Der surrealistische Synth-Pop von Let’s Eat Grandma

Rosa Walton und Jenny Hollingworth trafen sich in einem Kunstkurs im Kindergarten und haben seitdem eine langjährige kreative Partnerschaft gepflegt, die eine Vielzahl unterschiedlicher Outputs hervorgebracht hat - vom Bau von Baumhäusern über das Drehen von Kurzfilmen bis hin zur Aufnahme und Veröffentlichung ihres musikalischen Debüts im Jahr 2016 als Let’s Eat Grandma, I, Gemini. Das Album folgte auf Jahre des gemeinsamen Musizierens, hauptsächlich als Spiel, bevor diese Sessions in einen freisinnigen psychedelischen Trance-Folk übergingen, der seinen spielerischen Ursprung charmant verriet, ohne an Substanz zu verlieren. Doch trotz der resultierenden Sammlung von bezauberndem, nächtlichem Goth-Pop scheint die über zehnjährige künstlerische Verbindung des Duos erst jetzt ihr größtes Potenzial zu erkennen.

Wo I, Gemini in Schüben und Anfällen fortschritt, angenehm in seiner eigenen unkonventionellen Stimmung zwischen schillernden Taschenspielertricks watend, ist der zweite Versuch des Projekts, I’m All Ears, eine genau ausgeführte Abfolge von surrealistischem Synth-Rock. Die beiden sind in ihrem Ansatz nicht weniger experimentell und suggerieren Shoegaze durch Steptanz oder thermonukleare New-Wave, aber die Ergebnisse fühlen sich deutlich überlegter an. Latent zu ihrer Einführung haben Let’s Eat Grandma erheblich aufgerüstet und diesmal eine umfassendere, inklusivere Vision ihrer frühreif ikonoklastischen Art realisiert.

Die Kompositionen auf I’m All Ears sind professionell und magnetisch und suggerieren ein Expertenniveau der Studiohandwerkskunst, das verschleiert, wie unglaublich jung diese beiden wirklich sind. Nehmen Sie die von SOPHIE produzierte Lead-Single „Hot Pink“, die ein Vakuum ausmeißelt und zusammenbrechen lässt, durch einen Beat-Drop, der ausschließlich durch Antimaterie ausgelöst wird. Das Lied beginnt mit trällernden, provokanten Gesängen, während ein subtiler Boom unter der Oberfläche sich plötzlich in einen kaleidoskopischen Sturm aus zerbrochenem Glas und verschweißtem Stahl verwandelt. Die zweite Hälfte des Liedes geht von industriellem Gurgeln zu Kaugummifunken über und spiegelt die textliche Abkehr von Grenzen zwischen Männlichkeit und Weiblichkeit wider, wobei die traditionell widersprüchlichen Konzepte als komplementäre Punkte innerhalb derselben Konstellation präsentiert werden.

Das Album ist voll von solchen gewagten Gegensätzen, mechanischen Low-End-Elementen kontrastierend mit sanft beleuchteten melodischen Berührungen und mystischen Bildern mit ungezügeltem Gefühlsausdruck. Sie halten ein extrem stabiles Gleichgewicht wie das eines chirurgisch präzisen Aquarellisten, der dichte Details mit einem weich fokussierten Abdruck liefert. Aber während die Produktion makellos ist, ist das Songwriting deutlich jugendlich im besten Sinne - trotzig verletzlich, konfrontativ befreit und kompromisslos in seinem Übermaß. I’m All Ears ist ein Album über junge Liebe, oder genauer gesagt, über die Verliebtheit in die Idee der jungen Liebe.

Gefüllt mit spezifischen Eindrücken, abstrakt in romantische Philosophie überführt, ist die Handschrift in ganz I’m All Ears einzigartig und einheitlich evokativ. „Ich wette, Sie erinnern sich, dass es Silvester war / Wunderkerzen durch Palaststraßen / Wir wussten, obwohl Jahre sich ändern / Wir würden uns immer gleich fühlen“, singt Walton auf der anderen von SOPHIE produzierten Single „It’s Not Just Me“ (die auch Arbeiten von Faris Badwan von den Horror enthält) und hebt hervor, wie bestimmte Momente aus der Vergangenheit die Gesamtheit komplizierter Beziehungen in texturiertem Bernstein festhalten können. Das Lied selbst ist zappeliges, funkelndes Pop, etwas wie Lorde durch Hot Chip. Wie beide jener Künstler sind Walton und Hollingworth geschickte Techniker darin, gleichzeitig das Vergnügen und den Schrecken zu vermitteln, eine wahre Funken in dem zu entdecken, was zuvor als unerwiderte Sehnsucht galt.

