Les 10 meilleures bandes sonores de science-fiction et de fantasy à posséder en vinyle

Star Trek II: The Wrath of Khan

“Khaaann!!!” Maintenant que c'est dit, je peux dire que The Wrath of Khan (1982) est le meilleur film Star Trek de tous les temps. Il se trouve aussi être l'une des compositions les plus mémorables de James Horner. Alors que Star Trek: The Motion Picture visait l'illumination, Khan est une bonne vieille aventure de pirates, mettant en scène le vaisseau spatial Enterprise et son équipage contre un ancien ennemi de la série télé, Khan Noonien Singh, un rôle créé et de nouveau interprété ici par l'incroyable Ricardo Montalbán. Ce film a tout : le passé de James Kirk, son amitié avec Spock et les bons qui déjouent les méchants charismatiques. Qui peut oublier la manière dont les cors illuminent juste dans le “Main Title”, avant que le motif du héros principal n'enfle et ne s'élève ? L'interaction entre le héroïque et le sinistre est ici de la meilleure qualité. “Surprise Attack” et “Battle in the Matara Nebula” mettent le sang en ébullition, accumulant le suspense jusqu'au climax dans “Genesis Countdown.” Mais il y a aussi de la poignance, comme dans “Spock” et l'“Epilogue/End Title.” La récente réédition en 2 LP est géniale, mais ici, un vieil pressage en simple LP fait mieux avec son efficacité tout killer, pas de filler. The Wrath of Khan est exactement pourquoi les musique de film sont si populaires, et si vous ne l'avez pas encore vu, ne tardez pas.

Edward Scissorhands

Je ne me souviens plus combien de fois j'ai vu Edward Scissorhands (1990) au cinéma, mais je me souviens avoir été émerveillé par la façon dont il capturait parfaitement ce sentiment d'aliénation dans ce qui est censé être un monde lumineux et parfait. Pour le conte de Tim Burton sur un jeune homme mécaniquement construit (interprété par Johnny Depp) avec des lames de ciseaux à la place des mains et un incroyable costume en cuir, amené dans une banlieue stéréotypée par une représentante Avon, qui de mieux que le compositeur Danny Elfman pour incarner l'innocence d'Edward et la vision du bonheur suburbain à travers les yeux d'un outsider. Edward Scissorhands est l'apogée d'Elfman. La bande originale est fantasque, froide et effrayante. “Introduction” et “Storytime” nous plongent doucement dans le monde fantastique, introduisant les thèmes récurrents. “The Cookie Factory” et “Ballet of Suburbia” ont des éléments de la musique d’Elfman pour Pee Wee’s Big Adventure, mais c'est le délicat “The Dance” qui a fait fondre les cœurs alors que l'intérêt amoureux d’Edward, Kim (Winona Ryder), danse dans les flocons de glace tombant de sa sculpture de glace. Bizarre mais d'une romance à couper le souffle, cette bande originale est un incontournable pour les fans d'Elfman.

The Fountain

Romance, fantaisie et drame de science-fiction, The Fountain (2006) peut être un film difficile pour certaines personnes. Réalisé par Darren Aronofsky et mettant en vedette Hugh Jackman et Rachel Weisz, le film combine trois intrigues se déroulant dans le passé (un conquistador à la recherche de l'Arbre de Vie), le présent (un scientifique cherchant à guérir le cancer de sa femme) et un futur lointain (le scientifique voyage à travers l'espace). Compliqué et parfois horriblement vague, c'est aussi un film très beau avec une bande originale tout aussi belle composée par Clint Mansell, interprétée par le Kronos Quartet mais avec des contributions également faites par le groupe post-rock Mogwai. Les thèmes universels de l'amour et de la mort signifient que Mansell devait composer une musique qui évoquait l'intimité de l'amour et la transcendance d'accepter la mortalité. Plus qu'une simple compilation de thèmes de musique, The Fountain joue comme un album, le Kronos Quartet agissant comme un vrillage entrelacé, avec des couches ajoutées alors que les émotions et l'action s'intensifient, comme dans la bataille où le conquistador se bat pour entrer dans le temple maya, ou lorsque le voyageur de l'espace du futur médite ou que Izzi essaie de convaincre son mari d'accepter son destin. Honnêtement, vous n'avez même pas besoin de regarder le film pour apprécier cette bande originale. Elle est juste si bonne.

