Andrew Bird: Journey to Echolocations

par Rudolph Santarromana

Je veux que vous découvriez tous de la nouvelle musique ce week-end. Prenez votre album du mois de Vinyl Me, Please, votre cocktail, et installez-vous dans une pièce avec une fenêtre. Placez cette aiguille dans la rainure, et écoutez un album en entier. Mettez ce téléphone en mode avion, et débranchez-vous du monde.

Nous vivons dans un monde de plus en plus numérique. Nous avons l'habitude d'obtenir ce que nous voulons rapidement. Vous pouvez obtenir n'importe quelle information dont vous avez besoin en quelques secondes, et les enfants d'aujourd'hui ne connaîtront pas la lutte d'avoir réellement un dictionnaire ou d'apprendre à faire quelque chose sans une vidéo youtube utile. Avez-vous déjà voulu apprendre une chanson à la guitare ou au piano et cherché les notes ou les accords sans jamais vous asseoir et essayer d'apprendre l'ensemble de l'instrument ? J'admets l'avoir fait auparavant. Nous nous laissons piéger en étant tellement concentrés sur le résultat final que nous pouvons parfois oublier à quel point le voyage ou l'expérience dans son ensemble est important. Mais c'est ce voyage qui crée des génies de la musique moderne. Ce type de vision holistique de la musique est incarné dans la Méthode Suzuki de formation musicale.

Qu'est-ce que la Méthode Suzuki, demandez-vous ?

La Méthode Suzuki est basée sur la façon dont nous apprenons notre première langue en tant que nourrisson (elle est également appelée méthode de la 'langue maternelle'). Nous n'avons aucune compréhension préalable de la langue comme base, mais pourtant, nous parvenons à comprendre la langue. Cela se fait en commençant tôt et en entourant l'enfant d'un environnement qu'il peut imiter. Nous parlons aux bébés et leur enseignons des noms en répétant "maman" et "papa" jusqu'à ce qu'ils imitent ces sons pour produire "mama" et "dada". Plutôt que de dire au bébé qu'il a tort, un renforcement positif constant de ces petites réussites amène l'enfant à améliorer lentement ses compétences, jusqu'à ce que "mama" devienne "mère" et "dada" devienne "père", et tout cela se fait avant même qu'il apprenne à lire. Une fois qu'il y a une compréhension de base, l'enfant commence alors à lire et à écrire. Il n'y a pas de tests, de niveaux de réussite ou de mesures de maîtrise dans notre façon d'apprendre la langue et c'est ainsi que la Méthode Suzuki enseigne le 'langage de la musique'.

Andrew Bird, originaire de Chicago, est un contemporain de la Méthode Suzuki à travers lequel il devient clair le type de musicien que cette méthode peut développer. Il a commencé à jouer une version du violon faite d'une boîte à chaussures à l'âge de quatre ans. Selon Bird :

“Je suis vraiment reconnaissant que le style de Suzuki avec lequel j'ai grandi soit resté fidèle au concept de ‘l'apprentissage par l'oreille’ et à la ‘langue maternelle’. Cela a eu un énorme impact sur le type de musicien que je suis.

Si la lecture avait été l'accent, je pense que je serais devenu différent. Les notes étaient là devant nous mais elles faisaient juste partie de la cérémonie de jouer. C'était purement par l'oreille. Ensuite, nous avions des leçons en groupe et des leçons particulières une fois par semaine, et c'était très social. Ma mère était très impliquée. Elle venait à tout et elle a même commencé à jouer (violon) avec moi la première année.

Je suis plus reconnaissant pour la Méthode Suzuki que pour toute opportunité musicale que j'ai eue.

