Vivere nei miti con Weyes Blood

Questo diventa chiaro con la notizia del suo prossimo album, Titanic Rising, in uscita ad aprile tramite l'etichetta storica del Pacifico nord-occidentale, Sub Pop. Questo sarà il suo primo album con Sub Pop, e la musica contiene un senso accresciuto di fiducia e agilità che arriva assieme al passaggio a una nuova etichetta. Titanic Rising si basa sui splendidi blues di Front Row Seat To Earth, scavando profondamente nel potere mitico dei film ed esplorando come le forze di queste storie d'amore irraggiungibili torcino le nostre psiche doloranti e solitarie.

Eppure, Titanic non è affatto un album triste, ma riflessivo, e senza dubbio un'opera ambiziosa. Permette a Mering, una volta per tutte, di prendere il suo posto accanto ai grandi cantautori della nostra epoca, se mi permetti il paragone, è la Joni Mitchell dei millennial, combinando lavori del cuore con pensieri politici e temi universali sorprendenti. Prima dell'uscita dell'album — uscirà il 12 aprile, ma puoi pre-ordinare una versione in vinile in edizione limitata da Vinyl Me, Please ora — ho parlato con Mering del posto che occupa questo album nella sua carriera, della nuova canzone introduttiva “Andromeda” e del perché Titanic è uno dei pochi miti immortali moderni.

Suoni musica da anni ma Front Row Seat To Earth del 2016 sembrava un album in cui tutto andava a posto per te, come se fossi al pieno delle tue capacità. Ma ora, ascoltando Titanic Rising, sembra che sia ancora un ulteriore livello rispetto a quello. Qual è la relazione tra questi ultimi due album per te, e come si sentono le cose mentre ti prepari all'uscita di Titanic?

In Front Row Seat To Earth ho sicuramente preso più in mano la produzione. Ho avuto alcune grandi opportunità dal mio primo album con Mexican Summer, The Innocents, di fare molti tour e perfezionare davvero le mie abilità canore e di composizione, avendo la possibilità di esibirmi per mesi alla volta, il che è sicuramente un privilegio per le persone indie, perché penso che la scena DIY negli ultimi anni abbia preso una piega negativa. Ottenere davvero quegli spettacoli e suonare costantemente davanti a un pubblico che ascolta è sempre più difficile.

Front Row Seat è stato il culmine di me che suonavo questi spettacoli, prendendo le redini e lavorando con qualcuno come [il produttore] Chris Cohen, di cui mi fido profondamente. Con questo prossimo album, era ancora di più. Ho avuto la possibilità di fare ancora più tour, di suonare con chiunque volessi. E Jonathan Rado, che mi ha aiutato a produrre l'album, mi ha dato ancora più libertà in termini di opinioni che si allineavano sempre con le mie, al contrario di Chris e io che invece tendevano a scontrarsi su alcune cose. Quindi, è stato interessante avere improvvisamente ancora più libertà per esplorare diversi reami. Penso che per me sia stato un lungo processo arrivare a questo punto perché non mi erano mai state davvero date tali opportunità fino ad ora.

Questo è il tuo primo album con Sub Pop, che è personalmente una delle mie etichette preferite. Sono cresciuto nel Nord-ovest quindi erano ovunque là. Cosa ti ha attirato a lavorare con loro e com'è stata questa esperienza?

Sono un grande affare per me, anche. Quando erano interessati a me sono rimasta piuttosto sconvolta. C'erano alcune altre etichette che erano un po' più, come dire, quasi etichette major, o solo un po' più dei nomi alla moda. E il modo in cui quelle etichette mi trattavano era semplicemente così casuale — come, ci sono tante cene e pranzi e poi chiedere demo e è come… i miei dischi parlano da soli. Sono al punto della mia vita in cui non ho bisogno di fare demo per ottenere un contratto discografico. Non è proprio il mio stile.

Quindi Sub Pop è sbucato dal nulla, e non voleva demo. Volevano solo firmarmi basandosi su chi ero, e avevano un meraviglioso tipo di etica DIY/indie e non cercavano di comprarsi tutta la mia vita. Ho sentito questo spirito affine con loro e solo un'enorme quantità di gentilezza e supporto e interesse legittimo. Le persone all'etichetta hanno effettivamente ascoltato la mia musica a livello personale e si sentiva davvero come una famiglia, era fantastico.

