Los 10 mejores álbumes de jazz moderno de Londres que debes tener en vinilo

Facilitando este auge del jazz moderno en Londres está el espíritu de colaboración que conecta a sus estrellas. Estos virtuosos frecuentemente aparecen en los discos de los demás. Suben al escenario juntos y se reúnen en los salones de los otros cuando es necesario. La química de una comunidad artística unida puede ser difícil de capturar y casi imposible de definir. Cuando puedes transferir esa química al vinilo, se siente como un pequeño milagro.

Para los recién llegados que buscan una forma de acceder al jazz moderno de Londres, es vital escuchar la compilación de Brownswood We Out Here, uno de los primeros lanzamientos en encapsular la magia. Aquí, nos hemos centrado en 10 de las mejores declaraciones de larga duración realizadas por bandas y artistas individuales que han salido de The Old Smoke en los últimos años. Cada uno actúa como la Prueba A de una escena de jazz humeante, indeleble e innegable, que exige atención global. Nadie que se conecte ahora mismo lo olvidará jamás.

Shabaka and The Ancestors: Wisdom of Elders (2016)

Busca en Londres a las figuras centrales de su nuevo renacimiento jazzístico y pronto te toparás con el inquieto saxofonista y líder de banda Shabaka Hutchings. El bohemio británico de Barbados ha hecho tanto como cualquier persona para definir la escena. Entre su audaz y amplio cuerpo de trabajo, Wisdom of Elders es un claro destacado. Para crear el disco, Hutchings apareció en Johannesburgo y se conectó con un grupo de músicos locales que se conocieron como The Ancestors. El resultado es un disco rico y poderoso que mezcla los tonos melódicos de Hutchings, el patrimonio sudafricano de la banda y las lecciones de Sun Ra. Descritos como "un salmo en nueve partes", estas son composiciones que suenan como el lado maldito de la espiritualidad. Los desgastados cánticos vocales se asemejan a antiguos mantras o trágicas procesiones fúnebres. Sin embargo, el saxofón de Hutchings es relajado y lujoso en canciones como "Joyous". Mientras tanto, "Give Thanks" presenta el respaldo de los vibrantes tambores de Tumi Mogorosi y poco más, ofreciendo un espacio claro para que Hutchings respire fuego ardiente a través de su instrumento favorito.

Yussef Kamaal: Black Focus (2016)

Probablemente encontrarás Black Focus en la sección de jazz de tu tienda de discos local. Sin duda, esto es jazz: los instrumentales desatados de Yussef Dayes y Kamaal Williams se mueven con el espíritu del género. Pero los dos londinenses del sureste combinan los sonidos clásicos de funk, soul, boogie, afrobeat y hip-hop en una mezcla elegante que destila este rincón plural y glorioso del Reino Unido. Evocando, en particular, los sonidos clásicos de soul-jazz de Roy Ayers y Lonnie Smith, y la música moderna de estrellas de la escena de Los Ángeles como Robert Glasper y Thundercat, los arreglos son tan atemporales como una corbata delgada o un bourbon. La percusión de Dayes realmente destaca, mientras que los elegantes teclados de Williams vagan libremente, ayudando a llevar las suaves melodías que van en aumento del álbum. La química de la pareja se muestra mejor en la final "Joint 17". Se necesita una habilidad suprema y un estilo ilimitado para hacer que un arreglo tan poco convencional suene tan relajado y sin esfuerzo.

Nubya Garcia: Nubya’s 5ive (2017)

En Nubya’s 5ive, la saxofonista nacida en Camden, Nubya Garcia, sirve el néctar más suave de Londres. Toma el elegante "Lost Kingdoms", que se desliza suave como el satén al oído, mientras que el más tradicional "Red Sun" evoca el enfoque libre de Wayne Shorter. Aunque Garcia es indudablemente la estrella aquí, reúne a una banda estelar de la escena local que añade su propio sentido de estilo al álbum. La percusión poco convencional de Moses Boyd ofrece la base perfecta durante todo el álbum, mientras que el piano deslumbrado y sin fronteras de Joe Armon-Jones en "Fly Free" es una enérgica y creciente pieza de juego libre. "Hold" es impulsado por una potente y profunda brasa. Que la canción esté presente aquí en dos tomas diferentes resalta la dedicación del grupo a la expresión libre.