Legend

Legend (1985) est un film fantastique réalisé par Ridley Scott et mettant en vedette Tom Cruise en tant que héros vivant dans les bois qui part combattre le mal et sauver son amour, Lily, interprétée par Mia Sara, tout en sauvant un unicorn. Fées, gobelins, magie et amour, c'est un film étrange qui ne se concentre pas seulement sur la quête du héros mais aussi sur Lily capturée et sa lutte pour résister aux tentations offertes par Darkness, interprété par un Tim Curry au look plutôt badass. Il y a en fait deux bandes originales composées. Une par Jerry Goldsmith, utilisée pour la sortie européenne du film, mais le studio a commandé une autre score par les légendes électroniques Tangerine Dream pour la sortie américaine. Il est devenu à la mode ces derniers temps de préférer la bande originale de Goldsmith, de nier le ressenti des années 80 de Tangerine Dream, mais l'irréalité de leur bande originale est là où se situe l'intensité. “Cottage” est innocent, “Unicorn Theme” est une mélancolie majestueuse mêlée à des synthétiseurs majestueux et “The Dance” est une valse tordue alors que Lily est séduite par les bibelots et délicatesses décadentes de Darkness. Le contraste entre le conte de fées et la bande originale moderne chargée de synthétiseurs donne en fait à Legend une grandeur plus cérébrale. Une bande originale traditionnelle comme celle de Goldsmith la fige inutilement tandis que Tangerine Dream donne à Legend des ailes.

Jurassic Park

D'accord, John Williams se retrouve finalement sur cette liste. Avec l'état de la technologie cinématographique et des effets spéciaux de nos jours, il est difficile pour les jeunes publics de connaître la sensation ressentie lors de la projection de Jurassic Park (1993) de Steven Spielberg au cinéma lorsqu'ils étaient enfants et d'être aussi émerveillés que les personnages principaux en voyant la magnificence des dinosaures. Le côté banal de tout cela est même moqué dans Jurassic World de 2015 où les dinosaures génétiquement modifiés du passé sont ennuyeux ; ils doivent être plus grands et pires pour intéresser les visiteurs du parc. Cependant, ce qui aide à garder la magie vivante lors des visionnages répétés du Jurassic Park original, c'est la bande originale de Williams. Comme le marionnettiste émotionnel qu'il est, Williams inspire avec “Theme from Jurassic Park” et d'autres extraits comme “My Friend, The Brachiosaurus” et “A Tree for My Bed.” Les dinosaures ici ne sont pas des monstres prêts à attaquer tout le monde mais des animaux à respecter. Et lorsque les grands carnivores malintentionnés font ce que des grands carnivores malintentionnés font instinctivement, Williams suscite à juste titre des frissons avec des extraits tels que “The Raptor Attack” et “T-Rex Rescue & Finale.” Un chef-d'œuvre d'inspiration et de frissons.

Tank Girl

Le film a peut-être échoué au box-office mais Tank Girl (1995) vit toujours dans notre mémoire de cinéphiles cultes — dans un futur post-apocalyptique, une entreprise maléfique contrôle l'eau et opprime les habitants survivants mais Tank Girl et Jet Girl ripostent. Dirigé sans respect par Lori Petty dans le rôle de Tank Girl, ce film est un véritable cri de ralliement du girl power des années 90 avec une bande originale à la hauteur. Je ne parle pas cette fois de la bande originale, mais des contributions variées d'artistes à la bande son. Avec des artistes sélectionnés par Courtney Love, nous avons des groupes comme L7, Belly, Portishead, Hole, Veruca Salt, Björk et Devo. Et dans le vrai style des années 90, beaucoup des scènes du film qui présentent ces chansons ressemblent à des clips musicaux – la chanson “Roads” de Portishead pendant que Tank Girl prend une douche de sable après une dure journée de travail en prison, “Army of Me” de Björk alors que nos héroïnes infiltrent un club de strip-tease pour sauver une jeune fille. Vous savez comment certaines bandes originales capturent l'essence d'un film et deviennent même plus populaires que le film lui-même ? Tank Girl est l'une d'elles. Sortie sur vinyle pour la première fois cette année, vous n'avez pas d'excuses.

