Arlo McKinley embrasse 'Ce désordre dans lequel nous sommes'

Produit par Matt Ross-Spang (Margo Price, Jason Isbell) et enregistré au légendaire studio Sam Phillips à Memphis, This Mess We’re In voit McKinley étendre le son qu'il avait créé sur Die Midwestern, en étoffant les chansons avec des cordes, des claviers et des touches orchestrales. Thématiquement, l'album aborde le deuil, la dépression et la complexité des relations humaines, des sujets qui devraient particulièrement résonner chez les auditeurs après les turbulences des deux dernières années et demie.

Ci-dessous, VMP discute avec McKinley de comment les mélodies lui viennent, de son temps passé chez Sam Phillips et de ce que cela signifie de faire partie de l'héritage musical de John Prine.

Cette interview a été condensée et éditée pour plus de clarté.

VMP : Vous avez dû attendre un peu avant de sortir cet album. Comment vous sentez-vous, sachant qu'il ne reste plus qu'une semaine avant que les auditeurs ne découvrent le projet complet ?

Arlo McKinley : J'ai pratiquement attendu une année entière. [Le 15 juillet] est à peu près la date où nous avons terminé l'enregistrement. J'ai vécu avec cet album pendant un moment et j'ai même dû arrêter de l'écouter pendant un temps parce que je me disais : « Je vais beaucoup l'entendre. » Je suis excité. Je suis excité qu'il fasse enfin, enfin son entrée dans le monde. Je suis super fier de cet album.

Quand avez-vous commencé à écrire des chansons pour cet album ? Il y a un fort lien thématique entre beaucoup d'entre elles — est-ce qu'il y a une chanson ou une idée qui a aidé à établir ces connexions ?

Peu après la sortie de Die Midwestern [en 2020], j'étais assis à écrire des trucs, juste à jouer avec des idées. « Stealing Dark from the Night Sky » est venu en premier. Ensuite, quand j'ai écrit « Rushintherug », c'est à ce moment-là que j'ai réalisé que j'écrivais un album. C'était le moment, même si j'avais déjà écrit certaines des autres entre ces deux. Je pensais que toutes les chansons étaient en quelque sorte connectées. Je savais assez vite parce que j'écris toujours, d'une certaine manière. Certaines idées restent, d'autres pas. Mais cela n'a jamais fonctionné comme ça, où toutes les chansons que j'écrivais semblaient être un peu une histoire. Elles sont toutes un peu connectées entre elles, ce que je pense provenir d'une réflexion sur toute l'expérience COVID et le lourd confinement et tout ça.

Ces points de connexion que vous avez trouvés, avez-vous consciemment travaillé pour les développer ? Ou était-ce plus un sous-produit naturel de ce qui vous occupait l'esprit pendant l'écriture ?

Je pense que c'est arrivé de manière organique, vraiment. Certaines des chansons là-dedans — comme « Bag of Pills » sur Die Midwestern avaient plus de 15 ans — je suis retourné à elles, car j'ai une liste de chansons que j'ai écrites qui doit probablement comporter plus de quarante chansons que j'essaie de revisiter quelque peu consciemment. Je pense que le retour aux anciennes chansons consistait à trouver des chansons qui conviendraient au son et à la narration de l'ensemble. Mais en écrivant, je pense qu'elles se connectaient juste de manière organique entre elles. Les chansons « Stealing Dark [from the Night Sky] » et « Rushintherug » et « To Die For », et des trucs comme ça, sont toutes nouvelles, et puis je suis revenu et ai clarifié « Back Home » et « Dancing Days », qui sont des chansons plus anciennes qui semblaient fonctionner avec l'album.

« Rushintherug » est l'une de mes chansons préférées. J'ai vraiment été touché par sa mélodie. C'est quelque chose qui ressort sur tout l'album — vous utilisez la mélodie d'une manière si émotive. Comment l'écriture de mélodies intervient-elle dans votre processus de composition ?

