La musica nei film e lo spazio che aiuta a rappresentare

C'è un'emozione esoterica quando si guida in un'autostrada deserta con i finestrini abbassati, mentre l'odore del crepuscolo penetra nell'auto e il sole tramonta accanto a te. O quando si siede in una giornata estiva su un prato verde osservando l'ambiente circostante, ascoltando una canzone che rende l'atmosfera fortunata. Ci sono film che riescono a trasmettere questi momenti meditativi sullo schermo, rendendoli tangibili. Spesso utilizzano inquadrature lunghe e una dimensione che ci permette di godere dei colori, della composizione, dell'illuminazione e dei suoni. Quando questi film hanno colonne sonore che si accordano con lo spazio mostrato nella composizione, tutti e cinque i sensi vengono risvegliati concentrandosi solo su due, e allora dimentichiamo di essere seduti in una stanza buia piena di estranei e iniziamo a esplorare i loro mondi.

Lo spazialismo, un movimento artistico fondato dall'artista Lucio Fontana, cercava di sintetizzare colore, suono, spazio, movimento e tempo in un nuovo tipo di arte. Fontana disse: “Non voglio fare un quadro; voglio aprire lo spazio, creare una nuova dimensione, integrare il cosmo, che si espande infinitamente oltre il piano limitante della pittura.” Alcuni artisti possono solo tentare di sintetizzare tutto questo al di fuori del cinema. Tuttavia, non c'è ancora una sensazione più grande che essere completamente assorbiti in un buon film.

I seguenti film utilizzano lo spazio armonizzando musica e immagine per trascinarci più a fondo nella loro narrazione. Nel libro di Robert Irwin, A Conditional Art, egli dice: “Ogni giorno sperimento una serie di cose che superano qualsiasi arte che io conosca. Non sono legate a nessun essere particolare, e a volte — anzi, il più delle volte — durano solo un momento. La loro continuazione sta nel fatto che tra poco ne sperimenterò un'altra. Ciascuno di questi fenomeni percettivi non è fatto di una sola cosa, ma piuttosto di una sovrapposizione complicata, un insieme interattivo — a volte le parti convergenti di molti insiemi separati.” Questi film utilizzano una colonna sonora musicale per ricordarci di momenti effimeri e bellissimi.

Paris, Texas

“Il brivido di combinare musica e immagini mi ha davvero spinto a continuare di più con il processo narrativo,” ha detto il regista Wim Wenders. Wenders ha perfezionato questa combinazione nel suo film del 1984, Paris, Texas. Il film si apre con l'immensità dei deserti del Texas, dai toni bruni e cieli azzurri, mentre il protagonista, Travis, vaga con un berretto rosso e un gallone d'acqua. Accompagnando la vastità del paesaggio c'è “Paris, Texas” di Ry Cooder, una canzone minimalista di blues con chitarra slide. Ogni nota è distanziata, vibrando nello spazio intermedio e risuonando nel paesaggio che vediamo, riecheggiando la solitudine di Travis. Sia Cooder che Wenders chiariscono che non siamo qui per sfuggire alla realtà delle nostre vite ed emozioni quotidiane, ma piuttosto per immergerci in esse.

Per i primi 26 minuti del film, Travis rimane silenzioso; la struggente musica di chitarra che si abbina al volto di Harry Dean Stanton ci racconta una storia tutta sua. Durante il film, abbonda il silenzio. La chitarra blues entra lentamente quando il mood lo richiede, passando inosservata mentre ci trascina più a fondo per sperimentare le emozioni di Travis, perso e alla ricerca di qualcosa che non sa nemmeno cosa sia. Le immagini sono piene di blu e rossi in paesaggi occidentali vuoti, riecheggiando il senso di perdita e frustrazione della musica.

