La mousse ne se répète jamais

Sur leur deuxième album Bleak, Froth a intensifié l'intentionnalité de leurs efforts sans sacrifier l'énergie ; les chansons étaient un peu plus entrainantes, un peu moins molles, mais toujours souples et ensoleillées. Plus notablement, ils semblaient de plus en plus ambitieux, s'étendant là où auparavant ils semblaient plus à l'aise dans le récursif. Le troisième album Outside (briefly) a alors frappé le meilleur équilibre du groupe entre errance et résurgence en intégrant davantage de sons numériques à leur palette, orientant leurs chansons autour de gravités plus profondes qui semblaient réaliser une promesse toujours croissante d'auto-réalisation. Mais maintenant Froth a sorti Duress, leur quatrième album studio complet et deuxième pour Wichita Recordings, et a vraiment atteint la plus grande expression de leur son : une série luxuriante de virages à gauche qui a de plus en plus en commun avec Radiohead qu'avec des antécédents précédents comme Beach Fossils ou The Drums.

Comme chaque album de Froth, Duress consiste en des rythmes sinueux parsemés de poches d'exposition. Le groupe met en place des rythmes hypnotiques qui éclatent comme le tonnerre à partir de nuages de brouillard en mutation lente, le frottement des gradients diffusant une pression tectonique qui frappe comme un high de contact et reste comme un massage. Cette poussée et traction du joli et du puissant a toujours été à l'œuvre dans les compositions de Froth, mais cette fois, le contraste juxtaposé est à son plus impressionnant. Un nombre de chansons soulèvent la poussière uniquement pour les voir retomber sous forme de flocons de neige, et beaucoup d'autres choses que les membres du groupe réalisent sur l'album frappent de la même manière comme par magie. Duress marque la première fois qu'ils utilisent des harmoniseurs, des échantillonneurs et des séquenceurs sur un album, et le nouvel ensemble d'outils dévoile les possibilités auparavant dormantes dans leurs morceaux errants. Les albums de Froth ont toujours été expansifs, mais pas avant maintenant qu'ils aient été épiques.

L'album est mené par le single principal “Laurel,” une churn de cordes en acier enroulées nommée après l'illusion sonore virale fortement clivante de l'année dernière. Plutôt qu'un peu de nostalgie amusante, Joo-Joo considère la chanson comme exemplaire des mécanismes de broyage de l'industrie de la musique : “J'ai écrit cette chanson juste quand l'histoire de Laurel/Yanny est sortie, et c'est juste le temps qu'il faut pour sortir une chanson pour un groupe.” Quand je mentionne que cela fait maintenant un bon retour en arrière, Joo-Joo rétorque, “Oui mais ce n'est pas censé être ça, c'est censé être avant-gardiste !”

La déception proverbiale de l'« industrie » est un sujet récurrent lors d'une conversation récente avec Joo-Joo et Jeremy. Les deux décrivent un choc culturel venant de leurs origines dans l'imprévu créatif puis naviguant dans le système avec des aspirations sincères. “Le dernier album que nous avons fait était le premier que nous avons fait avec un vrai label avec un budget,” a expliqué Joo-Joo. “Nous avions tous cette attente que tout allait être super différent maintenant, que tout le processus d'être un groupe serait différent. Nous l'avons abordé de cette manière, et je pense que nous nous sommes un peu épuisés avec ça.”

La stagnation inattendue des tournées souvent ingrat a presque conduit à la dissolution totale de Froth. “Je ne veux même pas dire ça, mais nous nous sommes en quelque sorte séparés doucement après le dernier album,” a révélé Joo-Joo. “Donc, je pense que toutes nos pensées n'étaient pas axées sur l'écoute de la musique qui bénéficierait à notre groupe. Les influences de l'album étaient un produit de cela, sans vraiment penser à ce que nous allions faire ensuite. J'écrivais juste n'importe quelle chanson.”

La durabilité pour Froth est venue en repensant leur objectif pour aligner leur art nouvellement libéré. “Je ne pense pas que nous nous sentons comme 'Oh, nous sommes des musiciens professionnels' maintenant,” a dit Joo-Joo. “Nous avons tous d'autres moyens de gagner de l'argent maintenant, donc nous ne sommes pas aussi concernés par le fait de devoir joindre les deux bouts chaque fois que nous sommes en tournée. Nous sommes plus revenus à le faire presque comme un passe-temps, juste des mecs s'amusant à jouer de la musique.” L'esprit de performance en tant que jeu a été souligné par le point d'allumage surprenant de Duress, une collaboration avec l'artiste visuel de l'album Austin Redman.

“J'ai fait un projet avec lui il y a deux ans où il a réalisé une couverture d'album avec des titres de chansons et conçu un set live, et il m'a fait écrire des chansons et les interpréter en direct pour ça,” a dit Joo-Joo. Comme au début, l'occasion de combler un vide existant a remis Froth dans leur état le plus naturel : “Pour nous, c'est beaucoup plus facile de trouver de nouvelles idées ou de changer le processus créatif à partir de zéro car la monotonie disparaît un peu.” C'est ainsi que la première chanson écrite pour l'album a pris forme, et le changement d'approche a stimulé l'inspiration pour ce que le reste de Duress deviendrait, y compris le nouveau niveau de participation pratique des membres pour les matériaux non musicaux tels que la couverture et la conception des articles de marchandises. “Alors que la dernière fois, il s'agissait plutôt de 'Nous devons faire des chansons qui sonnent assez bien pour être jouées sur une grande scène ou autre,' nos priorités sont à un endroit différent, plus détendu,” a dit Joo-Joo.

