VMP Rising: boylife

A medida que los niños pequeños a menudo lo hacen mientras descubren sus intereses y pasatiempos, Ryan Yoo comenzó a tocar el piano y el clarinete antes de pasar al proceso de autoenseñanza de la guitarra en la escuela secundaria. La música no había estado en su horizonte. De hecho, nunca lo consideró en profundidad hasta llegar a la universidad. Incluso entonces, fue un proceso de prueba y error, pero entre la exploración de sonidos y del yo, algo indeleble había surgido. Encontrar la libertad creativa es una aspiración para muchos artistas que puede convertirse en un viaje de toda la vida, pero para Yoo, encontró exactamente eso en su proyecto en solitario como boylife.

"Empecé cada proyecto con diferentes prioridades. Con la música en solitario, mis intenciones eran muy específicas. Decidí desde el principio que estaba haciendo esto completamente para mí. No importaba si obtenía una única reproducción o si conseguía mil millones de reproducciones. Se trataba totalmente de expresar mi opinión y satisfacer mi alma. No se trataba en absoluto de la recepción o la percepción del proyecto", explicó Yoo. "Eso era algo que encontré muy liberador creativamente, porque para mí: En el instante en que estoy feliz con una canción, he ganado. Es algo que puedo disfrutar, porque ya tengo la satisfacción en ese punto. No estoy seguro de si todos parten con esa intención, pero tenía que dejarlo muy claro para mí desde el principio. Con mi música en solitario, este es mi santuario."

VMP: Siento que es muy evidente en tu música que eres muy honesto y sincero con quién eres. Sé que gelato fue un proceso de cuatro o cinco años para ti. Probablemente estuviste trabajando en esto durante la pandemia también. ¿Eso afectó en algo tus procesos creativos o cambió la forma en que abordas tu música?

boylife: Durante mucho de ese tiempo de pandemia, no pude ir a los estudios. Eso cambió un poco las cosas en el sentido de que mis herramientas eran un poco más limitadas, y mi horario también era mucho más abierto. Más allá de eso, no creo que cambiara cómo iba a resultar la música. La forma en que salió el álbum, iba a quedar de esa manera de todos modos. Lo único que podría haber sido diferente quizás sería más cuerdas, si hubiera podido hacer eso. Siento que muchos artistas dijeron: "Oye, la pandemia me hizo esto o aquello". Artísticamente, realmente no hizo mucho. No me hizo ninguna diferencia, sinceramente.

Como mencioné antes, sé que gelato fue un largo proceso para ti — cuatro a cinco años. Ese es un tiempo realmente largo para cualquiera. Mucho puede cambiar entre eso. ¿Cómo has visto tu crecimiento o cambio desde donde empezaste al principio comparado con ahora que el álbum esté finalmente completo?

Ha sido mucho tiempo. Definitivamente he cambiado tanto como persona como artista. Cuando eres joven, cada año es una gran diferencia en términos de conocerte a ti mismo y ser seguro. Esa es la única gran diferencia para mí. No siento que tengo algo que demostrar. Creo que al principio, cuando estaba haciendo música, había una inseguridad allí y quería demostrar que podía hacer algo. Quería demostrar que mi visión era singular, que es parte de cómo nació “church”. Pensé: “Voy a hacer algo que no suene a nada que haya escuchado antes.” Todavía hago eso, pero la intención ha cambiado. Ahora se trata más de perseguir mi chispa y buscar lo que me impulsa artísticamente. Al principio, cuando estaba haciendo canciones de boylife, no sabía que estaba haciendo canciones de boylife porque boylife no existía. Pensaba: “Esto no encaja en ningún proyecto en el que esté trabajando, pero necesito hacer esto.” Eventualmente, todas las canciones que nacieron de esa urgencia se convirtieron en las canciones de boylife. Ese también es otro cambio que ocurrió en los últimos cuatro o cinco años: el proyecto fue inventado.

