El segundo álbum de Shura es una historia de amor queer y azul

Puedes escuchar la emoción animar su voz, incluso por teléfono, cuando habla de enamorarse o del anhelo a distancia que lo precedió. Mientras que los fans anteriores de la cantante y compositora británica Shura estarán más que familiarizados con el amor no correspondido y los deseos complicados que dominaron su debut sintético, Nothing’s Real, en 2016, su último trabajo proporciona resolución y satisfacción en tonos de azul profundamente reconfortante. Pasando de una paleta de melodías electrónicas heladas a una dominada por R&B de matices cálidos y letras románticas, su disco de seguimiento, forevher, está tan lejos de un segundo álbum decepcionante como puede llegar un músico.

Cuando la músico con sede en Londres se enamoró de una mujer que vive en Brooklyn, el eventual despliegue de sus sentimientos — que condujo, necesariamente, a vuelos internacionales — se desarrolla en la canción que presentó el álbum, "BKLYNLNDN." Evocando a artistas como Bon Iver, St. Vincent y Blood Orange en un trozo glacial de funk sintetizado, Denton combina hábilmente imágenes religiosas con el hermoso y específico deseo de los sentimientos a distancia, estallando en la urgencia del coro: “Esto no es amor / esto es una emergencia.”

En 2019, cuando grandes estrellas como Janelle Monáe y Hayley Kiyoko están orgullosamente fuera y queer en su música y vidas personales, contar narrativas queer es más importante que nunca, no solo para la representación, sino también para probar que las audiencias heterosexuales son igualmente capaces de entender los sentimientos contenidos en narrativas explícitamente gays y relacionarse con ellos, a pesar de los pronombres o detalles. Después de todo, sabemos que es posible: las audiencias gay lo han estado haciendo durante siglos. “Pensé que sería interesante hacer un disco explícitamente queer y ver si las personas que no son queer podrían relacionarse con él de la misma manera que yo, que absolutamente puedo relacionarme con música hecha por personas heterosexuales,” explicó Shura por teléfono una fresca mañana de verano. “Estoy siendo más explícitamente queer en este disco y haciendo esa pregunta: ¿Es, de hecho, más fácil de relacionar porque simplemente estoy siendo más yo, más de mí misma, más auténtica?”

Parte de vivir esa verdad significa traer alusiones de la religión a su propia historia de amor queer de manera muy directa. La pieza central del álbum, “religion (u can lay your hands on me),” es una interpretación juguetona de una práctica espiritual, la distancia subyacente que caracterizó su relación al principio y, por supuesto, el consentimiento sexual. “La primera canción que escribí que hizo este disco fue ‘religion,’ y creo que siempre estuvo en mi mente que cada canción que escribiera para este álbum debía, de algún modo, conectarse de vuelta a eso,” explicó Shura. “No sé si conoces The L Word y ‘el gráfico’, pero sentí que en el medio debía estar ‘religion’, y todas estas otras canciones podrían de alguna manera conectarse de vuelta al medio.”

Usando esta canción como un punto focal para cada una de las otras pistas del álbum, Denton pudo crear una red entretejida de ideas y sentimientos que se unieron para formar forevher, que se lanza esta semana a través de Secretly Canadian, y disponible con vinilo exclusivo aquí. En una conversación expansiva y sorprendentemente abierta sobre amor, sexualidad, música y religión, Shura desveló el proceso de ideación y escritura de forevher y los cambios sonoros para este disco.

VMP: Una de las primeras cosas que destaca en el álbum es la yuxtaposición de la sexualidad y la religión. ¿Por qué crees que esa dicotomía entre esos dos elementos en particular te llamó la atención?

Shura: Mi padre es un ateo ferviente y ha realizado muchos documentales sobre la religión y esas cosas. Así que, aunque no crecí con fe, fue absolutamente parte de mi educación. Me leía historias de la Biblia no porque fuera religioso, sino porque pensaba que era importante que las escucháramos, porque son esencialmente algunas de las más antiguas que tenemos. Siempre he estado fascinada por la religión en general. Muy pronto recuerdo haber tenido el pensamiento de que — especialmente en el cristianismo — tenemos el ejemplo de María como la mujer perfecta, siendo virgen y madre, y eso representa un gran problema para las mujeres.