La donna di sabbia

Un altro film che ti avvolge nella frustrazione è il film esistenziale del regista giapponese Hiroshi Teshigahara che rivisita il mito di Sisifo, La donna di sabbia, con la colonna sonora del compositore giapponese Toru Takemitsu. Niki, un entomologo, si trova intrappolato con una donna in un'enorme buca nelle dune di sabbia in Giappone dopo che i villager gli avevano offerto un posto per la notte, calandolo con una scala di corda. La donna lo nutre e poi prosegue a scavare nella sabbia dopo una conversazione amichevole. Scava, riempie sacchi di sabbia e li manda ai villager fino all'alba.

La mattina dopo si sveglia e scopre che la scala è improvvisamente scomparsa e un accordo stridente risuona. Tentativi di arrampicarsi sulla sabbia portano solo a farne cadere altra. La musica rende lo spazio in cui il personaggio si trova molto più stretto e mette il peso del bisogno di scappare sullo spettatore.

Per la maggior parte delle due ore e mezza del film c'è silenzio; la musica suona solo per circa 20 minuti in totale. Ogni volta che la sabbia scende inaspettatamente con bellissimi scatti ravvicinati della sabbia stratificata, la musica suona e i suoni distorti di droni, archi, flauti e arpe si sovrappongono e completano le immagini, creando una suspense crescente.

Chiamami col tuo nome

Lo spazio rappresenta molto più di una semplice location in tutti i film di Luca Guadagnino — è particolarmente evidente in “Chiamami col tuo nome”: lo spazio tra i personaggi, lo spazio in cui si trovano, lo spazio di cui hanno bisogno e lo spazio che ci viene dato come spettatori. Il film ci colloca in un paesaggio del nord Italia, assistendo alla storia d'amore segreta tra Oliver ed Elio. Non possiamo parlare. Non possiamo giudicare. Possiamo solo sederci e apprezzare la sensazione di innamorarsi di un'altra persona.

“Penso che lo spazio sia un personaggio del mio film. Che sia l'Italia o qualsiasi altro luogo. Tendo a fare in modo che voi come pubblico possiate sperimentare il viaggio di un personaggio nella sua fisicità e non solo nel suo viaggio emotivo. Come si fa a capire qualcuno se non si può contestualizzare la figura nel paesaggio?” ha detto Guadagnino. La musica di Sufjan Stevens è anche un personaggio aggiunto al film. Posa il peso delle emozioni che Elio ha vissuto durante l'estate sugli spettatori durante l'ultima scena del film in cui Elio piange davanti al caminetto. Timothée Chalamet ascoltava “Visions of Gideon” di Stevens attraverso un auricolare mentre la scena veniva girata.

La musica malinconica è una parte enorme della rappresentazione dello spazio che vediamo tra Oliver ed Elio attraverso la composizione della telecamera. “A dopo,” dice Oliver mentre si allontana, lasciando Elio solo dopo avergli fatto fare un giro di Crema. In quel momento sentiamo per la prima volta “Une Barque Sur L’océan from Miroirs” di Andre Laplante; da qui in poi suona ogni volta che sono separati mentre desideriamo vedere Oliver ed Elio insieme. Le note fluide riempiono la distanza e creano un desiderio sottile per Oliver nel pubblico.

La musica in “Chiamami col tuo nome” esalta la sensazione di cogliere una pesca matura e morderla, di vedere la brezza che colpisce le foglie di un albero, di saltare in un fiume freddo nel mezzo della notte, tutto mentre ci si innamora. Quando la vita sembra eccitante e il tempo sembra irrilevante.

Ci sono ancora molti altri film di cui potremmo parlare, che presentano compositori come Brian Eno, Ryuichi Sakamoto e Angelo Badalamenti, che hanno creato colonne sonore che dimostrano che il cinema ha il potere di prendere due sensi e attivarne cinque. Come ha detto Sakamoto, “Perché voglio suonare molto più lentamente di prima? Perché volevo sentire la risonanza. Voglio avere meno note e più spazi. Spazi, non silenzio. Lo spazio è risonante, è ancora vibrante. Voglio godermi quella risonanza, sentirla crescere, poi il suono successivo, e la nota o armonia successiva possono arrivare. Questo è esattamente quello che voglio.”