The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring

Au moment où j'écris cela, cela pourrait être le seul parmi les trois bandes originales de Lord of the Rings à être sorti sur vinyle (et il convient de noter que les enregistrements complets constituent cet ensemble), mais je choisirais quand même The Fellowship of the Ring (2001) plutôt que les autres même si les deux autres étaient sur vinyle. Les compositions de Howard Shore pour ce premier épisode sont tout simplement excellentes. C'est ici que nous entendons pour la première fois le motif de l'Anneau Unique ; où nous entendons la mélodie flottante de “The Shire” et le thème ragaillardissant de la communauté de héros qui part détruire l'Anneau. Comme le film, la bande originale progresse des événements paisibles du village vers un danger croissant dans “The Nazgûl” et “Weathertop” avec des pauses occasionnelles comme dans “Rivendell.” Mais c'est cette tension croissante (“Moria,” “Gollum,” “Khazad-dûm,” “The Fighting Uruk-hai”) qui intensifie les enjeux pour la trilogie. Le voyage commence ici. La détermination de la mission de Frodo se dégage de “The Road Goes Ever On… Pt. 1.” Et comme si nous avions besoin d'un soulagement supplémentaire pour notre anxiété face au danger que nos héros affrontent, Enya éclate avec l'angélique “May It Be.” La bande originale est plus épique que le film, si cela est même possible.

2001: A Space Odyssey

La bande originale de 2001: A Space Odyssey (1968) n'est pas une bande sonore originale, c'est une collection de pièces classiques, mais cela ne rend pas la musique de ce film moins emblématique. Les dialogues étaient peu utilisés dans l'épopée spatiale de Stanley Kubrick sur une mission vers Jupiter, un ordinateur de bord dérangé et la possibilité d'une intervention extraterrestre dans l'évolution humaine. Du lourd, hein ? Imaginez ce que les gens de 1968 en ont pensé. Avec peu de dialogues pour que le public s'accroche, l'émotion du film était centrée sur la musique, ancrant l'imagerie du film à ces pièces. Qui peut entendre “Also sprach Zarathustra” de Richard Strauss sans imaginer la scène de l'homme-singe découvrant une autre utilisation des os ou l'Enfant-Star apparaissant à l'écran ? Ou la station spatiale amarrée sur “The Blue Danube” de Johann Strauss II ? Et qui ne peut pas visualiser le monolithe en entendant “Requiem” de György Ligeti ? Cette bande originale a rendu ces pièces populaires et la musique classique a retrouvé l'intérêt du grand public grâce à cela.

Mad Max: Fury Road

Les bandes sonores d’action qui crient des chances accablantes et des outsiders combatifs sont les meilleures et la bande originale de Junkie XL pour Mad Max: Fury Road (2015) livre et au-delà. Mon dieu, ce film est de l’adrénaline pure. Le paysage post-apocalyptique sombre des précédents films Mad Max continue : dans un complexe brutal où le leader Immortan Joe contrôle une source d'eau et une population opprimée, l'une de ses lieutenantes, une Charlize Theron en acier qui incarne Furiosa, aide les épouses de Joe à s'échapper dans un énorme véhicule à roues pour qu'elles puissent élever leurs enfants dans un endroit sûr. Ils s'associent à Max qui, quelque part depuis Thunderdome, est en mode survie pure et a perdu les pédales, mais en chemin redécouvre son humanité. Le compositeur Junkie XL utilise d'excellentes percussions et guitares, décrivant avec le son la terreur massive d'une force implacable, alors que Joe et ses sbires poursuivent Furiosa et sa bande. La poursuite ultime à travers un parcours de désastre associée à une bande originale à la hauteur ? Oui, s'il vous plaît. Et si le morceau “Let Them Up” ne vous inspire pas avec ses cordes et cuivres solennels, écoutez-le à nouveau.

Labyrinth

Labyrinth (1986) met en vedette Jennifer Connelly dans le rôle de Sarah, une adolescente qui souhaite faire disparaître son petit frère mais s'en regrette immédiatement et doit vaincre des gobelins pour le sauver, et David Bowie dans l'un de ses rôles de film les plus emblématiques en tant que Jareth, le Roi des Gobelins, un antagoniste effrayant mais sexy qui a fait battre le cœur de nombreux adolescents. Non seulement il arbore des costumes à couper le souffle, mais il a écrit et interprété plusieurs des chansons originales du film. Mes préférées incluent “As The World Falls Down” où Jareth essaie de tenter Sarah de son quêtes lors d'un bal somptueux, et “Within You” dans lequel Jareth chante sa solitude et son désir lors du climax du film mais est ignoré alors que Sarah essaie d'atteindre son frère. Ces chansons, associées à la bande originale fantastique basée sur des synthétiseurs de Trevor Jones, font de la bande son de Labyrinth un classique et oh-so-80s, mais c'est ok. Comme le dit Sarah au nain Hoggle à la fin du film alors qu'elle range ses jouets et trésors, de temps en temps, elle a besoin de lui — accepter l'âge adulte et la responsabilité ne signifie pas que nous ne pouvons pas regarder avec tendresse ces choses qui nous ont aidés à nous définir en chemin. Et allez, c'est Bowie !