C'est un facteur très important. C'est généralement ainsi que je finis par écrire. Je n'ai jamais été du genre à pouvoir simplement m'asseoir et dire : « Je vais écrire une chanson aujourd'hui. » Ce processus n'a jamais vraiment fonctionné. J'essaie de ne pas forcer les choses, et la plupart des choses que j'écris viennent d'une mélodie ou de quelque chose que j'ai inventé dans ma tête, en conduisant ou juste en traînant. C'est ce qui est arrivé avec le refrain de cette chanson, donc c'est là où la chanson a commencé. J'ai entendu la mélodie de ce refrain dans ma tête et puis je me suis dit : « Oh, en fait c'est assez accrocheur. Donc, je vais écrire une chanson autour de ça. » Il est important pour moi d'écrire des trucs accrocheurs. Et la mélodie, c'est ce que j'aime le plus dans la musique, de jolies mélodies et des trucs comme ça. Avec cet album en général, je pense que cette chanson a donné le ton à ce à quoi il allait ressembler : beaucoup de cordes, avec beaucoup de claviers et d'orgues. Je voulais juste faire un joli album.

Vos paroles sont également si riches en images. Comme dans « Back Home », la ligne : « Cette ville est une symphonie qui ne semble jamais être en clé », est si précise et évocatrice. Comment avez-vous affiné une voix d'écriture de chansons aussi vive ?

C'est encore un mystère pour moi. Je ne sais pas d'où ça vient. Je n'ai vraiment commencé à écrire des chansons qu'à la fin de la vingtaine, au début de la trentaine. J'aurai 43 ans cette année. J'ai toujours été un chanteur, chantant juste des harmonies dans des groupes et des trucs comme ça. Et je ne sais vraiment pas d'où vient l'écriture. J'écris juste sur moi-même et ma vie et les situations que je traverse. Cette ligne est juste une sorte de : « Je ne sais pas, tout autour de moi bouge, mais rien ne semble être en place. » Quand j'y pense maintenant, je trouve cela étrange que je m'assoie et que je fasse toutes ces choses. Ce n'était pas toujours là. Et c'est quelque chose qui m'a pris beaucoup de temps à avoir confiance.

La chanson titre m'a également marqué, à la fois pour vos voix et pour son message, qui semble être un message auquel les gens s'identifieront après avoir traversé les deux dernières années. Qu'est-ce qui a fait que cette chanson en particulier semblait représenter l'ensemble de l'album ?

Au cours des dernières années, j'ai réalisé à quel point les relations et les amitiés sont vraiment importantes. Je n'ai pas toujours été conscient de combien j'avais besoin de certaines personnes dans ma vie jusqu'à ce que j'y sois contraint — jusqu'à ce que nous soyons tous contraints — de nous passer de ces personnes dans nos vies au quotidien, et d'être seuls pendant un moment. Et je pensais que le titre « This Mess We’re In » était juste approprié pour l'époque. C'est plus approprié maintenant qu'il ne l'était lorsque j'ai trouvé ce titre. Le monde est dans une situation étrange.

Oui, cela semble devenir de plus en plus approprié chaque jour, malheureusement.

C'est ça, oui. C'est regrettable qu'il semble y avoir des « camps » et des trucs comme ça. Je ne sais pas, c'est juste fou comment les gens restent éloignés les uns des autres à cause des croyances politiques ou religieuses. Et c'est une chose que la musique a toujours fait, pour moi du moins, comme jouer des concerts ou écouter de la musique — c'est une échappatoire à tout ça pour un moment, du moins je l'espère. C'est ce que j'espère offrir.

J'ai lu une citation de vous disant que créer cet album vous a offert « une boussole interne » pour naviguer dans les pertes difficiles que vous avez vécues. Pouvez-vous en dire un peu plus sur ce que cela signifie pour vous ?

C'était juste avant que Die Midwestern ne sorte. Un de mes meilleurs amis est décédé d'une overdose de drogue et peu de temps après ma mère est décédée. Je pense que ces chansons étaient juste ce à quoi j'ai eu recours, pour essayer de traverser une période qui était déjà difficile, de gérer l'arrivée du COVID et toute cette folie. Puis avoir ces deux pertes majeures, pour moi il était difficile de naviguer à travers cela d'une autre manière. C'était presque comme le film Un jour sans fin. Chaque jour, je me réveillais et c'était la même chose encore et encore, parce que nous ne pouvions pas partir en tournée, nous ne pouvions pas jouer de concerts, je ne pouvais pas aller en Nouvelle-Angleterre voir des amis, je ne pouvais rien faire de tout cela. Donc, je pense que c'est de là que viennent beaucoup des chansons. C'est vraiment ça. C'est ainsi que je m'en suis sorti à l'époque et c'est ainsi que je gère encore des choses qui jouent un rôle majeur dans ma vie.

