Musik klasik bisa terasa kaku, membosankan, dan kuno. Namun, ketika dilakukan dengan benar, musik ini bisa melompat keluar dari speaker Anda seperti tidak ada musik lain. Dan kami tidak berbicara tentang dipaksa mendengarkan simfoni orang tua yang membosankan di kelas apresiasi musik, atau saat Anda dibawa ke konser yang membosankan saat masih anak-anak. Kami berbicara tentang musik orisinal karya komposer yang masih hidup, yang didengar dalam bentuk vinyl yang murni.
Mengapa mendengarkan musik klasik modern? Karena Anda perlu mengubah pola pikir. Hari ini sudah panjang. Anda hanya duduk menunggu hingga gaji berikutnya cair. Anda sudah ribut dengan teman sekamar mengenai cucian dan piring yang belum dicuci. Anda punya acara keluarga besok atau acara kerja yang sudah lama Anda takuti. Singkirkan semua itu sejenak.
Sepuluh album ini dapat mengubah cara pikir Anda, tidak hanya tentang musik klasik. Ada eksperimen, ketidakpastian, kompleksitas, kemenangan, dan kegembiraan murni. Ini adalah banyak hal yang harus dihadapi dalam satu duduk. Tapi tidak ada pengalaman yang lebih baik daripada menjatuhkan jarum pada musik yang begitu sinematik seolah-olah harus disertai popcorn dan penilaian konten. Ini langka, dan itu bersembunyi di depan mata.
Yakinlah, teman-teman Anda tidak tahu tentang album-album ini. Anda akan mendengar standar klasik lama yang diolah menjadi lagu-lagu seni musik yang baru, karya asli yang bahkan tidak dipahami oleh para pemikir dan birokrat. (Abaikan mereka saat mereka melakukannya.) Anda akan mendapatkan kesempatan emas ini. Segera dapatkan judul-judul ini dalam format vinyl dan jangan menoleh ke belakang. Sudah waktunya kita merebut kembali musik klasik — dan semua hari-hari hectic ini — untuk diri kita sendiri.
Penonton musik klasik biasanya tidak sulit untuk dibujuk. Putar lagu-lagu hits, tampilkan beberapa nama besar di daftar dan Anda siap melakukannya. Penonton yang lebih muda lebih sulit untuk terkesan. Dalam budaya yang sangat menikmati musik bagus, Anda membutuhkan pendekatan yang tak tertahankan untuk menarik perhatian penonton, dan tangan yang stabil untuk menjaga skeptis tetap di tempat duduk mereka. Dalam rilis terbarunya, pianis dan peramal milenial Hélène Grimaud memberikan cetak biru untuk melakukan hal ini. Water Music mengikat bersama para raksasa abad ke-19 — Liszt, Fauré — dengan pencipta lagu kontemporer abad ke-20 seperti Debussy, Ravel dan Berio. Rahasia di sini bukanlah pasangan sederhana antara yang lama dan baru. Itu sudah dilakukan, tidak ada yang peduli. Kejeniusannya Grimaud adalah menggunakan tulisan kabur dan menakutkan dari komposer Nitin Sawhney sebagai gloss yang mulus dari satu karya ke karya berikutnya. Musik Sawhney dalam ini dalam dan kompleks. Di tangan Grimaud, itu dengan mudah mengikat Water Music bersama. Hasilnya adalah album yang menggoda yang layak dinikmati sepanjang sore, sebuah karya yang gelisah dan sangat cantik yang kuat untuk diulang kembali.
Musik Gustav Mahler adalah punk sebelum jaket kulit bermotif paku dan jeans skinny spray muncul. Mahler adalah seorang revolusioner, menarik suara yang tidak akan berani diambil oleh komposer lain, memasukkan lagu-lagu rakyat pedesaan ke dalam lagu-lagu anthem yang epik, mengalirkan kemarahan dan kemegahan ke dalam karya-karya yang tak tertandingi. Selama bertahun-tahun, pertunjukan orkestra yang kaku telah meredupkan kilau Mahler. Namun, Primal Light karya pianis Uri Caine menghidupkan kembali kilau itu. Caine mengambil potongan-potongan besar dari kanon Mahler — gerakan dari simfoni, cuplikan lagu — dan menyajikannya dalam aransemen kamar yang baru, terkadang jazzy. Primal Light mengembalikan Mahler ke kilau 1000-megawattnya. Mahler adalah orang yang menulis untuk ansambel besar — Eighth Symphony -nya dijuluki "Simfoni Seribu" — tetapi Uri Caine menggunakan tim hanya 13 orang. Kekuatan dan daya adalah kuncinya. Primal Light karya Caine segar dan mengejutkan, menjadikannya tambahan penting untuk koleksi vinyl Anda.
