Ein Flamenco-Überblick

Die Geschichte des Flamenco ist ebenso faszinierend wie die Musik selbst. Die immer nomadischen Romanis kamen vor mehr als 500 Jahren nach Spanien und brachten die zahllosen kulturellen Einflüsse, die sie auf ihrem Weg begegneten, mit sich. Die von ihnen mitgebrachten asiatischen und osteuropäischen Einflüsse vermischten sich mit den arabischen, jüdischen und christlichen Kulturen, die damals im Süden Spaniens stark präsent waren. Flamenco entstand dann als kultureller Ausdruck des Roma-Volkes auf der Iberischen Halbinsel. Die Romani-Musik war, genau wie die Menschen selbst, jahrhundertelang weitgehend von der allgemeinen spanischen Kultur ausgeschlossen. Verfolgt und ausgegrenzt, isolierten sich die Romani und bewahrten den Flamenco für sich selbst, indem sie ihn nur bei Zusammenkünften und Feierlichkeiten aufführten. Es dauerte bis ins 19. Jahrhundert, bis romantische Reisende aus ganz Europa Interesse an diesem Genre zeigten und schließlich — ironischerweise — diese vernachlässigte Kunstform zu einem Gegenstand des nationalen Stolzes und der Identität für die Spanier machten.

Flamenco ist größtenteils ein kollektives Genre. Bailaores (Tänzer), cantaores (Sänger) und tocaores (Gitarristen) nähren sich von den Kräften der anderen und erwecken die Musik mit ihren Händen, Füßen und Stimmen zum Leben. Improvisation spielt eine wichtige Rolle bei den Aufführungen, da die Künstler die Emotion des jeweiligen Moments diktieren lassen, in welche Richtung die Musik geht. Trotz der spontanen Natur des Genres folgen die Darbietungen vorgegebenen Strukturen, die verhindern, dass die Aufführungen ins Chaos abgleiten. Traditionelle Stile, die palos genannt werden, setzen einen rhythmischen, harmonischen und lyrischen Bauplan für die Lieder fest. Stellen Sie sich diese wie den zwölftaktigen Blues vor: Während es leicht erkennbare Elemente gibt, die alle Lieder teilen, gibt es Raum für die Persönlichkeit und Ideen des Künstlers, um durchzuschimmern. Meistens wird das palo eines bestimmten Liedes als Teil des Titels angegeben, während andere Lieder keinen richtigen Titel haben und nur durch den Stil, in dem sie aufgeführt werden, identifiziert werden. Es wäre nahezu unmöglich, hier alle palos aufzulisten, und während die Struktur, die von jedem einzelnen festgelegt wird, etwas zu viel sein kann, um sie zu begreifen, sind die gängigsten Stile leicht für ihren Charakter zu erkennen. Alegrías sind freudig und gut zum Tanzen geeignet, bulerías sind lebhaft und leidenschaftlich, während saetas und soleares dramatisch und unheimlich sind.

Die Weite des Flamenco-Universums macht die Wahl nur einer Handvoll Künstler und Aufnahmen zu einer schwierigen Aufgabe. Obwohl die folgende Liste keineswegs vollständig ist und nicht jeden Musiker erwähnt, der Ihre Aufmerksamkeit wert ist, ist es ein guter Ausgangspunkt, um das Genre und seine künstlerische Entwicklung zu verstehen. Gehen Sie voran und genießen Sie einige der besten spanischen Musik, die je aufgeführt wurde, und lassen Sie sich von diesen Künstlern und Aufnahmen in das Flamenco-Universum hineinziehen.

La Niña de los Peines

Der spanische Dichter Federico García Lorca — ein leidenschaftlicher Flamenco-Enthusiast — beschrieb die Stimme von La Niña de los Peines einmal als aus Schatten und geschmolzenem Zinn gemacht. Auch wenn solche Bezeichnungen viel zu esoterisch klingen, um eine tatsächliche Beschreibung der Stimme einer Person zu sein, ergibt die Metapher Sinn, sobald man ihre Musik hört. Pastora Pavón Cruz — La Niña de los Peines — hatte die einzigartige Fähigkeit, Lieder auf ihre elementarste emotionale Form zu reduzieren. Durch Anpassung der Form ihrer Lippen und den Wechsel zwischen nasalem und Brustton regulierte La Niña das Timbre ihres Gesangs, um das erforderliche Gefühl in jede Zeile eines Liedes einzuflechten. In einer Demonstration reiner Virtuosität führt sie den Zuhörer durch eine Vielzahl von emotionalen Stadien und drückt alle Gefühle eines ganzen Lebens selbst in einem einfachen, wortlosen Klagelied aus. Ein Zeugnis für ihre einzigartige Fähigkeit und ihren Einfluss ist die Tatsache, dass sie in einem von männlichen Sängern dominierten Genre ein Name ist, den niemand zögert zu erwähnen, wenn über die größten cantaores aller Zeiten gesprochen wird. Zusammenstellungsalben wie La Edad De Oro Del Flamenco - Vol. IV sind ein perfektes Schaufenster für La Niñas Fähigkeit, die Kämpfe der andalusischen Frau wie keine andere darzustellen.