Mientras escuchaba el álbum, algo que noté es que “lush 2” viene antes de “lush” en la lista de pistas. ¿Puedes hablar sobre la conexión entre las dos canciones y qué te guió a tener esa intención de que la gente escuche “lush 2” antes que “lush”?

Hice “lush” antes de hacer “lush 2.” “lush” comenzó inicialmente como otra pieza llamada “sober” y era una canción de dos partes. Parte de por qué la palabra “lush” se incorporó es que “lush” es una palabra antigua para un borracho. Esa canción fue canibalizada y se transformó en otra pieza, que se convirtió en otra cosa, y se convirtió en “lush” tal como es ahora. Pero el título permaneció igual. No tiene nada que ver con estar borracho salvo quizás por la parte en la que eres demasiado honesto. “lush 2,” quería que fuera — si estuviera súper borracho, ¿de qué estaría hablando?

La guitarra y los ritmos son los mismos en ambas pistas, así que para mí, son sonoramente un poco similares. Esa es la conexión. Muy ligera, muy aleatoria. Pero ambas están vagamente conectadas al alcohol, supongo. [Ríe] En cuanto a la secuenciación, “lush 2” viene antes de “lush” porque temáticamente, en ese punto del álbum, era importante para mí poner ese mensaje donde está. Era importante para mí que esté al lado de “bummy.”

“bummy” es casi como sentirse mal, pero no tomándolo muy en serio. Soy bipolar, así que de eso trata. Y luego, “lush 2,” para mí, fue sobre mostrar un lado diferente de eso. “bummy” es casi una celebración y siendo como: “¡Sí! ¡Esto es!” La energía es ruidosa y loca. Con “lush 2,” fue el extremo opuesto. Para mí, fue importante ponerlas una al lado de la otra porque están hablando de dos lados de la misma moneda. Después de “lush 2,” está “superpretty,” que, para mí, también habla de otro lado de lo mismo. Todos están conectados, en mi opinión.

Creo que eso abre mucho sobre la intención detrás del álbum y cómo está increíblemente bien pensado.

Es importante para mí que las canciones sean más fuertes en su contexto que en aislamiento. Si soy muy honesto conmigo mismo, no creo que haya nada remotamente parecido a un sencillo exitoso en el álbum. Creo que las canciones son geniales por sí solas, pero siento que la presentación más fuerte es cuando las escuchas todas a la vez, porque se hablan entre sí de esa manera.

Sobre el tema de “lush,” toca sobre alguien que no puede ser honesto consigo mismo al principio. Es curioso, porque tú mismo eres innegablemente honesto sobre quién eres y tus experiencias. Como mencionaste, el propósito de boylife es simplemente crear y ser quien eres. ¿Alguna vez has tenido dificultades para mostrar esta parte íntima de ti mismo en tu música? ¿O es algo que simplemente te sale natural?

Es definitivamente difícil. Si no siento esa incomodidad que viene de ser un poco demasiado honesto sobre algo — si no me siento incómodo tocándolo para alguien, entonces no pasa el corte. Tengo que sentirme un poco desnudo tocándolo para alguien. Sentí eso con cada una de las canciones en el álbum. La primera vez que toqué “churches” para uno de mis amigos de la iglesia, pensé: “¿Por qué hice eso?” Y él dijo: “Esto es increíble.” Esa fue una pieza de aliento temprano muy agradable que podía ser honesto, y si hay algo real ahí, entonces puedo confiar en que alguien en el mundo va a resonar con eso. Definitivamente es difícil, muy esforzado. En el caso de “lush,” específicamente, es un poco meta ser honesto sobre no poder ser honesto [ríe], pero definitivamente traté de encarnar eso en la canción tanto como pude. Esa canción siempre es un poco incómoda de tocar para la gente. No mucha gente supera la primera línea [ríe].

Sé que hablabas sobre parte de tu música lanzada anteriormente y sobre las experiencias que formaron canciones como “peas” o “bummy.” ¿Puedes profundizar en las canciones más nuevas de tu álbum y qué influyó en los temas de ellas?