Bryce Dessner dari The National telah tumbuh dalam reputasi dari bintang band indie menjadi sensasi musik klasik kontemporer. Kolaborasinya dengan eighth blackbird menghasilkan album sensasional Filament, sebuah album yang membuat Dessner dan grup tersebut memenangkan Grammy Award. Dessner adalah kolaborator ulung yang telah bekerja dengan Steve Reich, Sufjan Stevens, Philip Glass, Hiroshi Sugimoto dan banyak lainnya. Untuk album 2013 Aheym, Dessner mengajak Kronos Quartet yang berani dan beradaptasi untuk memainkan album sepenuhnya dari idenya sendiri.
Judul album Aheym adalah kisah biografi yang berputar dan menggambarkan kedatangan nenek moyang Yahudi-nya di Brooklyn, yang dipertunjukkan di festival Celebrate Brooklyn!. Tenebre adalah meditasi samar yang dinamai sesuai dengan kebaktian Holy Week. Little Blue Something menyeimbangkan keduanya dengan groove terengah-engah yang diedarkan, diubah dan terus diproses kembali. Tour Eiffel menutup album ini dengan gemilang dengan fitur A+ dari Brooklyn Youth Chorus. Waktu lagu Aheym adalah seperempat 44 menit, dan Dessner dan Kronos berhasil menyampaikan banyak hal dalam ruang itu. Ini adalah titik masuk yang bagus bagi penggemar The National, pemula musik klasik, atau pencari sensasi sejati.
Kita semua mendapatkan sedikit kejutan ketika artis favorit kita berkolaborasi dalam proyek-proyek bintang, apakah itu Britney dan Rihanna, JAY-Z dan Linkin Park (bercanda), atau Miles dan Coltrane. Tapi masalah dengan kolaborasi yang bagus adalah banyak yang dapat salah. Para pemain hanya mengabaikan, bersembunyi di balik reputasi mereka, tenggelam terlalu dalam ke dalam botol, atau yang lebih buruk. Sekali waktu (baca: sangat jarang) semuanya menyatu, dan usaha mereka memberikan efek pengganda. Album Terminals adalah salah satu contohnya.
Terminals menampilkan pemain keyboard John Medeski (Medeski, Martin & Wood), gitaris Nels Cline (Wilco), saksofonis Greg Osby (Grateful Dead, CL Smooth) dan harpist Zeena Parkins (Björk, Yoko Ono) serta kolektif berbakat So Percussion. Komposer Bobby Previte merasa terganggu oleh peta terminal yang sulit dibaca yang kita semua temui di bandara. Alih-alih menyerah seperti kebanyakan dari kita, Previte menggunakannya sebagai cetak biru untuk komposisi.
Sementara konsep itu terdengar berisiko seperti kit tato DIY, Previte dan kawan-kawan memberikan hasil yang memuaskan. Terminals sangat mengasyikkan. Dalam batasan tulisan Previte, para musisi menjadi bebas, sangat bebas. Tak ada yang mudah untuk dikategorikan di sini. Grup ini mengadopsi dan kemudian membuang identitas musik yang berbeda dalam rentang satu lagu. Anda harus bisa mengikuti.
Mungkin ada album klasik yang lebih mudah diakses di luar sana, tetapi yang ini — dengan eksperimentasi yang berkelanjutan sebagai sarana mencapai tujuan dan sebagai tujuan itu sendiri — adalah salah satu yang terbaik yang tersedia.
Hits sangat jarang terjadi di dunia musik klasik. Karya-karya seperti Fifth Symphony karya Beethoven dan Brandenburg Concertos karya Bach tidak sering menjadi terkenal. Sebagian besar musik dimainkan dan terlupakan. Pada tahun 1992, komposer Polandia Henryk Górecki menjadi superstar tak terduga ketika Symphony of Sorrowful Songsnya menjadi sukses besar. Karya Górecki terjual lebih dari satu juta kopi, dan itu sangat mengesankan karena karyanya gelap dan intens, kebalikan dari lagu-lagu chart-topping yang manis. Dia memutar dunia klasik di porosnya.
