Digital/Divide è una rubrica mensile dedicata a tutti i generi e sottogeneri nel grande, bello e variegato mondo della musica elettronica e dance.
Dalla rinascita del dance punk all'inizio degli anni 2000 in poi, le definizioni di dove finisce il rock e inizia la musica elettronica sono rimaste sfocate. All'inizio, la presenza di una band di musicisti ha reso un po' più facile distinguere tra i due, anche se sonicamente si è rivelato sempre più difficile misurare la distanza disco tra Chk Chk Chk (!!!) e Chromeo.
Il passaggio dalle registrazioni lo-fi domestiche di reclusi con la chitarra all'avvento del bedroom pop e al suo maggiore accento su tastiere e software ha complicato ulteriormente le cose, con autori introversi giovani che creano sempre più la loro arte con l'aiuto di laptop. In questo coraggioso nuovo mondo dove il termine “indie” non significa nulla, tutto e, occasionalmente, qualcosa, album escono quasi ogni settimana che sfidano la definizione senza volerlo. È diventato così anarchico che persino guardare l'etichetta che ha pubblicato un determinato disco fornisce poche indicazioni sui contenuti.
Lo streaming ha eliminato il componente di assunzione di rischi che lo shopping nei negozi di dischi presentava ai consumatori in cerca di qualcosa di più di semplici brani a cui la radio o MTV li esortava ad ascoltare, eppure il numero schiacciante di opzioni accessibili ora rende la pratica un tempo finita del showrooming in una navigazione senza fine. Puoi spendere un minuto circa a campionare le merci in mutande, valutando se è per te o meno e poi passare oltre.
Nessuna delle informazioni sopra aiuta un atto come Weval, un duo olandese firmato con uno dei più grandi marchi techno della Germania che non fa affatto techno. La musica che Harm Coolen e Merijn Scholte Albers producono potrebbe qualificarsi come downtempo, se quel termine non fosse del tutto obsoleto e privo di significato nel 2019. In tutto ** The Weight [Kompakt]**, esplorano i loro interessi e il design del suono a un ritmo comparativamente più rilassato rispetto alla maggior parte dei loro colleghi di etichetta.
Cosa dire dello shuffle jazzy di “Someday,” il cui ritornello funky viene interrotto da schiocchi, lamenti e bassi prolungati! Oppure di “Heaven Listen,” un glammy schaffel con stacchi da giostra e ganci saturati di effetti. I fan di Air o Radiohead potrebbero trovare qualcosa a cui aggrapparsi qui e là, ma Weval non stanno facendo ciò che altri hanno già fatto. Possono essere dolci, lasciando che le gocce d'acqua e il tipo di warble delle Boards Of Canada di “Silence On The Wall” cullino uno in una falsa sicurezza. Ma poi, i Weval possono anche provocare in modo inaspettato. Una voce distorta e vocodizzata invita gli ascoltatori a “Same Little Thing,” lasciando intravedere la promessa di una struttura musicale convenzionale. Presto scende in splicing di breakbeat smorzati e feedback di errore, tornando infine indietro solo per ripetere il trucco in modo leggermente diverso.
La liberazione dietro il loro progetto emerge su praticamente ogni traccia, in qualche modo coaguli in un album coerente nonostante i migliori sforzi dei Weval. Alla fine, The Weight scende come droghe psicotrope in modi in cui gli album techno possono solo sognare di realizzare, il tipo di ascolto gratificante e disorientante che vale la pena seguire e lasciare andare ancora e ancora.
Sebbene abbia fatto il suo nome schiacciando boogers dagli angoli dell'indie rock millenario con i Black Dice, l'abbraccio relativamente più recente di Eric Copeland alla musica da club si è rivelato una parte vitale della sua intera arte sperimentale. Questo secondo episodio di quello che prego sarà una serie a lungo termine di collezioni di danza elettronica lo-fi fornisce a coloro che sono stanchi delle convenzioni e dei modelli qualcosa di intrinsecamente e spudoratamente strano. Chiamalo techno da outsider o house in rovina o qualsiasi etichetta sciocca che ti aiuti a capire il deliziosamente dubby video game muckabout “High Score Zed” o il robot rock scontato di “Pay Off.” Acido e aereato, “BS Dropout” e “United Banana” si avvicinano più allo spirito futurista di Detroit degli inizi che ha reso possibile tutto questo. Mentre i puristi o i tipi privi di umorismo possono trascurare Trogg Modal, Vol 2. come una disobbedienza per il semplice gusto di farlo, si stanno perdendo un sacco di divertimento e un bel po' di ottimi grooves.