D'un point de vue musical, ce qui est le plus important, c'est que, comme je n'ai pas appris à lire la musique tout de suite, j'ai établi une connexion directe avec ce qui se trouvait dans ma tête. Cela permet à la musique non seulement d'entrer dans mon oreille mais aussi de sortir de ma tête et sur mon instrument. Et en tant qu'écrivain, compositeur et improvisateur — lorsque j'ai fait le saut de la musique classique à la musique folk ou au jazz au fil des ans, ce n'était pas un grand saut. Et j'ai vu d'autres musiciens autour de moi — des gens au conservatoire — qui ne pouvaient pas se déplacer de gauche à droite sans les notes écrites.”

Ce hiver, Andrew Bird a repris ses performances intimes “Gezelligheid” (un mot néerlandais qui se traduit à peu près par ‘chaleureux’ ou ‘mignon’) pendant quatre nuits consécutives à l'Église Presbytérienne de Fourth à Chicago, et j'y assistais. Ce n'était pas la première fois que je le voyais en direct, mais je dirais que c'était ma performance préférée. Avant l'ouverture des portes, la sécurité est allée le long de la ligne et a demandé à chacun de ne pas utiliser leurs téléphones pour des photos, vidéos, enregistrements de quelque sorte que ce soit, ou toute utilisation de quelque sorte — après tout, c'était dans une église. Et honnêtement, un enregistrement ne rendrait pas justice à l'expérience. Ce serait comme raconter une histoire, voir le regard peu impressionné de votre audience (même si je ne peux pas voir vos visages maintenant) et finir par dire, “vous deviez être là”, ce que je suis sûr que nous avons tous fait, donc je vais m'épargner de suivre ce chemin. Ce que je dirai, c'est que l'attention portée aux détails était évidente, tant acoustiquement qu'esthétiquement, et ils se marient bien avec l'atmosphère intime de l'événement. Après tout, chaque spectacle a une histoire qui y est liée et qui encapsule l'expérience globale.

Avec l'idée de ses environs à l'esprit, “Un nouveau projet en cours de [Bird] appelé Echolocations est une extension de Gezelligheid où [il] ‘joue pour la salle’ que ce soit un canyon dans l'Utah ou un aqueduc du XVIIIe siècle à Lisbonne.” Le premier de la série ‘Echolocations’ a été publié plus tôt cette année. Echolocations: Canyon a été enregistré dans les canyons de Coyote Gulch dans l'Utah. Écoutez attentivement, et vous pouvez entendre l'écho sur le mur du canyon de pierre, et ce qui sonne comme un ruisseau d'eau sur le sol dans cette composition ambiante. Les prochaines installations prévues d'Echolocations incluent : River, City, Lake, et Forest.

Making of Echolocations: Canyon

Soundcloud de Echolocations: Canyon

Andrew Bird continue de créer et d'enregistrer de la musique et est un fervent défenseur de la participation musicale des jeunes découlant des expériences positives qu'il a vécues étant enfant. Bird a joué à The Hideout à la fin de sa série Gezelligheid 2015 à Chicago et tous les bénéfices ont été destinés à la Bourse Andrew Bird mise en place pour financer des cours de musique pour les étudiants du Chicago High School for the Arts. Il dit, “La musique rend votre vie plus riche… Elle crée des personnes différentes avec des valeurs différentes. Des valeurs qui vont plus profondément que la quête de l'argent et des choses matérielles.”

Alors la prochaine fois que vous essayez d'arriver quelque part, envisagez votre voyage et les bénéfices que l'expérience peut apporter. Impliquez tous vos sens et soyez présent dans le moment. Ces expériences peuvent mener à quelque chose de plus complet que ce que vous aviez initialement prévu. Pour Andrew Bird, la musique est plus que la bonne combinaison de sons et d'instruments — elle reflète aussi vos environs. Après tout, la musique est une expérience, n'est-ce pas ? C'est pourquoi nous aimons les disques vinyles. Le poids du disque dans nos mains, apprécier le grand artwork de l'album, la beauté du disque noir, rose, violet, rouge, ou transparent, et entendre les premiers craquements pendant que l'aiguille trouve sa rainure vous fait comprendre que c'est réel. Un écran de téléphone numérique ne peut pas offrir une expérience comme celle-là.