Pemain multi-instrumentalis angin dan perkusi Colin Stetson telah bekerja dengan musisi A-list seperti Tom Waits, Laurie Anderson, Bon Iver dan TV on the Radio. Karya Stetson sulit dikategorikan — apakah itu avant-jazz? elektro yang mengguncang? musik klasik gelombang baru? — dan identitas intersectionalnya memberinya pandangan unik untuk mendekati lagu hit Górecki. Remix Stetson dari Górecki disebut Sorrow, dan itu adalah karya yang luas dan meditasi untuk ansambel yang sederhana. Ini menahan ketegangan dan penderitaan dari yang asli — Górecki menunjukkan bahwa setiap gerakan harus berada dalam tempo "Lento" yang stabil dan berulang — dengan sedikit dorongan sehingga daya tariknya tidak berkurang.
Tipu yang paling besar yang pernah dilakukan Iblis adalah meyakinkan dunia bahwa kita harus mendengarkan musik klasik untuk "berelaksasi." Setelah itu terjadi, karya-karya besar dalam kanon terus dikemas ulang ke dalam koleksi yang dimaksudkan untuk menenangkan dan memabukkan, seolah-olah musik hanyalah setara dengan minum Ativan dengan vodka dan melayang ke dalam kealpaan. Tetapi kadang-kadang ada bijak di balik taktik konsumen yang kasar. Kita semua membutuhkan terapi musik dari waktu ke waktu. Masuklah Nils Frahm.
Solo Nils Frahm adalah musik untuk satu piano, tetapi jika terdengar berbeda, itu karena Frahm merancang album ini dengan piano jenis berbeda: Klavins M370. Piano M370 ini lebih dari 12 kaki tinggi dan memiliki senar sepuluh kaki, dan resonansi yang unggul memudahkan Frahm untuk menciptakan delapan figur hipnotis yang improvisatif ini. Solo pertama kali tersedia sebagai unduhan web pada tahun 2015, dan Frahm menyatakan bahwa hasil dari edisi vinyl yang baru dirilis akan membantu memfasilitasi pembuatan piano yang lebih besar, Klavins 450.
Solo jatuh di antara Gymnopédies karya Erik Satie, debut kristalin self-titled James Blake, dan Ghosts I-IV oleh Nine Inch Nails. Ini adalah pelarian yang sempurna, dan ya, Anda mungkin akan menemukan bahwa itu sedikit menenangkan. Ada hal-hal yang lebih buruk.
Four Seasons karya Antonio Vivaldi telah direkam dan dipentaskan ribuan, mungkin jutaan kali. Ini adalah ritus peralihan bagi para superstar biola yang bercita-cita tinggi, dan titik konsensus yang jarang terjadi antara pecinta musik dan pendengar yang hanya sesekali. Itu karena mereka telah ditampilkan dalam film, iklan perhiasan, rutinitas seluncur, dan bahkan serangkaian lagu MIDI yang disertakan dalam sistem operasi Windows awal.
Seperti break drum yang hebat di tangan DJ terampil (James Brown’s “Funky Drummer,” ada yang ingin?), The Four Seasons telah disampling dan diremix secara ekstensif. Salah satu yang terbaru dan terbaik adalah Recomposed karya komposer Jerman-British Max Richter. Vivaldi cenderung memasukkan banyak catatan ke dalam setiap tindakan musikal. Richter dan pemain biola Daniel Hope memilih untuk menyederhanakan: ritme Vivaldi bekerja seperti penanda yang terus-menerus dirujuk dan diperluas. Banyak materi hanya disingkirkan.
Bagi mereka yang familiar dengan The Four Seasons, usaha Richter mungkin sedikit meresahkan. Kedatangan yang diharapkan tidak pernah benar-benar sampai. Bagian yang relatif tidak mencolok mendapatkan sedikit cinta ekstra dengan setiap pengulangan yang tegas. Recomposed adalah proyek langka yang memperbarui yang asli sambil juga menegaskan identitasnya sendiri. Ini adalah penghormatan tertinggi, dan satu yang memiliki daya tarik yang serius.
Steve Reich adalah master minimalisme, sang bijak kesederhanaan. Mendengar satu karya Reich sudah cukup untuk memahami modus operandi komposer tersebut. Dalam karya-karya seperti Clapping Music dan Four Trains, Reich menggunakan sumber daya yang sederhana, perubahan yang hampir tak terlihat dan perjalanan waktu untuk mendorong pendengar. Karya Reich sangat sederhana dan efisien, dan meskipun ia tidak pernah memiliki jenis kesuksesan komersial seperti komposer yang lebih mencolok, ia pasti telah menginspirasi bagi sebagian besar dari mereka.