Et pourtant, un certain nombre de chansons sur Duress semblent être les plus grandioses du groupe à ce jour. “Xvanos” commence avec des shakers de type Jet, s'empile avec des coups de rayons de guitare, puis brûle lentement d'un murmure à un jaillissement influencé par In Rainbows, semblablement texturé et tempéré. Alors que chaque chanson se construit à partir d'un plan de sol bien établi, les clôtures ici marquent spécifiquement certains des meilleurs travaux de Froth. “Department Head” s'est déjà imposé comme un point culminant avec ses couches de scie sauteuse et son crawl Microcastle, avant de sortir une sirène de raid aérien dans le dernier quart et de la jouer à knockout. “Syndrome,” plus intime, commence comme une averse automnale de tambours et de strums échos, et se termine comme un arc-en-ciel résiduel se divisant en un spectacle lumineux de rêverie soutenue. C'est presque aveuglant d'impression, puis disparaît comme de la buée sur du verre.

En termes de composition, les chansons sont encore moins structurées que sur les précédentes sorties de Froth. C'est un cas où les limites apparentes de l'ensemble sont devenues l'une de leurs forces les plus uniques. Comme le dit Joo-Joo, “D'autres groupes sont meilleurs pour écrire différentes parties [couplet, refrain, pont, etc.], nous sommes meilleurs pour trouver d'autres bruits à mettre, c'est plus facile.” Il a poursuivi : “J'ai beaucoup écouté de la musique électronique, et je suppose que cela justifie de ne faire aucun changement, et simplement d'avoir différents changements de dynamique.”

Mais là où la musique électronique prend souvent forme autour de boucles mathématiquement propres, les chansons de Froth sont construites sur des fragments de ruines instrumentales, les genres d'idées musicales que d'autres groupes classeraient comme des brouillons. L'effet est éblouissant et perturbant, comme dans les cinq minutes de “A2,” qui ressemble à être assis dans l'œil d'une tempête d'un hélicoptère atterrissant, des vents cycliques de guitare arpégée et des atmosphères tourbillonnantes dans une furie de bonheur. “77” burles un mélange de séquenceurs sonores sur une échelle de basse qui serait à l'aise sur un album solo de Thom Yorke, jouant à l'étrangeté pour une pop liminale. L'idiosyncrasie semble être aussi accidentelle que recalcitrante, mais c'est en réalité un résultat inhérent à leur processus.

“Il n'y avait pas tout un album écrit quand nous l'enregistrions. Parfois, nous entendions quelque chose en studio et disions, 'Oh essayons juste de faire une chanson avec ça maintenant,’” a confié Joo-Joo. “Donc, il y avait vraiment cinq chansons pour l'album et nous les avons juste étirées.” Leur patience à exploiter encore plus les restes de leur écriture a porté ses fruits, donnant lieu à un album que vous êtes aussi susceptible de conserver pour ses détours accentuels que pour ses fortes mélodies centrales.

Les chansons de Froth semblent pouvoir continuer pour toujours, comme si chaque prochain virage révélerait un sentier sans fin encore digne d'être arpenté, et en vérité, le groupe voit l'achèvement non pas comme une question d'atteindre une conclusion définie mais plutôt comme un simple point d'arrêt. “Nous ne finissons jamais vraiment les chansons avant d'être en studio,” a déclaré Joo-Joo. “Il y a juste un moment où vous êtes comme, ‘Oh, il n'y a vraiment plus rien à ajouter. Ça sonne assez bien.’”

Il a fait une pause, puis a réaffirmé, “C'est à peu près juste qu'elles se terminent, je suppose. Elles se terminent d'elles-mêmes. Une fois qu'il n'y a plus rien d'étrange à corriger.” Ce que j'ai déduit en parlant avec les cerveaux derrière une des sorties les plus satisfaisantes et décalées de 2019, c'est que chercher une ligne directrice dans la formule de Froth est une cause perdue. “Il n'y a pas de méthode pour écrire des chansons pour moi,” a suggéré Joo-Joo. “Honnêtement si je pouvais vous dire une façon plus productive, nous ne mettrions pas deux ans et demi pour faire chaque album.”

Quand je demande à propos du prochain ?

“C'est juste tellement difficile de penser au prochain album à chaque fois,” a dit Joo-Joo. “Je ne pense vraiment pas que le prochain album clique pour nous jusqu'à ce que nous traitions tout le cycle de l'album précédent.” Jeremy a ensuite ajouté, “Mais je peux garantir qu'il sera probablement différent, parce que c'est comme ça que ça se passe pour nous.” Espérons que Froth ne parvienne jamais à établir une routine pour les années à venir, car peu de groupes sonnent aussi bien sans jamais se répéter.