Numérique/Division: La Musique Électronique de Septembre, Analyser

Malgré mes meilleurs efforts en tant que propriétaire de cette sélection curatoriale régulièrement présentée de curiosités électroniques, la musique de danse règne toujours en maître. Lorsque la plupart des gens s'aventurent dans les clubs, la dernière chose qu'ils veulent entendre, ce sont les abstractions néo-classiques de Oneohtrix Point Never ou les éclats spasmodiques dignes de Cronenberg d'Iglooghost, que j'adore absolument. En général, les gens sortent danser parce qu'ils veulent danser, et les rythmes fiables qui répondent à de tels désirs directs ont moins à voir avec le cérébral qu'avec le primal. À l'inverse, Digital/Divide privilégie généralement l'écoute en fauteuil à l'expérience en boîte de nuit, principalement parce que j'ai fait mon temps dans les clubs américains et préfère désormais dormir toute la nuit.

En tant que quelqu'un qui a autrefois fait la fête dans des espaces semi-légaux, comme des cinémas pornos et des musées pour enfants, et qui se vante encore auprès de nouveaux amis d'avoir autrefois bu l'alcool de Richie Hawtin dans la cabine surélevée de l'institution de la vie nocturne désormais fermée The Limelight, il est facile d'exprimer du cynisme envers l'état profondément corporatisé de la danse moderne. Formaté pour exister, l'EDM a dépassé les toits et les murs et la lune elle-même pour devenir le répit de midi pour les festivaliers de musique des rockeurs indépendants et des rappeurs criant sur des enregistrements de leur propre voix. Les charts électroniques de Billboard se composent en grande partie d'un équipage hétéroclite de plants de l'industrie, de placements de chanteurs pop et de gars bien soignés qui semblent être nés au troisième but.

Cela dit, les mérites d'une incursion propulsive dans la promesse d'un set au moment de pointe ont encore ses charmes. Et peu de maisons de disques capturent ce qui est si bon à propos de la vie nocturne comme Anjunadeep. Le label basé à Londres produit régulièrement de la musique house de qualité du type deep/electro/tech/progressive, principalement des morceaux qui font du bien et élèvent l'esprit en travaillant les hanches. C'est aussi l'un des rares endroits qui prend le format album au sérieux, permettant à ses artistes de présenter quelque chose de plus que des compilations bâclées ou des playlists cyniques de prétendus singles racoleurs.

Sa dernière offre en format long est signée Yotto, un DJ/producteur finlandais avec un nombre décent de sorties là-bas depuis 2015. Les 13 pistes qui composent Hyperfall (Anjunadeep) portent une sentimentalité non subtile, imprégnant thématiquement le disque d'un poids émotionnel. Nommée d'après sa ville natale de banlieue, "Kantu" éveille un danger juvénile, avec des sons de cloches programmées exprimant une urgence au milieu de montées de basses. Un drame similaire s'insinue dans "Turn It Around," qui commence vaguement optimiste avant qu'une nouvelle mélodie n'apporte plus de clarté. "Odd One Out" scintille avec tous les signes distinctifs du prime performing tech-house, tandis que "Walls" plonge dans le sensationnalisme synthpop alors qu'il devient une véritable renaissance de la new wave sans vergogne.

Bien qu'une poignée d'invités apparaissent, l'album n'abuse pas du privilège comme tant de ses pairs nourris à la pop. Yotto recrute son frère littéral CAPS pour la soul aux yeux bleus lacrymales de "Epilogue" et fait appel à la chanteuse islandaise Margrét Rán Magnúsdóttir pour porter l'exultante "The One You Left Behind" jusqu'au soleil d'hiver. Sønin et Laudic rejoignent pour l'Underworldesque "Hear Me Out," pétillant malgré son apparent mélancolie.

Hiro Kone : Pure Expenditure (Dais)

Le boom industriel dans la techno des dernières années a produit de nombreuses œuvres caractéristiquement abrasives et choquantes. Un inconvénient, cependant, est qu'il simplifie trop souvent la diversité sonore de sa tradition musicale. Depuis les jours de Throbbing Gristle, il y avait de nombreux actes qui choisissaient de ne pas simplement sonder les ténèbres pour plus de ténèbres. Plutôt, ils éclairaient ces endroits et espaces pour produire des interprétations colorées mais authentiques de leurs visions qui restaient dans le cadre large du genre. Hiro Kone opère dans cet espace particulier, offrant une mise à jour insidieuse avec des liens vers Coil et le catalogue des disques Ant-Zen. Pure Expenditure crépite du début à la fin, un chef-d'œuvre luxuriant et complexe qui dévoile ses secrets avec une ruse artistique. "Scotch Yoke" scintille autant qu'il gémit; "Disoccupation Of The Sphere" trompe avec son minimalisme tout en levant progressivement le voile. Un vétéran des recoins les plus vénérés de l'industriel, la poétesse/chanteuse Little Annie émerge de sa dernière chrysalide pour époustoufler les esprits sur "Outside The Axiom."