Questa è la mia esperienza lavorando con loro anche. Data una certa tradizionalità sottostante della tua musica — come richiama alcuni di questi antichi elementi folk e vocali, ma incorpora anche la scrittura di canzoni pop del 21° secolo — penso che abbia assolutamente senso averla rilasciata su vinile. È uno dei modi in cui possiamo preservare fisicamente la musica, ma cosa ti ha attirato a lavorare con Vinyl Me, Please su questo progetto?

Sono un grande fan delle persone che difendono le copie fisiche della musica. È solo così diverso dallo streaming. Tutte quelle compagnie di streaming mettono compressori e cose diverse sul brano per cambiarne il suono, e avere solo una copia analogica grezza del disco è praticamente ciò che l'artista desidera che tutti ascoltassero. Ed è un'esperienza così diversa quando metti un disco sul giradischi per ascoltarlo rispetto allo streaming, soprattutto con questi dannati algoritmi. Sono solo così delusa che appena finisci un disco su Spotify ti porti su qualche schifezza che non vuoi nemmeno sentire, sai di cosa sto parlando? È solo molto triste. Ma come il vinile, in particolare, ti coinvolge con la musica e ti fa fermare. Penso che sia un ottimo modo per ascoltare gli album.

Parliamo della canzone che hai usato per introdurre la nuova era, “Andromeda”. Ovviamente ha allusioni al passato e all'universo in generale, nonché collegamenti a una sorta di modernità e tecnologia. Perché hai voluto introdurre questo nuovo album con quella canzone?

Penso che ci fossero molte canzoni nel disco che ci entusiasmavano tutti, e continuava a sembrare che “Andromeda” fosse questo punto d'incontro davvero cool tra gli arrangiamenti più elettronici e scarni e spaziali, insieme alla scrittura nostalgica. Sembrava avere tutto insieme, e penso solo che sia una canzone davvero bella. Quando ho scritto quella canzone sentivo molta emozione in essa. Sono un grande fan del country, soprattutto del country degli anni '80 e del country lo-fi degli anni '80 che usava la LinnDrum, che è la drum machine che abbiamo usato sul brano. È anche la prima canzone che io e Rado abbiamo fatto insieme, quindi aveva un piccolo sentimento speciale perché non avevo una LinnDrum e lui sì e io ero tipo, 'Beh, perfetto, ho scritto questa canzone praticamente sperando ci fosse una LinnDrum in giro' e abbiamo messo tutto insieme ed è stato piuttosto magico, quindi è solo una buona introduzione.

Uno dei miei preferiti dell'album è la canzone “Movies”, specialmente come qualcuno che vive a L.A. e pensa al modo in cui queste storie formano le nostre vite e contribuiscono così tanto. Questa canzone sembra vedere il lato luminoso di quell'industria invece del suo lato oscuro, ma il titolo dell'album mi fa pensare che ci sia stato un film specifico e un'esperienza che ha ispirato la scrittura di quella canzone.

Per me, da bambina ero così colpita emotivamente dai film e sono stata veramente colpita emotivamente da Titanic perché era un po' orientato verso le ragazzine bianche alla fine degli anni '90. Era progettato per noi in questo modo strano, e ho avuto questa intensa epifania all'età di 12 anni che questi film stavano facendo il lavaggio del cervello alle persone perché erano l'unica fonte di miti universali che la nostra cultura stava fornendo. (Oltre alla religione, che stava un po' scemando, e comunque turbava la maggior parte delle persone.)

Ho sentito che c'era qualcosa di così incredibilmente ingiusto riguardo Hollywood e il modo in cui è un'industria così capitalistica. Non possono fare a meno di essere dalla parte più trash, quindi in molti modi è solo una cosa strana, perché non puoi davvero odiare i film, c'è qualcosa di così magico in essi, perché, psicologicamente, è così che operiamo. Operiamo attraverso i miti e questo è il nostro modo di comprendere la realtà, quindi in molti modi sento che quella canzone riguarda la visione di questi miti, prendendoli per quello che sono, accettando il lato negativo — che è questo flusso molto specifico dell'esperienza e l'esclusione delle persone di colore, e delle persone con esperienze diverse.

