Arlo McKinley embrasse ‘Ce désordre dans lequel nous sommes’

Produit par Matt Ross-Spang (Margo Price, Jason Isbell) et enregistré dans le légendaire Sam Phillips Recording Studio à Memphis, This Mess We’re In trouve McKinley développant le son qu'il a créé sur Die Midwestern, étoffant les chansons avec des cordes, des claviers et des embellissements orchestraux. Thématiquement, l'album lutte avec le chagrin, la dépression et le désordre des relations humaines, des sujets qui devraient résonner particulièrement avec les auditeurs après la tourmente des deux dernières années et demie.

Ci-dessous, VMP rencontre McKinley pour discuter de la manière dont les mélodies lui parviennent, du temps passé à Sam Phillips et de ce que cela signifie d'être partie intégrante de l'héritage musical de John Prine.

Cette interview a été condensée et éditée pour plus de clarté.

VMP : Vous avez dû attendre un peu pour sortir cet album. Comment vous sentez-vous, maintenant que vous n'êtes qu'à une semaine de l'écoute du projet complet par les auditeurs ?

Arlo McKinley : Je le garde depuis presque exactement un an. [15 juillet] est juste à peu près le moment où nous avons terminé l'enregistrement. J'ai vécu avec pendant un certain temps et j'ai même dû arrêter de l'écouter un moment parce que je me suis dit : "Je vais l'entendre beaucoup." Je suis excité. Je suis excité qu'il puisse enfin, enfin faire son chemin vers le monde. Je suis super fier de cet album.

Quand avez-vous commencé à écrire des chansons pour cet album ? Il y a un fort lien thématique entre beaucoup d'entre elles — y avait-il une chanson ou une idée qui a aidé à établir ces connexions ?

Peu de temps après la sortie de Die Midwestern [en 2020], je traînais à écrire des choses, juste à jouer avec des idées. "Stealing Dark from the Night Sky" a été la première. Ensuite, "Rushintherug", quand je l'ai écrite, c'était à ce moment-là que je pense que j'ai réalisé que j'écrivais un album. C'était le moment, même si j'avais écrit certaines des autres entre ces deux-là. Je pensais que toutes les chansons étaient un peu connectées, d'une certaine manière. J'ai su assez rapidement parce que j'écris toujours, d'une certaine manière. Certaines idées persistent ; d'autres non. Mais ça n'avait jamais fonctionné comme ça, où toutes les chansons que j'écrivais semblaient être un peu une histoire. Elles sont toutes un peu liées entre elles, ce qui, je pense, vient du fait de regarder en arrière l'expérience COVID et le lourd confinement et tout ça.

Ces points de connexion que vous avez trouvés, avez-vous consciemment travaillé pour les élargir ? Ou était-ce plus un sous-produit naturel de ce qui vous préoccupait pendant l'écriture ?

Je pense que ça s'est produit de manière organique, vraiment. Certaines des chansons là-dessus — comme "Bag of Pills" sur Die Midwestern avait plus de 15 ans — j'y suis retourné, parce que j'ai une liste de chansons que j'ai écrites qui doit probablement comporter une quarantaine de chansons que j'essaierai de revisiter plus ou moins consciemment. Je pense, plus en retournant aux vieilles chansons, que je cherchais des chansons qui conviendraient au son et à la narration de l’ensemble. Mais en écrivant, je pense qu'elles se connectaient juste de manière organique entre elles. Les chansons "Stealing Dark [from the Night Sky]" et "Rushintherug" et "To Die For", et des choses comme ça, sont toutes nouvelles, puis je suis retourné et j'ai clarifié "Back Home" et "Dancing Days", qui sont des chansons plus anciennes qui semblaient convenir à l'album.

“Rushintherug” est l'une de mes pistes préférées. J'ai vraiment été séduit par sa mélodie. C'est quelque chose qui ressort à travers tout l'album — vous utilisez la mélodie d'une manière si émotive. Comment l'écriture de mélodies s'intègre-t-elle dans votre processus d'écriture ?