Zara McFarlane: Arise (2017)

La música de Zara McFarlane extrae partes de su trasfondo del este de Londres, herencia jamaicana y extensa formación musical formal, que incluye tiempos en el London College of Music y el Guildhall School of Music and Drama. Mostró su voz temblorosa y el sonido de un club de jazz de medianoche en el todavía grandioso álbum If You Knew Her, que recibió el premio a Mejor Acto Jazz en los MOBO Awards 2014, pero Arise es el más logrado en el catálogo de la cantante. Trabajando con el baterista y productor Moses Boyd, que comparte la herencia caribeña de McFarlane, el álbum explora los ritmos de Jamaica: reggae, Kumina, nyabinghi y calypso. El enfoque en la historia es evidente desde la corta pista de apertura "Ode To Kumina", que está inspirada en la tradición Kumina, una religión afro-jamaicana desarrollada por esclavos contratados del Congo en el siglo XIX. En otros lugares, el hermoso ritmo de "Peace Begins Within" subraya un himno justo de empoderamiento personal, con el falsete flotante de McFarlane demostrando ser su instrumento más importante.

Sons of Kemet: Your Queen is a Reptile (2018)

La escena del jazz londinense frecuentemente ofrece antisépticos reconfortantes para la Gran Bretaña de la era del Brexit. Liderados por ese hombre Shabaka Hutchings, Sons of Kemet lanzan uno de los registros más comprometidos políticamente que emergen del caos. Los títulos de las canciones son inmediatamente impactantes, cada uno nombrado en honor a grandes e influyentes mujeres negras. Por ejemplo, la canción de apertura "My Queen is Ada Eastman" está dedicada a la bisabuela de Hutchings. Cuando el vocalista invitado Joshua Idehen grita: "Burn UKIP, fuck the Tories / Fuck the fascists, end of story", desata la furia de la capital multicultural que rechazó rotundamente el Brexit pero debe vivir con el aumento del sentimiento nacionalista. Sonoramente, Your Queen is a Reptile, el tercer álbum del grupo, expande su paleta musical. El ajetreado "My Queen is Harriet Tubman" une algunos metales graves, solos animados y percusiones hiperactivas que son fáciles de bailar, mientras que el rumoreante "My Queen is Mamie Phipps Clark" lleva las improntas de grupos de ska como The Specials.

Joe Armon-Jones: Starting Today (2018)

El tecladista Joe Armon-Jones perfeccionó su arte como miembro de Ezra Collective y junto a su buen amigo Maxwell Owin en el EP conjunto Idiom, pero el álbum debut en solitario Starting Today ofrece una representación completa de la amplitud de las inclinaciones musicales de Armon-Jones. Su amor por el R&B de antaño, el funk, el hip-hop y el boogie está presente en los surcos del disco. Incluso la carátula del álbum, creada por la artista y amiga Divya Scialo, muestra imágenes del apartamento de Armon-Jones en Londres, reflejando la naturaleza personalizada de las seis canciones.

Los puntos destacados incluyen "Almost Went Too Far", un número sedoso que busca los sonidos de R&B americano de los años 70 de Larry Levan, Paradise Garage y Shuggie Otis. La canción que da título presenta los apasionados cantos del vocalista Asheber, ofreciendo un oportuno llamado a la acción para los más marginados de Londres ("A partir de hoy, voy a limpiar la sangre de estas calles," canta. "A partir de hoy, esparce amor en la comunidad"). A veces, los mejores álbumes debut son una amalgama de ideas, como si el creador no estuviera seguro de si alguna vez le permitirán entrar en un estudio de grabación de nuevo, así que lo mejor es aprovechar al máximo. Aquí, Armon-Jones nos da todo lo que tiene.