Four Organs / Phase Patterns adalah rilis 1971 yang dengan sempurna merangkum etika komposer tersebut. Four Organs adalah, secara logis, sebuah karya yang menampilkan empat organ Farfisa yang dipukul pada interval tertentu. Interval ini berubah seiring berjalannya waktu, tentu saja, sehingga nada-nada berpotongan dan berpisah, melayang dan menarik kembali bersama. Sepasang marakas berfungsi sebagai penjaga waktu yang tidak terduga. Phase Patterns menggunakan taktik serupa. Ritme organ saling mengunci sebentar sebelum mempercepat atau memperlambat, tetapi dalam yang satu ini tidak ada yang menjaga ritme. Ini adalah materi yang berat dan nakal, jenis yang ingin Anda dengar lebih banyak.
Empat puluh lima tahun adalah selamanya dalam dunia musik, tetapi rilis ulang vinyl Four Organs / Phase Patterns ini terasa sepekat hari pertama kali ditekan. Kita akan berkata hal yang sama dalam 45 tahun mendatang.
Dreamer David Lynch mengejutkan dunia di tahun 2014 dengan mengumumkan kembalinya serial TV-nya yang berpengaruh Twin Peaks. Acara ini berubah dari favorit kultus menjadi klasik yang sah dalam dua tahun tayangnya. Kecuali untuk film cabang yang salah (marilah kita tidak berbicara tentang ini lagi) Twin Peaks akan selamanya dihormati oleh kritikus dan penggemar Lynch.
Penggemar Lynch akan sangat senang dengan Polish Night Music, sebuah proyek Lynch yang baru dirilis dalam format vinyl. Sutradara tersebut selalu memiliki kepekaan terhadap musik — baik berkolaborasi dengan komposer dan jiwa senasib Angelo Badalamenti, atau menampilkan Roy Orbison dalam sebuah adegan surreal dari Blue Velvet. Polish Night Music, sebuah kolaborasi dengan pianis dan komposer Marek Zebrowski, adalah thriller di dalam merek dan gelombang yang layak.
Polish Night Music dimulai setelah Zebrowski bekerja sebagai penerjemah di Inland Empire karya Lynch. Keduanya menemukan estetika musik yang sama, dan album ini adalah ekspansi dari itu. Hanya ada empat lagu — semua berjudul Night dengan deskriptor lain dalam tanda kurung — dan suasana terasa sama misterius dan menawan seperti film-film terbaik Lynch. Permainan Zebrowski adalah ancaman yang pelan, dan tulisan di sini menawarkan lebih banyak pertanyaan daripada jawaban. Tapi jika Anda adalah penggemar Lynch, itulah yang Anda harapkan.
Piano wunderkind Glenn Gould terkenal mundur dari panggung konser karena dia lebih memilih kehalusan dan ketepatan mesin studio. Di The Chopin Project, komposer Ólafur Arnalds dan pianis Alice Sara Ott mengambil pendekatan yang bertolak belakang. Alih-alih merekam di lingkungan studio yang tertutup dan teliti, keduanya memilih untuk merekam di bar dan ruang-ruang ambient yang lapang pada piano yang sudah aus.
The Chopin Project mengharuskan pemain untuk berjalan di garis ketat, dan Alice Sara Ott melakukannya dengan mudah. Dia tanpa rasa takut. Ott memiliki kemampuan untuk membuat musik berdenyut, dan keahlian untuk membiarkan pernyataan-pernyataan yang lebih lembut berbicara untuk diri mereka sendiri. Bersama permainan Ott, sintesizer dan string membentuk pelengkap yang layak.
Terkadang keajaiban teknis yang diperlukan untuk Chopin bisa membebani pendengar. Tetapi Arnalds menggunakan strategi cerdik untuk menjadikan The Chopin Project sebagai pemenang. Anda tidak mendapatkan Chopin dari jendela hingga dinding. Musiknya adalah sorotan, sedikit warna. Karya-karya komposisi Arnalds juga ditampilkan dengan sama menawannya. String dan suara lingkungan (seperti bisikan dan kertas yang melambung) menawarkan lebih banyak jangkauan.
Ide-ide yang dijelajahi Arnalds dan Ott di sini begitu baik sehingga banyak yang dibiarkan tidak terucapkan. Dengan keberuntungan, ini hanyalah awal dari kemitraan rekaman yang akan bertahan dalam banyak iterasi lagi.