C’est un facteur très important. C'est généralement comme cela que je me retrouve à écrire. Je n'ai jamais été quelqu'un qui peut juste s'asseoir et dire, “Je vais écrire une chanson aujourd'hui.” Ce processus n'a jamais vraiment fonctionné. J'essaie de ne pas forcer quoi que ce soit, et la plupart des choses que j'écris viennent d'une mélodie ou de quelque chose que j'ai eu dans ma tête, pendant que je conduis ou que je suis juste assis. C'est ce qui est arrivé avec le refrain de cette chanson, donc c'est là que cette chanson a commencé. J'ai entendu la mélodie de ce refrain dans ma tête et je me suis dit : “Oh, en fait c'est plutôt accrocheur. Alors, je vais écrire une chanson autour de ça.” C'est important pour moi d'écrire des choses accrocheuses. Et la mélodie, c'est ce que je retire le plus de la musique, de jolies mélodies et tout ça. Avec cet album dans son ensemble, je pense que cette chanson a donné le ton à ce que cela sonnerait : riche en cordes, avec beaucoup de claviers et d'orgues. Je voulais juste faire un bel album.

Vos paroles, également, sont si riches en images. Comme dans “Back Home”, la ligne, “Cette ville est une symphonie qui semble toujours désaccordée,” est si spécifique et évocatrice. Comment avez-vous perfectionné une voix d'écriture aussi vivante ?

C'est encore un mystère pour moi. Je ne sais pas d'où cela vient. Je n'ai vraiment commencé à écrire des chansons qu'à la fin de la vingtaine, au début de la trentaine. J'aurai 43 ans cette année. J'ai toujours été chanteur, juste en chantant des harmonies dans des groupes et des choses comme ça. Et je ne sais vraiment pas d'où vient l'écriture. J'écris simplement sur moi-même et ma vie et les situations que je traverse. Cette ligne est juste un peu, “Je ne sais pas, tout autour de moi bouge, mais rien ne semble à sa place.” Quand j'y pense maintenant, je trouve ça étrange que je m'assois et fasse ces choses. Ce n'était pas toujours là. Et c'était quelque chose sur quoi j'ai mis du temps à prendre confiance.

La chanson titre m'a aussi marquée, tant pour vos voix que pour son message, qui semble toucher des personnes après avoir traversé les deux dernières années. Qu'est-ce qui a rendu cette chanson en particulier représentative de l'ensemble de l'album ?

Au cours des dernières années, j'ai réalisé à quel point les relations et les amitiés sont vraiment importantes. Je n'étais pas toujours conscient de combien j'avais besoin de certaines personnes dans ma vie jusqu'à ce que je sois forcé — jusqu'à ce que nous soyons tous forcés — de vivre sans pouvoir avoir ces personnes dans nos vies au quotidien, et d'être seul pendant un certain temps. Et je pensais que le titre “This Mess We’re In” était juste approprié pour l'époque. C’est plus approprié maintenant que cela ne l’était lorsque j'ai eu cette idée. Le monde est dans une situation étrange.

Oui, cela semble devenir plus approprié chaque jour, malheureusement.

C'est ça, oui. C'est malheureux qu'il semble y avoir des “camps” et des choses comme ça. Je ne sais pas, c'est juste fou comment les gens restent [éloignés] les uns des autres à cause de croyances politiques ou religieuses. Et ça, c'est une chose que la musique a toujours faite, du moins pour moi, comme jouer des concerts ou écouter de la musique — c'est une pause de tout ça pendant un moment, du moins je l'espère. C'est ce que j'espère offrir.

J'ai lu une citation de vous disant que créer cet album vous a offert “une boussole intérieure” pour naviguer à travers des pertes difficiles que vous avez vécues. Pouvez-vous en dire un peu plus sur ce que cela signifie pour vous ?

C'était juste avant la sortie de Die Midwestern. Un de mes meilleurs amis est décédé d'une overdose et peu après, ma mère est décédée. Je pense que ces chansons étaient juste ce à quoi je me suis tourné, pour essayer de traverser une période déjà difficile, à jongler avec l'arrivée du COVID et toute cette folie. Ensuite, avoir ces deux pertes majeures, pour moi c'était difficile de traverser cela autrement. C'était presque comme le film Groundhog Day. Chaque jour, je me réveillais et c'était la même chose encore et encore, parce qu'on ne pouvait pas partir en tournée, on ne pouvait pas jouer de concerts, je ne pouvais pas aller dans le New England voir des amis, je ne pouvais rien faire de tout ça. Donc, je pense que c'est d'où viennent beaucoup des chansons. C'est vraiment le cas. C'est ainsi que j'ai réussi à traverser cela à l'époque et comment je continue à traverser des choses qui jouent un rôle majeur dans ma vie.