Un esperto praticante di musica elettronica da 25 anni, Edward Upton è stato per lo più celebrato per il suo interesse per il passato più ampio del genere piuttosto che per la fugace moda del presente. Tuttavia, con una discografia così profonda e in continua evoluzione come la sua, merita considerazione al di fuori di questa narrazione semplificata e ristretta. Certo, c'è qualcosa di distintamente retrò nelle linee di basso squiggly 303 e negli accenti di synth fluttuanti di “Dark Moon,” uno dei diversi punti salienti del suo ultimo album full-length per l'etichetta londinese Hypercolour. Eppure Glad To Be Sad è un disco maturo, una riflessione melodiosa della crescita di Upton come artista e della sua dedizione ai suoni più cari alle sue orecchie. “Mr10stery” sovrappone armonie felicemente rimbalzanti per ottenere un risultato precario ma beato mentre l'entrata a sorpresa di pads lussureggianti aiuta a chiudere i break croccanti di “Home Made Drum Machine Part 2.” Un funky e comunque nerdy pezzo di jazz fusion dello stile della fine degli anni '70, il finale “Winter Dance” ondeggia allegramente, i suoi assoli di tastiera sono una gioia assoluta.
Nonostante il cosplay di James Van Der Beek, Diplo rimane una delle poche figure con potere nella musica dance elettronica a fornire attivamente un forum per i suoni provenienti da luoghi diversi da Berlino, Londra o New York. Un esempio, la sua etichetta Mad Decent rimane degna di attenzione con dischi come questo dell'artista giapponese di laptop Takahide Higuchi. Apparentemente ispirato dai luoghi e dalle cose altrimenti ordinarie che incontra quotidianamente a Nagoya, tracce come “Fue” e i fuori misura “Moyashi Kids” antropomorfizzano il banale — rispettivamente flauti e germogli di fagiolo mung. Bleep e glitch DJ in stile videogioco rendono “Otokogi” una deliziosa corsa reminiscente del footwork, mentre “246” con il produttore di Tokyo Ryuw rivede e sovverte completamente i modelli EDM trap esistenti. “Colosseum” rimbalza come i Kraftwerk e accelera come la vecchia Hollywood. Dimostrando poco riguardo per la conformità del club, Foodman riesce invece a combinare tanto mischiare di brainsdance da cucina in un breve lasso di tempo.
Dall'inizio di questo, l'ultima raccolta che porta l'imprimatur dell'ombroso hotspot berlinese, qualcosa sembra sbagliato. Per questo volume compagno di un mix di SoundCloud in streaming gratuito, la voce disincarnata del pioniere dell'avanguardia Genesis Breyer P-Orridge ripete un mantra di apertura, preparando meno gli ascoltatori per i suoni elettronici oscuri e rumorosi che seguiranno che avvertendoli. Da lì, il residente Dominick Fernow propone una visione techno che cerca di disorientare, con l'aiuto di tagli coinvolgenti di Alberich, Ron Morelli e altri. Nessuna sorpresa qui, poiché non si dovrebbe aspettare nulla di meno di una guerra totale da parte del tipo dietro Prurient e Vatican Shadow, ma lui offre questi strumenti DJ con piacere. Il primo di questi due nomi fa un'apparizione nella parte finale di questa concisa compilazione, arrivando in tandem con il supergruppo Downwards Ugandan Methods per il grintoso “Venom Timetables.” Dalle fratture e dalle crepe della “Decontrol” del frontman dei Godflesh JK Flesh a un quartetto di loop diabolici di Merzbow, Fernow dimostra il suo rispetto per e la conoscenza del DNA condiviso tra industrial e techno.
Gary Suarez è nato, cresciuto e vive ancora a New York City. Scrive di musica e cultura per diverse pubblicazioni. Dal 1999, i suoi articoli sono apparsi in vari media, tra cui Forbes, High Times, Rolling Stone, Vice e Vulture. Nel 2020 ha fondato la newsletter e il podcast hip-hop indipendente Cabbages.