대담한 감각성을 보여줬으며, 때로는 악기만으로도 표현되었습니다 – 예를 들어, "Don't You Want Me"와 Eurythmics의 "Sweet Dreams (Are Made Of This)"는 각각 이기적인 욕망의 밀고 당김을 암시하는 차가운, 매끄러운 리프를 특징으로 합니다. 그러나 이러한 주제는 가사로도 명확하게 표현될 수 있습니다. Depeche Mode의 "Master and Servant"는 "지배는 게임의 이름이다 / 침대에서든 삶에서든 / 둘 다 똑같다"라고 대담한 채찍과 사슬 소리 효과와 함께 선언하는가 하면, Soft Cell의 캠피한 "Sex Dwarf"는 "너 / 긴 검은 줄에서"에 대한 갈망과 신음으로 대표되는 후렴구로 더욱 나아갑니다.
아티스트들도 대중 이미지로 시대의 성 규범에 도전했습니다 – Martin Gore는 치마와 가죽 속박 장비를 입고, Marc Almond와 Phil Oakey는 아이라인과 립스틱을 즐겨 사용했으며, Dead or Alive의 Pete Burns는 카멜레온처럼 변신하고, 성형 수술로 수정된 외모를 선보였습니다. 여성 아티스트 역시 양성성의 공통된 테마를 보여주었는데, Annie Lennox의 시그니처 정장과 Joanne Catherall와 Susan Ann Sulley의 아마존적 자태에서 드러납니다. 신시사이저의 우주 시대 음향 정밀성을 불러일으키는 능력과 함께, 이러한 미학은 성 퍼포먼스가 자유롭고 무조건적인 선택일 수 있는 유토피아적 미래를 제안했습니다.
성차별적인 순수주의자들이 이러한 표현을 인위적으로 여겼을 지 모르지만, 신스팝의 "젠더 베딩" 성격은 메인스트림 록 문화의 남성성에서 소외감을 느끼는 여성 및/또는 LGBTQ 관객들을 격려했습니다. 또한 뉴 웨이브와 신스팝은 Wendy Carlos의 기여로 직접적으로 이어졌다는 점에서 적절합니다 – 트랜스젠더 여성이자 모그 신시사이저를 1968년 혁신적인 클래식-전자 앨범 Switched-On Bach으로 대중화하고, A Clockwork Orange, The Shining, Tron의 악보를 작곡한 Wendy Carlos는 성전환 수술을 받았다고 공개한 초기 유명 인사 중 하나이기도 했으며, 나중에는 그 자신의 성 불쾌감에 대해 공개적으로 이야기했습니다. 레이건 시절의 기업주의와 동질성을 암시하는 모든 신스팝의 의미에도 불구하고, 장르를 더 자세히 살펴보면 문화 전쟁의 반대편에 확고히 위치하게 됩니다.
그 많은 시간이 지난 후, 신시사이저는 이 공로에 합당한 재평가를 받고 있는 것 같습니다. 2000년대 후반에 Lady Gaga의 데뷔곡 "Just Dance"에서 La Roux의 "Bulletproof"에 이르는 여러 팝 히트곡에서 주요 요소로 등장했지만, 그 이후로 신스팝은 좀 더 미묘한 르네상스를 겪고 있는 것 같습니다. Stranger Things와 같은 80년대 팝 문화 향수와 함께 다시 유행을 타고 있으며, Pitchfork가 선호하는 Future Islands에서부터 컬트 팝 여신 Carly Rae Jepsen에 이르는 아티스트들 덕분에 존경할 만한 인디 캐시도 가지고 있습니다.
더구나 현재 투어 중이고 최신 앨범 Spirit을 막 발표한 Depeche Mode와 함께라면, 이야기가 완벽하게 돌아온 것 같습니다. 두 번째 트랙인 "Where's the Revolution"은 Gahan의 바리톤이 "너는 너무 오랫동안 모욕을 당했다 / 너의 권리가 남용되었다 / 너의 시야가 거부되었다"고 깊고 무게감 있는 디지털 물결 위에서 읊조리는 것을 들을 수 있습니다. 2017년, 혁명이 신시사이저 화될 것 같다는 예상이 멀지 않은 것 같습니다.
Aline Dolinh는 D.C. 교외 지역 출신의 작가로, 80년대 신스팝과 공포 영화의 사운드트랙에 대한 진정한 열정을 가지고 있습니다. 그녀는 현재 버지니아 대학교의 학부생이며, 트위터에서 @alinedolinh로 활동하고 있습니다.
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