Kamaal Williams: The Return (2018)

Puede que nunca sepamos qué causó que Yussef Kamaal se dividiera repentinamente. Después de Black Focus, perder a la pareja se sintió como un golpe devastador para la escena jazzística de Londres. Cualesquiera que fueran las razones detrás de la separación, Kamaal Williams se apresuró a presentarse como el continuo natural del grupo. La carátula y las fuentes de la portada de The Return coinciden con las de Black Focus, una clara reclamación del legado del grupo. Más importante aún, The Return ofrece más de los grooves cósmicos que satisfacen tanto la segunda vez. La batería es funky, el bajo está muy elevado y los teclados retro-futuristas de Williams son gloriosamente sedosos. En cuanto los acordes lentos y las oleadas de sintetizador de apertura "Salaam" suenan, no hace falta ser musicólogo para decir que esto representa un rápido regreso a los negocios para el londinense del sur.

Tenderlonious: The Shakedown (2018)

Tenderlonious, alias Ed Cawthorne, es un saxofonista, DJ, jefe de sello y una figura clave en la escena del jazz londinense. The Shakedown es el resultado de una sola sesión de ocho horas, pero con algunos de los mejores músicos de la escena en el equipo, apodados The 22archestra, que incluyen a Yussef Dayes en la batería y Hamish Balfour en los teclados, es un disco funky de cool grooves, trabajo urbano de flauta y teclados relajados. También hay una fuerte influencia del hip-hop: "SV Interlude" y "SV Disco" son un tributo a Slum Village, mientras que el juego de flauta de Tenderlonious en "Togo" se dice que está inspirado en los grooves del virtuoso de Slum, J Dilla o MF DOOM.

The Shakedown, sin embargo, es un disco de jazz en su esencia. "Yussef's Groove" comienza con potentes baterías, y cada uno de los miembros de The 22archestra entra de manera constante, utilizando completamente su poder virtuoso, alternando entre un bajo profundo, solos de piano elegantes y piano eléctrico nebuloso. Hay momentos de más contención, con una atmósfera al estilo de Bitches Brew que proporciona una palpable sensación de anticipación y pasión, mientras que aún retiene ese golpeo, ese swing de los años 70 que hacen tan bien. The Shakedown pudo haber sido grabado en aproximadamente el mismo tiempo que toma volar de Londres a Nueva York, pero la banda está en un groove tan dulce, suena como si tuvieran todo el tiempo del mundo.

Moses Boyd: Displaced Diaspora (2018)

Puede que solo haya un Flying Lotus, pero eso no significa que Moses Boyd no pueda encajar cómodamente en la línea esotérica de FlyLo. Boyd hace música electrónica enraizada en la tradición del jazz. Habiendo primero establecido su inusual mandato en el lanzamiento de cuatro pistas de 2017 Absolute Zero (una canción como "Square Up" suena como si hubiera sido sacada de un Sega Genesis hackeado), Boyd expande las fronteras exteriores de su sonido en Displaced Diaspora. Observa cómo la canción de apertura "Rush Hour/Elegua" mezcla cánticos africanos tradicionales con los electrónicos soul de Boyd. Zara McFarlane es la invitada en la balada azul medianoche "City Nocturne". Mientras tanto, la experimentada banda Kevin Haynes Grupo Elegua aparece en cuatro pistas, ayudando a añadir una sensación más tradicional de jazz a las canciones. Tal vez lo mejor sea "Rye Lane Shuffle", que captura la bulliciosa calle de Peckham, después de la cual está nombrada, en una mezcla ocupada de metales retumbantes, solos de guitarra y baterías veloces.

Camilla George: The People Could Fly (2018)

De niña, la madre de Camilla George a menudo le leía historias de The People Could Fly, un libro de cuentos africanos impregnado del tema de la esclavitud. El fuerte sentido del espíritu humano que la artista de origen nigeriano y radicada en Londres absorbió de estas historias influye en su álbum del mismo nombre. Este conjunto de piezas impecablemente producidas y cuidadosamente arregladas tiene un aire relajado — ninguna dura más de seis minutos. Pero el sentimiento de George canción por canción es palpable. El sonido de cadenas tintineantes potencia el saxofón de George al comienzo de la melancólica "The Most Useful Slave". Lejos de ser un solo tono, "The People Could Fly" ofrece un lado más animado de su arte. El álbum termina con una versión de "Here, but I'm Gone" de Curtis Mayfield, vinculando a George con los grooves socialmente conscientes de los años 70, resucitando relatos oportunos para el aquí y ahora.