Écoutez et lisez avec BADBADNOTGOOD'S IV

1. Une chaleureuse étreinte d'un vieil ami ; quelqu'un que vous aviez un peu oublié, même si vous étiez si proches autrefois. Vous avez fait des plans que vous comptiez respecter, et maintenant vous êtes tous les deux ici, à cet endroit, vous disant combien il est bon de se revoir et réalisant que vous le pensez vraiment. Vous replongez instantanément dans le passé, dans cette dynamique que vous avez toujours eue ; c'est formidable, même si vous savez tous les deux que c'est temporaire. Vous ne vivez plus à proximité l'un de l'autre. Vous ne le ferez plus jamais. Vous ferez des plans pour vous revoir, cependant, et vous le penserez vraiment lorsque vous proposerez de rendre visite. Il ne vous restera juste jamais le temps de le faire.

Quoi qu'il en soit, cette chanson sonne comme ça. Elle établit l'ambiance — vous êtes sur le point de faire un voyage au rythme de la nostalgie.

2. "In Your Eyes" est un morceau à l'ancienne, quelque chose que votre père pourrait jouer pour vous lors d'un long voyage en voiture tout en surveillant discrètement votre réaction. La production est extrêmement simple, maintenue par une ligne de basse néo-soul groovy et quelques accords de guitare résonnants. Les voix de Charlotte Day Wilson sont impeccables ; juste assez de vibrato léger et d'ennui pour être totalement convaincantes. C'est une chanson d'après-midi tardif, ou une chanson de 2h du matin — un baume pour un après-coup, pour le descente.

3. Cette chanson ressemble à une découverte inattendue d'un jardin de sculptures secret. Il y a plusieurs grandes figures, certaines difficiles à comprendre, chacune placée dans des configurations surprenantes. On a le sentiment que l'on pourrait y vivre, si l'on le voulait ; il y a une paix que l'on peine à expliquer au cœur du jardin. "Structure No. 3" est délicatement agencé, et ses quelques sections sont soigneusement disposées. La chanson se termine presque comme une réflexion secondaire.

5. Le morceau titre, "IV", ressemble à un retour à ce que BBNG fait de mieux. Il est long et élégamment texturé, un sublime accomplissement technique. La chanson sonne plus jazz que tout autre morceau de l'album, et elle est détendue et confortable dans le groove qui se développe. Chaque section est distincte — les quatre musiciens ont leur chance de briller — et ensemble, ils se sentent comme des époques. On peut entendre le temps passer. Elle se termine sur un solo de saxophone plein de vanité qui ressemble à une vie après la mort.

6. "Chompy’s Paradise" est une ballade sans paroles, floue pour une dystopie. Ou du moins, c'est ainsi que cela me fait sentir ; cela ressemble à une sorte de chanson d'amour que les militants écologiques dans "Final Fantasy VII" joueraient l'un pour l'autre, quelque chose qui représente et explique le désir frustré par les circonstances. Parfois, les choses ne fonctionnent tout simplement pas, parce qu'il n'y a pas de temps / le monde est pourri / ils n'étaient tout simplement pas faits pour ça ! Les synthétiseurs sont mélancoliques, c'est sûr, mais ils ont aussi un petit côté sinistre — tout comme la ligne principale de saxophone, qui renifle les bords de l'apathie. Faites écouter ça à quelqu'un avec qui vous avez un fort lien émotionnel mais avec qui vous n'avez pas couché, et pensez à quel point tout serait bien si vous le faisiez.

7. C'est une chanson à la dure pour une wilderness électronique. Elle semble tout droit sortie d'un jeu vidéo en 8 bits sur la survie dans un désert futuriste à la Mad Max ; c'est un jeu que l'on ne peut pas gagner, car on joue jusqu'à la mort et ensuite on recommence depuis le début. Les bips électriques de Kaytranada et les synthétiseurs suramplifiés s'harmonisent parfaitement avec la basse activiste de BBNG et la guitare scintillante. Celle-ci donne envie de danser. Je pourrais la mettre en boucle et jouer à la Super Nintendo avec la télé en sourdine.

8. "Confessions Pt II" a la signature temporelle la plus aventureuse des 11 chansons de "IV". Elle semble avant-gardiste, même si elle est construite à partir des mêmes éléments que les autres chansons de l'album. Le saxophone baryton prend un tour menaçant — en hurlant, en plongeant, en rugissant — et propulse la chanson en avant, tandis qu'un coup de grosse caisse insistant donne l'impression que les chiens de l'enfer sont sur vos talons. Le rythme est langoureux, plus ultramarathon que quoi que ce soit d'autre. Endurer est un pur plaisir.

9. Il est approprié que "Time Moves Slow" soit nonchalante. "S'enfuir est facile / C'est vivre qui est difficile", chante Sam Herring, inquiet et résigné à la fin de sa relation. "Et t'aimer était facile / C'est toi qui es partie qui a laissé une cicatrice", continue-t-il. On peut entendre la cicatrice dans sa voix ; c'est une personne qui est presque sortie de sa dépression post-romantique. Les blessures guérissent avec le temps. Il est important de se rappeler qu'elles cicatrisent beaucoup plus lentement avec l'âge.

10. Au début, je pensais que "Speaking Gently" était un triomphe en tonalité mineure, une reprise des thèmes des morceaux précédents. J'avais tort à moitié ; c'est une reprise, mais elle n'est pas triomphante. J'ai confondu une instrumentation agressive, confiante et inventive avec quelque chose de totalement différent. "Speaking Gently" est le genre de chanson que vous entendriez à trois quarts du film "Blue Velvet", juste au moment où la tension se brise et pénètre dans la résolution. C'est la chanson que vous pourriez vous surprendre à fredonner des semaines plus tard, sans vous souvenir d'où vient la mélodie.

11. "And That, Too" est agréablement choral, avec un schéma central serré. La chanson entière tourbillonne et fait des eddies autour de cette phrase mélodique, et elle ne dérape jamais. L'écouter donne l'impression de regarder un peintre abstrait commencer avec une toile vierge et commencer à superposer de la peinture sur sa surface. Épais et fin, en partant du milieu et en travaillant vers l'extérieur. À la fin, toute la toile est noire ; vous réalisez finalement que le processus était le but.