Digital/Geteilt: Elektronische Musik im September, Bewertet

Trotz meiner besten Anstrengungen als Betreiber dieser regelmäßig erscheinenden Auswahl an elektronischen Kuriositäten dominiert Tanzmusik weiterhin die Szene. Wenn die meisten Menschen die Clublandschaft betreten, ist das Letzte, was sie hören wollen, die neo-klassischen Abstraktionen von Oneohtrix Point Never oder die krampfhaften Cronenbergian-Ausbrüche von Iglooghost, die ich absolut liebe. Im Allgemeinen gehen die Leute tanzen, weil sie tanzen möchten, und die Art von verlässlichen Rhythmen, die solche einfachen Wünsche erfüllen, haben weniger mit dem Intellektuellen als mit dem Primitiven zu tun. Im Gegensatz dazu bevorzugt Digital/Divide typischerweise das Zuhören im Sessel gegenüber dem Nachtsclub-Erlebnis, hauptsächlich weil ich meine Zeit in der amerikanischen Clublandschaft verbracht habe und jetzt lieber die Nacht durchschlafe.

Als jemand, der früher in halb-legalen Räumen wie Pornokinos und Kindermuseen gefeiert hat und neuen Freunden immer noch stolz erzählt, dass er einmal Richie Hawtins Alkohol in der erhöhten Kabine des inzwischen geschlossenen Nachtklubinstituts The Limelight getrunken hat, ist es leicht, Zynismus gegenüber dem stark kommerzialisierten Zustand moderner Tanzmusik zu vermitteln. EDM entstand aus Schablonen, überstieg Dächer und Mauern und den Mond selbst, um bei jedem Musikfestivalgang einen mittelmäßigen Mittagszufluchtsort von Indie-Rockern und Rappern zu bieten, die über Aufnahmen ihrer eigenen Stimme schreien. Die elektronischen Charts von Billboard bestehen größtenteils aus einem bunten Haufen von Branchenschauspielern, Pop-Sänger-Einlagen und gut gepflegten Typen, die aussehen, als wären sie auf der dritten Base geboren.

Das heißt, die Vorzüge eines treibenden Abenteuers in das Versprechen eines Peak-Time-Sets haben immer noch ihren Charme. Und wenige Plattenlabels fangen das Gute am Clubbing so gut ein wie Anjunadeep. Das in London ansässige Label bringt kontinuierlich erstklassige House-Musik der tiefen/elektronischen/Tech-/Progressive-Variante heraus, meistens optimistische Sachen, die die Stimmung heben, während sie den Hintern in Bewegung bringen. Es ist auch einer der wenigen Kanäle, die das Albumformat ernst nehmen und ihren Künstlern erlauben, mehr als belanglose Zusammenstellungen oder zynische Playlists von anbiedernden Möchtegern-Singles zu präsentieren.

Die neueste Vollversion des Labels stammt von Yotto, einem finnischen DJ/Produzenten mit einer beachtlichen Anzahl an Veröffentlichungen seit 2015. Die 13 Tracks, die Hyperfall (Anjunadeep) ausmachen, tragen eine unverhohlene Sentimentalität mit sich, die das Album thematisch mit emotionalem Gewicht füllt. Benannt nach seiner Vorstadt-Heimatstadt, erweckt „Kantu“ mit jugendlicher Gefahr, wobei programmierte Glockenklänge Dringlichkeit inmitten von basslastigen Wellen ausdrücken. Ein ähnliches Drama schleicht sich in „Turn It Around“ ein, das vage hoffnungsvoll beginnt, bevor eine frische Melodie für weitere Klarheit sorgt. „Odd One Out“ funkelt mit allen Merkmalen eines erstklassigen Tech-House-Auftritts, während „Walls“ in Synthpop-Sensationalismus eintaucht und zu einem ungescheuten New-Wave-Revival heranwächst.

Obwohl einige Gäste auftreten, missbraucht das Album das Privileg nicht wie so viele seiner Pop verwendenden Kollegen. Yotto rekrutiert seinen buchstäblichen Bruder CAPS für die rührselige blauäugige Soulmusik „Epilogue“ und holt die isländische Sängerin Margrét Rán Magnúsdóttir, um das jubelnde „The One You Left Behind“ in die Wintersonne zu tragen. Sønin und Laudic gesellen sich zum Underworld-ähnlichen „Hear Me Out“, das trotz seiner offensichtlichen Melancholie brodelt.