Vous avez enregistré l'album avec Matt Ross-Spang au Sam Phillips Recording Studio à Memphis. Comment était cette expérience ?

C'était incroyable. Travailler avec Matt, je ne me vois pas vraiment travailler avec un autre producteur de sitôt. Il semble juste comprendre ce que j'essaie de faire sans que j'aie à dire beaucoup. C'était amusant. Ça avait presque une sensation plus détendue [que Die Midwestern] pour moi à faire. C'était nous tous qui essayions juste de comprendre au fur et à mesure, parce que Matt n'avait que quelques démos acoustiques [de] chansons que je lui avais envoyées, et le groupe ne les avait pas encore entendues. C'était amusant de voir les chansons prendre vie, de voir ces gars et ces filles dans le groupe les entendre pour la première fois. Juste moi jouant de la guitare et puis voyant ce que nous avons créé à partir de cela était une expérience amusante. Et le studio est comme une capsule temporelle. Ils n'ont pas beaucoup changé. Le troisième étage de cet endroit n'a toujours pas été changé. C'est toujours le bureau de Sam Phillips. Ils n'ont pas changé le tapis. C'est une sensation étrange, d'être là et de savoir que vous êtes au même endroit où tant d'autres grands artistes ont été. Vous ne voulez pas quitter Sam Phillips avec un mauvais album.

Vous faites partie de ce qui semble être un nombre croissant d'artistes country qui trouvent leur inspiration dans des genres comme le punk et le metal. Comment voyez-vous le country s'entrelacer avec ces genres ?

J'ai deux frères aînés. Donc, en grandissant, j'écoutais toujours leurs disques quand ils étaient chez eux. Et puis quand ils rentraient chez eux et me renvoyaient dans ma chambre, j'allais dans celle de mon père et écoutais ses morceaux country. Je pense que j'ai remarqué tôt qu'il n'y a pas une grande différence [entre les genres], du moins avec la formule d'écriture des chansons de manière punk, qui est généralement trois accords, un petit couplet, refrain, couplet, refrain. C'est ainsi que j'écris encore des chansons. Presque aucune de mes chansons n'a de pont ou quoi que ce soit comme ça. Et elles vont droit au but et sont simples. Je me suis appris à jouer de la guitare en écoutant de vieux Social Distortion, Back Flag et des trucs comme ça. Ces groupes font vraiment la même chose [que la musique country], juste en le faisant beaucoup plus vite et plus fort. Je pourrais facilement transformer les chansons de cet album en chansons rapides et bruyantes aussi. Elles sont écrites de la même manière.

Votre base de fans semble particulièrement dévouée. Qu'est-ce que vous pensez qui fait que ce que vous faites connecte avec les gens à un niveau aussi puissant ?

Cela reste une autre chose qui est un peu un mystère pour moi. Mon hypothèse serait que je suis juste honnête et direct et peut-être que je chante sur des choses que beaucoup de gens n'aborde pas, comme la dépendance, la santé mentale et la dépression. J'en ai parlé avec d'autres personnes, mais je pense qu'il se peut que je montre aux gens que, vous savez, vous n'êtes pas aussi fous que vous pourriez le penser. C'est une chose normale qui n'est pas vraiment discutée. Certains des e-mails et des messages que nous recevons sont juste très lourds. J'ai reçu un message d'un vétéran d'Afghanistan qui m'a dit qu'il avait fait deux tournées là-bas. Il a dit que la seule chose qui pouvait apporter paix et calme à tout le monde à la fin de la nuit était d'écouter mon album. Je ne sais pas si je peux recevoir un plus grand compliment que cela.

Vous étiez le dernier artiste que John Prine a signé sur son label, Oh Boy Records, avant de décéder en 2020. D'une certaine manière, votre carrière aura toujours un lien avec son héritage. Que cela signifie-t-il pour vous ?

Je veux toujours m'assurer que je représente le label Oh Boy aussi bien qu'il mérite d'être représenté. Juste savoir que je serai à jamais la dernière personne à signer est quelque chose qui pèse sur moi, d'une bonne manière. Me retrouver sur son radar à tout moment est incroyable pour moi. J'ai souvent dit que si tout cela devait se terminer demain et que tout disparaissait — et j'espère vraiment que ce n'est pas le cas — mais si jamais cela arrivait, cela serait une plus grande réussite que tout ce que j'aurais pu imaginer recevoir de l'écriture de chansons.