Interesarse por la religión es, de alguna manera, interesarse en los humanos y en cómo podemos retorcer cualquier cosa para respaldar lo que ya creemos. Eso es algo que sucede en la fe y en la política. Y luego, por supuesto, tienes esta rica historia de la música pop jugando con la religión, y creciendo siendo una devota de Madonna y teniendo recuerdos muy vívidos de crecer viendo “Like A Prayer” y quedando asombrada por eso. Así que sí, es una especie de homenaje en parte a la historia de la música pop jugando con temas religiosos. Pero también es algo que me ha fascinado la mayor parte de mi vida.

Uno de los sencillos principales, “religion (you can lay your hands on me),” hace esos temas aún más directos. Hay un tono juguetón allí, también, en esa canción y ese vídeo.

La primera línea que digo, “es humano, es nuestra religión,” estoy jugando con la idea de que el sexo es una especie de religión. En la forma en que a menudo hablamos sobre el amor y el sexo con términos similares que usamos en torno a la religión como la devoción, o creemos en el amor, por lo que tenemos fe en la idea del amor, y el sexo es una especie de ritual en ese sentido. Entonces, creo que una vez que tuve esa línea, y una vez que estaba jugando con el coro y la idea de que alguien me pusiera las manos encima — y había escrito eso, en parte, porque en ese momento, la persona de la que hablaba no podía tocarme, porque estaba al otro lado del planeta.

Así que fue esa diversión de, “Oh, puedes tocarme, pero puedo decir eso porque sé que no puedes.” Lo que alimentó aún más esa picardía. Solo quería divertirme, especialmente cuando sé que estoy hablando de relaciones queer. No solo estamos hablando de sexo y religión, sino particularmente de amor queer, y especialmente de amor queer entre dos mujeres, porque históricamente la religión tiene un gran problema con la idea de que las mujeres tomen placer en el sexo. Así que en esta canción, realmente quería llevar esa idea tan lejos como pudiera y definitivamente divertirme con la absurda idea. Y también lo hice en el vídeo, en tener este extraño otro mundo donde podía ser una papa como mujer y estar a cargo de un convento de monjas lesbianas.

Debido a la opresión de la cultura heterosexual y patriarcal, es raro que una obra de arte queer sea vista como universal. ¿Y por qué era importante para ti incluir ese elemento de universalidad en el álbum?

Durante toda mi vida, más o menos hasta los últimos cinco o seis años — excepto Tegan y Sara — escuchaba música pop hecha por personas heterosexuales sobre relaciones heterosexuales. Retorcía las cosas en mi cabeza para relacionarlas conmigo. Así que cambiaría pronombres, no necesariamente los cambiaría y los cantaría en voz alta, pero en mi mente, incluso si nunca cambié el pronombre, en mi cabeza, si una persona estaba cantando sobre un hombre, lo imaginaba como una mujer, porque así soy yo. Escucho a Bon Iver y lloro. No lo escucho y digo: “Bueno, este es un hombre heterosexual viviendo en una cabaña en el bosque, no puedo relacionarme con esto.”

La universalidad es importante para mí, y es importante para toda la música, porque así es como la gente se relaciona. Si las personas no pueden relacionarse con algo, entonces ¿cuál es el sentido en cierto modo? Pero creo que a veces lo contradictorio es lo que hace que el arte sea relevante. Ciertamente con mucha música pop la gente dice: “Está bien, pues para que sea relevante tiene que ser muy simple y no específica con letras muy básicas que cualquiera pueda cantar, entonces no importa.” Y yo opino que a veces ser más específico ayuda a la gente a conectarse más. Eso es algo que he hecho en toda mi música, pero particularmente en este disco, doy detalles horriblemente específicos. Espero que al ser más específica, la gente se relacione más.

Tu debut fue más sintético y más solitario, ¿puedes hablar sobre el cambio sonoro y cómo eso influyó en este disco? Incluso el romance y la sexualidad de las formas más funky y R&B aquí destacan inmediatamente.

Cuando empecé a hacer el disco, recientemente me había enamorado, estaba escuchando música muy diferente de la que escuchaba cuando hice el primer disco. Estaba escuchando mucha música soul, y soul de los años 70, folk de los años 70, acababa de redescubrir a Joni Mitchell de forma significativa, todas las canciones de Minnie Riperton que no había sabido que existían. Estaba escuchando música muy diferente y realmente emocionada por ello. Creo que en parte, por estar en Brooklyn y pasar tiempo en Lot Radio donde se escucha una música disco y soul increíble. Simplemente sonaba la banda sonora de mi vida en ese momento.