Cada canción está ligada a una historia o un momento. Hago la música de boylife súper despacio porque cada canción es como un recipiente en el que vierto un poco de mi alma, y para que cada una sea diferente, siento que mi alma tiene que ser un poco diferente. Y para que mi alma sea un poco diferente, tiene que haber pasado un buen tiempo o tiene que haber ocurrido una nueva experiencia. Así que cada una definitivamente lleva un pensamiento o una experiencia diferente en el centro.

En el caso de “hey,” por ejemplo, eso llegó hacia el final del proceso de creación del álbum y estaba reflexionando sobre todas las diferentes piezas. Me di cuenta de que “Oh, este es un autorretrato.” Eso es esencialmente lo que es este álbum. Es un autorretrato. Solo estoy mostrando estas diferentes piezas, los diferentes lados. Es casi como una meditación sobre mi relación conmigo mismo y cómo me veo. Es una letra extraña. “Hey gelato, te he amado intensamente.” Pero, de alguna manera, eso se siente bien para mí.

Algunas de estas otras pistas como “church,” nunca podría volver a hacerlas. Quizás “peas” sea la única que podría hacer en otro momento de mi vida, porque esa es una reflexión sobre algo con lo que crecí. Pero quizás no podría, porque el momento en que la hice fue cuando estaba reflexionando sobre ello intencionalmente y reconfigurando mi relación con mis padres en ese momento. Así que quizás no podría hacer eso de nuevo.

Cuando escuché por primera vez “peas,” lloré a lágrima viva, porque era tan relatable. También soy asiático americano, y tuve esa brecha generacional y cultural con mis padres. Cuando escribías desde la perspectiva de tus padres, ¿cambió la forma en que ves tu relación con ellos? ¿O te ayudó a entenderlos un poco mejor?

Diría que la canción no afectó directamente nada. Fue más bien el subproducto de cosas que cambiaron y ver cómo mis padres me amaban. Tuve un año bastante difícil — un año en particular donde muchas cosas intensas estaban sucediendo. Mis padres simplemente estaban ahí para mí. Podía sentir que no tenían idea de lo que estaba pasando, pero podía sentir claramente cuánto me amaban. El plato de frutas es el signo universal de amor, o, “¿Oye, tienes hambre? ¿Has comido?” Esa es la forma de los padres asiáticos de decir que te aman. Estaba reflexionando sobre todo eso, y después de ese período, me hizo apreciar la forma en que mis padres me ven y me aman desde una nueva perspectiva.

Aún estaba terminando la universidad cuando llegó la pandemia, y volví a casa. Siempre tenía miedo de que mi mamá apareciera en mis clases de Zoom con un plato de frutas. [Ríe] Definitivamente lo aprecio.

Es gracioso lo universal que es. Cuando estaba haciendo esto, no estaba pensando: "Esto es para los hijos de inmigrantes." Era solo una historia sobre mi vida.

A lo largo del álbum, hay un tema predominante y la letra de “gelato” aparece mucho. ¿Qué significa esa frase para ti y cuál es ese tema en todo el álbum?

Gelato es delicioso. Tienes que comerlo antes de que se derrita por completo, mientras mantiene su forma. Por alguna razón, eso se convirtió en la metáfora definitiva para cada una de estas cosas que he estado viviendo. La primera canción dice: “Todo se derretirá como gelato.” Esa es mi versión de decir la frase clásica: “Esto también pasará.” Con eso en mente, era importante capturar cada uno de estos momentos mientras los vivía de la manera más honesta y directa posible. Porque son momentos, y van a pasar. Y antes de que lo hagan, quiero asegurarme de que estaba presente para ellos. Esa es una de las ideas principales con todo el tema de gelato. Para el estribillo de piano de la introducción, lo hago volver varias veces y el álbum es casi como un símbolo de un recordatorio de que esto, también, pasará. Todo se derretirá. Esa es realmente la idea. Además, por alguna razón, no sé cómo o cuándo sucedió esto, la gente me llama Gelato. Así que eso también está presente. En última instancia, el álbum fue un autorretrato.