Osservando quel cambiamento, solo negli ultimi due anni circa, si può davvero sentire l'impatto che ha avuto sulle persone! L'intero testo di “I want to be in my own movie,” è rappresentativo della nostra realtà dove, in molti modi, le persone non stanno vivendo la loro realtà. Che si tratti di guardare gli Instagram di altre persone, che sia il capitalismo a dire alle persone che hanno bisogno di questo o devono essere così o un film che rappresenta la realtà in questo modo davvero distorto o rappresenta l'amore romantico in questo modo davvero esagerato. Penso che in molti modi le persone vogliano vivere i loro miti e vogliono che sia il loro. È come se i film fossero queste versioni inferiori delle nostre esigenze psicologiche più profonde.

Giusto, e stai scrivendo come una rivisitazione redentiva — almeno nel titolo — di quella storia, che è una delle grandi tragedie nella nostra cultura moderna. Mi è piaciuto come la traccia del titolo fosse per lo più strumentale e quasi come l'ouverture per un film a modo suo.

Bene, la ragione per cui Titanic ha un simbolismo così grande per me, non solo era progettato per le ragazzine, ma mostrava l'arroganza dell'uomo alla fine degli anni '90, l'arroganza dell'uomo sta diventando piuttosto intensa e penso che tutti noi potessimo sentire che stava per accadere qualcosa e sarebbe stato davvero brutto. Anche da bambina ero tipo, ‘Oh mio Dio, non abbiamo il dominio sulla natura e dobbiamo davvero mettere questo in sesto.’ Sembra solo così appropriato per i tempi, perché la nave si è schiantata contro un iceberg e per noi ora i ghiacciai e il ghiaccio si stanno sciogliendo, e invece di affondare la nave, stanno affondando i paesi del terzo mondo. Mi sembra un po' una ridicola parallela e il concetto di Titanic Rising è più come questa lenta arroganza dell'uomo, inondando l'umanità a un ritmo che non possiamo comprendere appieno, un po' come una rana che bolle nell'acqua. Non importa quanto grande possa essere un film sul concetto, non importa quanto grande sia stato l'impatto che quel film ha avuto sulla mia vita, stiamo ancora lottando contro questi uomini che continuano a scegliere di assumere che abbiamo il controllo.

Quella traccia strumentale del titolo arriva a metà disco, e poi il chiusura fa riferimento a un inno molto noto. Hai parlato di come essere cresciuta in chiesa abbia influenzato la tua infanzia e il tuo lavoro, quindi mi chiedo, era importante avere un riferimento a questo incluso in questo disco?

Sì, e per quanto riguarda quell'inno, era anche l'ultimo che la band avrebbe suonato sul Titanic. Quindi tutto è legato a questo. Il titolo completo è in realtà “Nearer, My God, To Thee,” ho omesso “my God” perché sento che oggigiorno Dio è diventato un termine obsoleto e per le persone “thee” è più un'idea grande e relazionale del superpotere che supervisiona tutto quello che sta succedendo. Quindi “Nearer To Thee” è un po' più come uno stile di grande singolarità e l'arrangiamento di archi è lo stesso di “A Lot’s Gonna Change,” che è la prima canzone del disco e un po' il tema di tutto il disco; che tutti stiamo passando attraverso alcuni enormi cambiamenti, specialmente le persone della mia età che ricordano i giorni pre-internet e hanno questi ricordi di quando l'ambiente era leggermente diverso. Sento davvero che la vita a L.A. — e soprattutto in Pennsylvania — era molto diversa prima dei cambiamenti climatici del 21° secolo. Ho visto cambiare alcune cose pazzesche, quindi penso che concludere con quella nota sia appropriato: Sì, molte cose cambieranno, facciamo del nostro meglio. Un po' come la band del Titanic, suonando fino all'ultimo minuto.