Me volví realmente receptiva a la idea de usar todos los instrumentos a los que antes habría sido alérgica al hacer el primer disco. Estaba muy emocionada con la idea de escribir canciones predominantemente al piano, y averiguar cómo aún usar sintetizadores, pero el piano es el núcleo, y el punto de partida para estas canciones. Y quería asegurarme de que tanto como fuera posible se tocara en vivo. Porque el proceso de hacer el primer disco fue increíblemente solitario. Éramos yo y Joel, Joel Pott, con quien escribí la mayoría de las canciones, en una habitación juntos en el sureste de Londres. Incluso en la forma en que trabajamos, trabajamos en una canción, y luego pasamos a la siguiente, de principio a fin. Así que incluso el proceso de trabajar en las canciones era solitario, porque trabajábamos una a la vez.

Mientras que en este disco trabajé con el mismo bajista y baterista para todo. Y ya había escrito las canciones. Dije, “Está bien, estas son las canciones, y así es un poco vagamente cómo veo las canciones, pero quiero que toquen juntos y se respondan entre sí de manera que pueda ser muy humano.” Así que grabamos todos los tambores y el bajo juntos. Quería que se sintiera más rítmico y humano, porque la historia de este disco era sobre la conexión humana en lugar de la aislamiento. El primer disco era muy estructurado y tan perfecto como pude hacerlo físicamente. En este, quería que fuera suelto y libre, y rítmico. Definitivamente fue una elección abordar esto de una manera diferente, más fluida, usando una paleta sonora diferente. En parte simplemente porque estaba en un lugar emocional y geográfico muy diferente.

¿Cuál fue la primera canción cuando comenzaste a tener una idea de cómo sería el segundo álbum?

La primera canción que escribí que hizo este disco fue “religion,” y siempre estuvo en mi mente que cada canción que escribiera para este disco debía conectar de alguna manera de vuelta a eso. Ya sea a través de otra canción. Para mí, probablemente, la canción o el momento del que estoy más orgullosa y que más amo y siento que es realmente el corazón y el alma de todo este viaje es “princess leia,” que es probablemente la canción más diferente del disco a cualquier cosa que haya hecho antes. Y una de las pocas canciones que no trata realmente sobre el amor. Pero [este] es sobre la muerte, y supongo que la razón por la que la muerte aparece un poco es porque cuando amas a alguien, ya sea tu familia o amor romántico por una pareja, te hace tener más miedo a perder cosas. Y sentí que aunque este es, espero, un disco alegre, hay un lado ligeramente más oscuro, donde también estoy asustada. Es como si estuviera la verdadera yo, diciendo: “Sé que eres realmente feliz, pero vas a morir.” Creo que esa canción para mí fue un momento realmente especial en la escritura y grabación.

Creo que esas dualidades, estar tan profundamente enamorada y darte cuenta de que la pérdida va a suceder, pase lo que pase, es algo con lo que me conecté en Bluets. Cuando vi que se mencionaba como parte de tu marco para escribir el disco, tenía mucho sentido. ¿Por qué crees que usar un color se presta tan bien a hablar de esos sentimientos delicados de amor?

La mejor manera de comenzar a intentar responder a esa pregunta es hablar sobre lo que el azul significa para mí. Es una palabra que mencioné antes, hay un anhelo en el color azul, y un deseo por lo eterno, y creo que eso está parcialmente en su asociación con la religión. Pero es absolutamente este azul profundo y rico del que estoy hablando, que es a la vez cálido y también hay una tristeza ahí. Y vuelve a esa dualidad, este calor del amor, de sentir y enamorarse, y esta ligera tristeza de que no puede ser para siempre, incluso si amaras a esa persona toda tu vida, y estuvieras juntos por el resto de tu vida, hay una tristeza de que algún día terminará, y terminará ya sea porque mueren o tú mueres.

¿Cambió algo para ti al salir del armario cuando se trata de crear música?

No creo que haya cambiado la forma en que hago música, porque incluso si la gente no sabía al principio que era gay, estaba muy abierta en mi vida y en mi sello discográfico. Así que no creo que cambiara la forma en que escribía. Definitivamente siento que en este disco — y probablemente solo como resultado de estar enamorada y tener una historia de amor de la que hablar — me sentí empoderada para ser específica o más explícitamente queer. Pero es esa cosa cuando estás enamorada y quieres contárselo a todo el mundo. Es más un producto de estar enamorada lo que cambió la forma en que escribo en lugar de ser públicamente queer. En cierto modo, tu sexualidad tiene muy poco que ver con el sexo.