Vous avez enregistré l'album avec Matt Ross-Spang au studio Sam Phillips à Memphis. Comment était cette expérience ?

C'était incroyable. Travailler avec Matt, je ne me vois vraiment pas travailler avec un autre producteur de sitôt. Il semble juste comprendre ce que j'essaie de faire sans que j'aie à dire beaucoup. C'était amusant. Cela avait presque une atmosphère plus détendue [que Die Midwestern] pour moi à faire. C'était nous tous essayant de comprendre au fur et à mesure, parce que Matt n'avait que quelques démos acoustiques [des] chansons que je lui avais envoyées, et le groupe ne les avait pas encore entendues. C'était amusant de voir les chansons prendre vie, de voir ces gars et ces filles du groupe les entendre pour la première fois. Juste moi jouant de la guitare et puis voir ce que nous avons créé à partir de cela était une expérience amusante. Et le studio est comme une capsule temporelle. Ils n'ont presque rien changé du tout. Le troisième étage de cet endroit n'a toujours pas changé. C'est encore le bureau de Sam Phillips. Ils n'ont pas changé la moquette. C'est une sensation étrange, d'être là et de savoir que vous vous tenez là où tant d'autres grands artistes ont été. Vous ne voulez pas quitter Sam Phillips avec un mauvais disque.

Vous faites partie de ce qui semble être un nombre croissant d'artistes country qui trouvent l'inspiration dans des genres comme le punk et le metal. Comment voyez-vous le croisement du country avec ces genres ?

J'ai deux grands frères. Donc, en grandissant, j'écoutais toujours leurs disques quand ils étaient à la maison. Et puis quand ils rentraient et me chassaient de leurs chambres, j'allais dans la chambre de mon père et j'écoutais ses trucs country. Je pense que j'ai remarqué tôt qu'il n'y a pas une énorme différence [entre les genres], du moins avec la formule de l'écriture de chansons dans un mode punk, qui est généralement trois accords, un peu de couplet, refrain, couplet, refrain. C'est encore comme ça que j'écris des chansons. Presque aucune de mes chansons n'a de pont ou rien de ce genre. Elles sont juste directes et straightforward. J'ai appris à jouer de la guitare en écoutant du vieux Social Distortion, du Black Flag et des trucs comme ça. Ces groupes font la même chose [que la musique country], vraiment, juste plus rapidement et plus fort. Je pourrais facilement transformer les chansons de cet album en chansons rapides et bruyantes également. Elles sont écrites de la même manière.

Votre base de fans semble particulièrement dévouée. Qu'est-ce que vous pensez qu'il y a dans ce que vous faites qui connecte les gens à un niveau aussi puissant ?

C'est une autre chose qui est un peu un mystère pour moi. Mon hypothèse serait que je suis juste honnête et direct et peut-être que je chante des choses que beaucoup d'autres personnes n'abordent pas, comme l'addiction, la santé mentale et la dépression. J'en ai parlé avec d'autres personnes, mais je pense que je montre peut-être aux gens que, vous savez, vous n'êtes pas aussi fous que vous pourriez le penser. C'est une chose normale et peu abordée. Certains des emails et des messages que nous recevons sont très lourds. J'ai reçu un message d'un vétéran d'Afghanistan qui m'a dit qu'il avait fait deux tours là-bas. Il a dit que la seule chose qui apportait de la paix et calmait tout le monde à la fin de la nuit était d'écouter mon disque. Je ne sais pas si je peux recevoir un plus grand compliment que celui-là.

Vous avez été le dernier artiste que John Prine a signé sur son label, Oh Boy Records, avant son décès en 2020. D'une certaine manière, votre carrière aura toujours un lien avec son héritage. Qu'est-ce que cela signifie pour vous ?

Je veux toujours m'assurer que je représente bien le label Oh Boy, comme il mérite d'être représenté. Savoir que je serai pour toujours la dernière personne à signer est quelque chose qui pèse lourdement sur moi, dans le bon sens. Savoir que je serais même sur son radar à tout moment est incroyable pour moi. J'ai souvent dit que si tout s'arrêtait demain et que tout disparaissait — et j'espère vraiment que ce n'est pas le cas — mais si c'était le cas, c'est plus de succès que ce que j'aurais jamais imaginé voir ou recevoir de l'écriture de chansons.