Hiro Kone: Pure Expenditure (Dais)

Der industrielle Boom im Techno der letzten Jahre hat viele charakteristisch abrasive und verstörende Werke hervorgebracht. Ein Nachteil ist jedoch, dass er zu häufig die klangliche Vielfalt seiner musikalischen Tradition übermäßig vereinfacht. Seit den Tagen von Throbbing Gristle gab es zahlreiche Acts, die sich nicht nur darauf beschränkten, die Dunkelheit für mehr Dunkelheit zu durchdringen. Vielmehr beleuchteten sie diese Orte und Räume, um farbenfrohe und dennoch authentische Interpretationen ihrer Visionen zu produzieren, die innerhalb des breiten Genres blieben. Hiro Kone operiert in diesem speziellen Raum und bietet ein zappeliges Update mit Verknüpfungen zu Coil und dem Ant-Zen-Records-Katalog. Pure Expenditure knistert von Anfang bis Ende, ein üppiges und geschichtetes Meisterwerk, das seine Geheimnisse mit künstlerischem Geschick enthüllt. „Scotch Yoke“ glänzt ebenso wie es stöhnt; „Disoccupation Of The Sphere“ täuscht mit Minimalismus, während es allmählich den Schleier zurückzieht. Eine Veteranin der am meisten verehrten Nischen und Winkel der Industrie, die Dichterin/Chanteuse Little Annie, taucht aus ihrer neuesten Chrysalis auf, um die Köpfe bei „Outside The Axiom“ zu sprengen.

Jlin: Autobiography (Planet Mu)

Seit Dark Energy aus dem Jahr 2015 das Potenzial von Footwork außerhalb der Tanzfläche demonstrierte, blicken alle Augen auf diesen in Indiana ansässigen Produzenten. Das großartige Black Origami vom letzten Jahr hat ihre experimentellen Meriten verstärkt, als es ihr gewähltes Genre-Anfangsbild in mutiges neues Terrain gelenkt hat. Mit diesem Projekt, dem Soundtrack zu einer modernen Tanzperformance choreografiert von Wayne McGregor, tritt der clubweise Kontext ihrer früheren Arbeiten in den Hintergrund, während sie sowohl atemberaubendes Sounddesign als auch meisterhafte Komposition zeigt. Von dem Schwung und Klirren von „Carbon 12“ bis zu den organischen Klanglandschaften von „Anamnesis (Pts. 1 & 2)“ ist ihre kontrollierte Ausführung von Komplexität und manchmal sogar Unordnung bewundernswert. Schwer mit Samples, desorientiert „The Abyss Of Doubt“ mechanisch, während es whirrt, während „Kundalini“ Jlin’s spirituelle Interessen mit Sitar-Echos treu wiedergibt. Und obwohl den Zuhörern die entsprechenden visuellen und menschlichen Bewegungen fehlen könnten, beschwört das evokative einstündige Autobiography dennoch Bilder im Kopf herauf. Entsprechend ihrer Titel stottern und mahlen „Mutation“ und „Unorthodox Elements“, während sie Cabaret Voltaire und Ballett gleichzeitig hervorrufen.

Jumping Back Slash: Fun (selbstveröffentlicht)

Ein britischer Transplantierter, der seit einiger Zeit in Südafrika lebt, ist Jumping Back Slash oft ein starker Befürworter und Praktiker der House-Musik-Varianten seines adoptiven Landes, die als Gqom und Kwaito bekannt sind. Selbst wenn die regionalen Nuancen und Feinheiten dieser Musik für anglophile Ohren mehr oder weniger ununterscheidbar erscheinen, verdienen Teile seines neuesten Projekts frische Hörer, die sich in die Klänge von Kapstadt, Durban und Johannesburg verlieben. „My Dagga Tragedies“ hämmert weiter, während seine absolut wunderschönen Synth-Leads nach Verlängerung über einer klebrigen Basslinie betteln, während der likeminded Knaller „I Keep Waiting“ diese euphorische Sehnsucht aufrechterhält. Spannung herrscht über „On A Wire, Suspended“, das bestimmte filmische Qualitäten aufweist. Nicht bereit, sich auf ein bestimmtes Subgenre festzulegen, zeigt sich JBS' schelmische Natur im Heavy Metal-Skronk von „Tinfoil“, einer knappen Minute digitalen Hardcore-Punks, und in den Drones und Warbles von „Eating Dragonfruit With My Wife“. Fun? In der Tat.

Niagara: Apologia (Principe Discos)

Das ist kein gewöhnliches Principe-Album. Sicher, das portugiesische Label hinter Kuduro-Futuristen DJ Firmeza und DJ Marfox zeigt regelmäßig die Heterogenität der Klänge der Szene, aber Apologia ist anders. Eine seltsame kleine Schleife, verstärkt durch die Stimmen von körperlosen Feen, sieht der Eröffnungstrack „França“ kaum wie die Vibrationen aus, die von den Vororten Lissabons ausgehen. Niagara zeigt sich als die elektronischen Sinnesverwirrer des Labels, sabbernd über das Mobiliar und die Vorhänge verspottend. Ob dieses Debütalbum zum Lachen bringen soll oder nicht, das unausweichliche Schmunzeln bietet eine ziemlich beruhigende Konstanz durch seine lohnende Dauer. Der irreführend betitelte „6:30“ dehnt eine säurehaltige Flatulenz über die Sieben-Minuten-Marke aus, während „Damasco“ die Zuhörer in Echtzeit fesselt, während es mit seiner Melodie spielt. Vergleichsweise ernsthaftere Tracks wie „Cabo Verde“ und „2042“ weisen auf die clubbigen Stile hin, für die dieses Label bekannt ist. Dennoch sind Beats hier weniger wichtig, als sie es normalerweise sind. Wenn Sie das akzeptieren, verdient sich Apologia schnell Vergebung.