Antonio Mairena

Es ist sicher zu sagen, dass Flamenco heute nicht dasselbe wäre, wenn es Antonio Mairena nicht gegeben hätte. Eine führende Figur im Übergang des Flamencos von einem in der Intimität familiärer Feiern vorgetragenen Volksausdruck zu einer etablierten Kunstform, setzte er sich für die Bewahrung der ältesten Traditionen des Genres ein. Mairena zeigte ein künstlerisches Engagement, wie es nur wenige vor ihm gezeigt hatten, indem er tief in die Geschichte des Flamencos eintauchte und palos und Kompositionen, die lange in der mündlichen Tradition des Roma-Volkes verloren gegangen waren, wieder zum Leben erweckte. Abgesehen von seiner Rolle bei der Bewahrung des Flamencos war es Mairenas eindrucksvolle Stimme, die ihm einen Platz unter den Größten des Genres einbrachte. Alben wie Cantes de Antonio Mairena und La gran historia del cante gitano andaluz fangen das kraftvolle Vibrato des cantaores und das präzise mikrotonale Singen auf dem Höhepunkt seiner Kunst ein und machen selbst die einfachsten Melodien zu starken emotionalen Aussagen von Schmerz und Freude.

Camarón

José Monje Cruz — besser bekannt unter seinem Künstlernamen Camarón — ist wohl der größte Star, den der Flamenco je hatte. Neben dem feurigen, selbstaufopfernden Gesang, der in diesem Genre üblich ist, konnte Camarón mit Zurückhaltung und Zartheit auftreten und zwischen Ansätzen wechseln, um das Beste aus jeder Komposition herauszuholen. Sein Gesang verkörperte die volle Meisterschaft und Verfeinerung des Genres: Alle viszeralen Qualitäten, die den Flamenco ursprünglich so einzigartig machten, waren noch vorhanden, aber diese neue, polierte Version des Genres zeigte eine Nuance, die für die Kunstform neu war. Alben wie Como el agua zeigten sein unerreichtes Können und fesselten das Interesse des größten Publikums, das dieses Genre je hatte. Sein größtes künstlerisches Statement ist jedoch das bahnbrechende Album La leyenda del tiempo. Zunächst von den hochkonservativen Flamenco-Kreisen wegen seiner Verschmelzung von Rock, Jazz und Nahöstlicher Musik heftig kritisiert, bedeutete dieses Album die Übernahme der Tradition des Genres und öffnete die Türen für Erkundungen jenseits seiner Grenzen.

Paco de Lucía

Es gibt einen guten Grund dafür, dass der einflussreiche Jazzgitarrist John McLaughlin Paco De Lucía im selben Satz wie Miles Davis und Igor Strawinsky nennt, wenn es um die größten Musiker des 20. Jahrhunderts geht. Es gab viele virtuose Flamenco-Gitarristen — Sabicas, Diego del Gastor und Tomatito kommen einem in den Sinn — aber kein anderer hatte den Einfluss, den Paco De Lucía auf das Genre hatte. Während reich und einzigartig für seine feurigen Auftritte, fehlte dem Flamenco-Gitarrenspiel vor De Lucía die Raffinesse und Nuance. Paco brachte die ausgereifte Technik der klassischen Gitarre und die Harmonie des Jazz in das Genre, was den Verlauf des Flamencos für immer veränderte. Das leidenschaftliche Zupfen und die perkussiven Schläge des Genres wurden plötzlich von schönen Arpeggios, schnellen Tremolos und komplexen Akkorden voller Farbe und Gefühl begleitet. Für einen Vorgeschmack darauf, was Paco leisten konnte, hören Sie sich Almoraima und Fuente y Caudal an oder tauchen Sie ein in seine Flamenco-Jazz-Erkundungen neben Al DiMeola und John McLaughlin selbst.

Flamenco Heute

Obwohl Flamenco ein Genre ist, das stark mit Tradition verbunden ist, ist es keineswegs eine künstlerische Ausdrucksform, die ausschließlich der Vergangenheit angehört. Sobald die Schleusen für Fusionen geöffnet waren, gab es kein Zurück mehr. Seit den 80er Jahren haben sich zahlreiche Iterationen des Genres entwickelt und tragen weiterhin zur Weiterentwicklung und zum Wachstum des Idioms bei. Flamenco ist nicht mehr nur auf die Roma oder sogar auf die Südspanier beschränkt. Die Musik dieser Künstler wird zunehmend nuanciert, multikulturell und multitematisch und diversifiziert die lyrischen Themen eines Genres, das typischerweise nur von Trauer, Schmerz und Freude handelte. Die junge Sängerin Rosalía ist zu einer internationalen Sensation geworden mit ihrer aktualisierten Sichtweise auf den Flamenco, indem sie Elemente von Pop, Hip-Hop und alternativer Musik in die melodischen und ästhetischen Elemente einarbeitet, für die das Genre bekannt ist. El Niño de Elche versucht wie sie, den Flamenco am Leben zu erhalten, indem er die Regeln bricht, die das Genre in der Vergangenheit einschränkten. Elektronische Instrumentierung, gesprochene Worte und Krautrock prägen alle El Niños Musik, während sie trotzdem den orthodoxen palos folgt, die sie an das Wesentliche des Flamenco binden. Andere Künstler, wie Diego El Cigala, verfeinern den traditionellen Gesang des Genres und bringen ihn in neue Kontexte wie die des Jazz und der lateinamerikanischen Musik. Ob durch die Aktualisierung seines Klangs und die Verschmelzung mit zeitgenössischen musikalischen Ausdrucksformen oder durch die Perfektionierung seiner traditionellsten Kanons, zeigen die Künstler unserer Zeit, dass die künstlerischen Möglichkeiten des Flamencos noch lange nicht ausgeschöpft sind.