Jlin : Autobiography (Planet Mu)

Depuis la démonstration du potentiel du footwork en dehors de la piste de danse par Dark Energy en 2015, tous les regards sont tournés vers cette productrice basée en Indiana. Le brillant Black Origami de l'année dernière a renforcé ses lettres de noblesse expérimentales en poussant son point de départ de genre choisi sur un nouveau terrain audacieux. Avec ce projet, la bande-son d'une performance de danse moderne chorégraphiée par Wayne McGregor, le contexte club de son travail antérieur passe au second plan alors qu'elle montre à la fois une conception sonore stupéfiante et une composition magistrale. Du balancement et du cliquetis de "Carbon 12" aux paysages sonores organiques de "Anamnesis (Pts. 1 & 2)", son exécution contrôlée de la complexité et, parfois, même du désordre est quelque chose à admirer. Riche en échantillons, "The Abyss Of Doubt" désoriente avec ses ronronnements mécaniques, tandis que "Kundalini" revisite fidèlement les intérêts spirituels de Jlin avec des échos de sitar. Et bien que les auditeurs puissent être perdus sans les visuels correspondants et les gyrations humaines, le Autobiography évocateur de près d'une heure évoque néanmoins des images dans l'esprit. Fidèles à leurs titres, "Mutation" et "Unorthodox Elements" s'emmêlent et grincent tout en évoquant à la fois Cabaret Voltaire et le ballet.

Jumping Back Slash : Fun (auto-publié)

Un transplant du Royaume-Uni vivant en Afrique du Sud depuis quelque temps maintenant, Jumping Back Slash a souvent été un fervent défenseur et praticien des variantes de la musique house de son pays d'adoption, respectivement connues sous le nom de gqom et kwaito. Même si les nuances et subtilités régionales inhérentes à cette musique s'avèrent plus ou moins indiscernables pour les oreilles anglophiles, certaines parties de son dernier projet méritent d'attirer de nouveaux auditeurs dans les sons du Cap, de Durban et de Johannesburg. "My Dagga Tragedies" bat son plein alors que ses magnifiques leads de synthé implorent une extension sur une ligne de basse gluante, tandis que l'hymne similaire "I Keep Waiting" perpétue ce désir euphorique. La tension règne sur "On A Wire, Suspended," qui se distingue par certaines qualités cinématographiques. Pas content de s'en tenir à un sous-genre donné, la nature espiègle de JBS se manifeste dans le bruit métallique de "Tinfoil," une rare minute de punk hardcore numérique, et dans les drones et les grommellements de "Eating Dragonfruit With My Wife." Fun? En effet.

Niagara : Apologia (Principe Discos)

Ce n'est pas un disque ordinaire de Principe. Bien sûr, le label portugais derrière les futuristes du kuduro Dj Firmeza et DJ Marfox présente régulièrement l'hétérogénéité sonore de la scène, mais Apologia est différent. Une petite boucle étrange augmentée par les voix de sprites désincarnés, "França" ne ressemble guère aux vibrations émanant des banlieues de Lisbonne. Niagara révèle sa véritable forme de farceurs électroniques en résidence du label, bavant sur les meubles et se moquant des rideaux. Que ce premier album ait l'intention de provoquer le rire ou non, l'inévitabilité des sourires procure une cohérence réconfortante tout au long de sa durée valable. Le trompeusement intitulé "6:30" étire une flatulence acide sur plus de sept minutes, tandis que "Damasco" joue avec les auditeurs en tripotant sa mélodie en temps réel de manière exaspérante. Des morceaux comparativement plus sérieux comme "Cabo Verde" et "2042" font allusion aux styles plus orientés club pour lesquels cette empreinte est connue. Pourtant, les rythmes comptent moins ici que d'habitude. Une fois que vous acceptez cela, Apologia obtient rapidement le pardon.