Auf dem Höhepunkt des Albums - und einem der besten Lieder des Jahres - „Falling Into Me“ treten sie in die nachfolgende Phase der verschwommen gerandeten alles einnehmenden Anziehung, wenn man mit jemandem einen gemeinsamen Luftraum teilt, der scheinbar unbeeinflusst von der restlichen Welt ist, die er einnimmt. Es ist eine Ode an den Rausch der ungebremsten Intimität, aber auch an die Stärke, die sie beim Navigieren des gesamten unerforschten Territoriums, das sie auf dem Weg aufwirft, bietet. Da ist der Fall: „Ich kann nicht einfach liegen oder sein lassen / Wenn alle Worte, die Sie sagen, an mir haften / Sie besetzen meinen Geist in jeglicher Weise“, und dann das Bracen für den Aufprall: „Sie, ich, dies / Jetzt ist der beste Ort, wo immer wir hingehen / Kein Grund, zurückgehalten zu werden.“

Die Kraft dieser Gefühle kommt nicht nur von den Worten, die sie wählen, sondern auch von ihrer Darbietung, die von Schluckauf tiefer Aufregung zu erklärenden Gesängen schwingt und alle ihre Silben in eine Vielzahl ungewöhnlicher und berauschender Muster zerhackt. Walton nimmt einen köstlich taumelnden Fluss an, um auf „Snakes & Ladders“ bitter zu werden, während das kombinierte schwefelige Anschwellen ihrer beiden verflochtenen Stimmen den Refrain von „Hot Pink“ von potenziell pingelig zu Hochspannungselektrizität übersetzen. Auf der sehnsüchtigen Mental-Health-Erzählung „Ava“ singt Hollingworth mit unterstützender Dringlichkeit über das klopfende Klavier und lehnt sich in die Vokale der Zeile: „Nun, wenn Sie ausrutschen oder ins Stocken geraten, halte ich Ihre Hände“, bevor sie sich just als das Klavier für einen halben Sekundenbruchteil ins Stocken gerät, aufrichtet.

Let’s Eat Grandma kontextualisieren jeden dieser Momente innerhalb eines breiteren Klanguniversums, einer dynamischen Farbpalette, die sowohl Platz für die erklärende Ouvertüre von „Falling Into Me“ als auch die üppigen Unterströmungen von „It’s Not Just Me“ bietet. Im Gegensatz zur schwankenden Eigenartigkeit von I, Gemini sind ihre Klänge diesmal alle mit einem angeborenen Sinn für Bewegung durchdrungen, der, auch wenn er nicht vollständig eine Teilnahme des Publikums erfordert, suggeriert, dass sie sich auf die Tanzflächen aufwärmen. Jeder Dezibel auf I’m All Ears umfasst einen abenteuerlichen Autorenstil in Bezug auf Rhythmus und Klangfarbe, der den vorgeschlagenen Vorläufern der Gruppe wie James Murphy und Lady Gaga würdig ist.

Am besten ist, wenn die Gruppe es wagt, sich zu kosmisch großen Längen zu strecken. Das vorherige Album hatte lange Stücke, aber I’m All Ears widmet fast die Hälfte seiner Laufzeit zwei ambitionierten Kolossen des Songhandwerks. Das erste, „Cool & Collected“, ist eine verwaschene Gitarrennummer, die Angel Olsens Ruhe und ein Gefühl des Wunders, angelehnt an die Gitarrenklänge von Houses Of The Holy verkörpert, gesteuert durch eine angeblich nicht nachhaltige Wachstumsrate, bis es in separate Teile zerfällt, die synchron in Tandem rühren, als ob sie eine Art kollektiven Bewusstseins teilen.

Das zweite, „Donnie Darko“, ist eine sentimentale Sternenkreuzer, wie ein episches Stück von LCD Soundsystem, bei dem die Ad-libs von Nancy Whang die Lead-Gesänge übernehmen. Über 11 Minuten biegen Walton und Hollingworth tiefgehende Gitarren, eine kriechende House-Schleife und Poesie über introspektive Reflexionen zu einem romantischen, monddurchtränkten Slow-Burner. Das Lied macht nie offensichtliche Übergänge von Abschnitt zu Abschnitt, schafft es aber dennoch, am Ende bei einem mitreißenden, kathartischen Outro zu landen, das sich auf alles stützt, was ihm vorausging. Das ist das Dreh- und Angelpunkt vieler Stärken von Let’s Eat Grandma - und ihre größte Leistung auf I’m All Ears - dass sie es schaffen, Magie sowohl mit der Anziehungskraft von Alchemie als auch mit dem Auge von Architekten zu entzünden.